Artists in IQ Galleries Collection EVELINE ALBERS - NLTerug naar boven - Engels - DuitsEVELINE ALBERS - ENGBack to Top - Dutch - GermanEVELINE ALBERS - GERZurück nach oben - Niederländisch - EnglischGERHARD ALMBAUER - NLTerug naar boven - Engels - DuitsGeboren in 1957 in Graz, Oostenrijk. Gerhard is van jongs af aan met tekenen en fotografie bezig. Sinds 1975 is bij begonnen te werken met olieverf en vanaf 1986 is de aquareltechniek het middelpunt van zijn werk. Vanaf 1993 heeft hij ook etsen gemaakt en is hij weer bezig gegaan met olieverf schilderen. In het jaar 1997 werden bronzen en sculpturen zijn voornaamste bezigheid. Het werk van Almbauer is vertegenwoordigd in talrijke openbare en particuliere collecties. Gerhard maakte veel studiereizen naar Bali, Nepal en India. Hij is mede-oprichter van Kunstfabrik Wien. Gewonnen prijzen: 1991: Tomainfor Kunstkalender 1992: eerste prijs ontwerpwedstrijd label mineraalwater Waldquelle 1993-2002: Kunstkalender Aquarelle Europa - Bertelsmann Verlag/D 1994: ORF-Fernsehfilm 1996: ORF-Fernsehfilombeteiligung 1997: Kunstkalender 'Blumen', firma GZT GERHARD ALMBAUER - ENGBack to Top - Dutch - GermanBorn in 1957 in Graz, Austria. Gerhard has been busy with drawing and photography starting from a very early age. Since 1975 he started working with oilpaint and from 1986 onwards aquarel technique was at the center of his work. Since 1993 he has also made etches and also started painting with oilpaint again. In 1997, bronzes and sculptures became his main activity. The work of Almbauer is represented in many public and private collections. Gerhard made many studietrips to Bali, Nepal and India. He is co-founder of Kunstfabrik Vienna, Austria. Prizes won: 1991: Tomainfor Kunstkalender 1992: 1st Prize Design competition label mineralwater Waldquelle 1993-2002: Kunstkalender Aquarelle Europa - Bertelsmann Verlag/D 1994: ORF-Fernsehfilm 1996: ORF-Fernsehfilombeteiligung 1997: Kunstkalender 'Blumen', firma GZT GERHARD ALMBAUER - GERZurück nach oben - Niederländisch - EnglischDANA ANDREEV – NLTerug naar boven - Engels - DuitsDana Baginska volgde de opleiding aan de Academie voor Beeldende Kunsten te Warschau, Grafische faculteit (1975). Dana Baginska was voorheen bekend onder de naam Dana Andreev. Zij werkt met verschillende technieken: bronsbeelden, grafiek en schilderijen. Haar werk is sterk beïnvloed door Oosterse en Japanse cultuur. http://www.danabaginska.nl/ DANA ANDREEV – ENGBack to Top - Dutch - GermanDana Baginska was educated at the Arts Acadamy in Warshaw, Graphics Faculty (1975). Dana Baginska was formerly known by the name Dana Andreev. She works with different techniques: bronze statues, graphics and paintings. Her work is heavily influenced by Eastern and Japanese culture. DANA ANDREEV – GERZurück nach oben - Niederländisch - EnglischAD ARMA - NLTerug naar boven - Engels - DuitsAd Arma (1954) is een veelzijdig kunstenaar. Naast zijn grafisch werk, schildert hij en maakt hij bronzen en keramische beelden. In zijn werk is vaak dezelfde thematiek terug te vinden: het samenvallen van het verleden en de toekomst in de dromen van het heden. Dit zeiden de stemmers onder meer over Ad Arma: Heeft zowel met zijn schilderkunst als met zijn beeldhouwen altijd een even hoge kwaliteit en kunstzinnigheid ten toon gespreid en deze inspirerende hard werkende kunstenaar is een meester in het weergeven van gevoelens en de betekenis van het leven in zijn etsen. Een ets van Ad Arma is intens genieten van kleuren en symboliek.”. AD ARMA – ENGBack to Top - Dutch - GermanAd Arma (1954) is a versatile artist. Next to his graphical work, he paints and makes bronze and keramic statues. In his work, he often uses a recurring theme: the convergence of past and future in the dreams of today. Here is what voters said about Ad Arma: "He has demonstrated with his paintings as well as with his sculputing always a consistant high quality and artfulness, and this inspiring and hard working artist is a master in showing feelings and the meaning of life in his etches. An etch of Ad Arma is to enjoy colors and symbolism intensely" AD ARMA – GERZurück nach oben - Niederländisch - EnglischAd Arma (1954) ist ein sehr vielseitiger Künstler. Neben seinen grafischen Arbeiten ist er auch als Maler tätig und gestaltet er bronzene und keramische Skulpturen. In seinem Werk ist oft die gleiche Thematik zurückzufinden: Das Zusammenfliessen von Vergangenheit und Zukunft in den Träumen von heute. Dies wurde in Kommentierungen u.a. über den Künstler Ad Arma gesagt: "Er hat sowohl mit seiner Malkunst als auch mit seiner Bildhauerei immer eine sehr hohe Qualität und Kunstsinnigkeit zum besten gegeben" N.B.: in NL-tekst "zowel" toevoegen Sowie "Dieser inspirierende, hart arbeitende Künstler ist ein wahrer Meister in der Wiedergabe von Emotionen und der Bedeutung des Lebens in seinen Arbeiten. Eine Forderung Ad Armas ist das intensive Geniessen von Farbe und Symbolik". ARMANDO – NLTerug naar boven - Engels - DuitsArmando (Amsterdam 1929) behoort tot de belangrijkste naoorlogse Nederlandse kunstenaars. Hij wordt nationaal en internationaal gewaardeerd als beeldend kunstenaar, schrijver, film- en documentairemaker en violist. Zijn werk, met als basis zijn persoonlijke ervaring van de Tweede Wereldoorlog in Amersfoort, handelt over existentiële en universele thema's die hij beschrijft in termen van macht en onmacht, daders en slachtoffers, herinnering, vergankelijkheid en melancholie. Fascinatie voor geweld en kwaad bepaalt zijn werk van meet af aan. Verbaasd over de verraderlijke schoonheid van dit geweld, werkt Armando zijn thematiek in elke discipline die hij beoefent op unieke wijze uit. Gedreven door het verlangen naar inzicht in het kwaad en naar de beheersing van de technieken om zijn thematiek vorm te geven, verkent hij de mogelijkheden van ieder medium tot het uiterste. (http://www.armandomuseum.nl/) ARMANDO – ENGBack to Top - Dutch - GermanArmando (Amsterdam 1929) belongs to the most important post-world war II Dutch Artists. He is both nationally as well as internationally renowned as a visual artist, writer, film- and documentary maker and violinist. His work, based on his personal experiences during World War II in Amersfoort in the Netherlands, deals with existential and universal themes that he describes in terms of power and powerlessness, perpetrators and victims, memory, transience and melancholy. A fascination for violence and evil determines his work from the outset. Surprised about the treacherous beauty of this violence, Armando works his thematics in every discipline that he practices in a unique way. Driven by the desire to aquire insight into evil and into the mastery of the techniques the design his thematics, he explores the possibilities of each medium without limitations. ARMANDO – GERZurück nach oben - Niederländisch - EnglischArmando (Amsterdam 1929) gehört zu den wichtigsten Nachkriegskünstler der Niederlande. Er wird national und international geschätzt als bildender Künstler, Autor, Filmregisseur, Dokumentarfilmer und Geiger. Seine Arbeiten, auf der Grundlage persönlicher Erfahrungen mit dem Zweiten Weltkrieg in Amersfoort, handeln von existentiellen und universellen Themen, die er mittels solcher Ansätze wie Macht und Ohnmacht, Täter und Opfer, Erinnerung, Vergänglichkeit und Melancholie umsetzt. Die Faszination für die Gewalt und das Böse haben ab Anfang seine Arbeit bestimmt. Erstaunt über die verräterische Schönheit dieser Gewalt arbeitet Armando die jeweilige Thematik in jeder seiner Disziplinen auf einmaliger Art und Weise aus. Getrieben vom Verlangen nach dem Verstehen des Bösen und nach der Beherrschung der Techniken dies darin Form zu geben, erkundet er die Möglichkeiten einer jeden Kunstrichtung bis zum Anschlag. ARTURO – NLTerug naar boven - Engels - DuitsArturo voelt zich verbonden met de moderne tijdgeest. De revolutie naar een digitale samenleving houdt hem in zijn greep. Hij gebruikt zijn ervaring en kennis van digitale media om een nieuwe weg in te slaan. Met behulp van computer en beeldscherm worden zijn werken conceptueler; variërend van surrealistisch tot abstract expressionistisch. Door zijn artistieke kwaliteit voegt hij gevoel toe aan een - door velen - gevoelloos geacht medium en een oude waarheid wordt opnieuw bevestigd: "Het werktuig wordt pas tot instrument in de hand van de meester." Brachten de kunstschilders voorheen de dode verf tot leven, nu blaast de digitaal werkende kunstenaar leven in de virtuele realiteit. ARTURO – ENGBack to Top - Dutch - GermanArturo feels connected with the modern zeitgeist. The revolution towards a digital society holds him in its grip. He uses his experience and knowledge of digital media to strike a new path. Using computer and monitor his work becomes more conceptual, ranging from surreal to abstract expressionist. Through his artistic quality, he adds to a - by many - deemed numb medium an old truth: "The tool is only an instrument in the hand of the master." Where painters of old used to bring dead paint to life, here the digitally working artist brings life to virtual reality. ARTURO – GERZurück nach oben - Niederländisch - EnglischROBERTO AZANK – NLTerug naar boven - Engels - DuitsRoberto Azank werd geboren in Buenos Aires, Argentinië in 1955. Zijn grootvader was een kunstenaar die olieverfschilderijen maakte en zijn vader was een meester ontwerper van borduurwerk. Op 14-jarige leeftijd won Roberto de eerste prijs voor de schilderkunst op zijn middelbare school. Zijn eerste studie was Fotografie en later studeerde hij ook architectuur aan de universiteit van Buenos Aires. In 1979 verhuisde hij naar de Verenigde Staten, waar hij experimenteerde met verschillende kunstvormen en media. Dit leidde ertoe dat hij een carrière in de kunst wilde nastreven. Roberto bleef zijn ambacht bijspijkeren en hij begon vervolgens met felgekleurde abstracte werken in acryl. In de late jaren '80 was zijn stijl geëvolueerd van abstract tot figuratief en hij begon te schilderen in olieverf. In 1994 verhuisde Azank naar de Catskill Mountains van New York. Hier werkte hij voornamelijk aan stillevens. Dit zijn de werken waar hij bekend mee is geworden. Roberto's doeken bevatten een bepaalde hyperrealiteit. Dit komt onder andere door zijn gedurfde gebruik van kleur, de precieze lijnen en de gecontroleerde samenstelling. Veel voorkomende objecten zoals bloemen, fruit, vazen en kaarsen krijgen een nieuw leven tegen een sterke horizon die het beeld in kleurvlakken verdeelt. Deze kleurvlakken, vaak niet in tinten te beschrijven, zijn de hoeksteen van het werk van Azank. De objecten van de stillevens fungeren als de dragers van de zoektocht naar de positieve en negatieve ruimte, plaatsing en schaal. Roberto kiest ervoor om de onnodige versiering weg te laten uit zijn composities. Hiervoor in de plaats kiest hij ervoor om de precisie uit de door hem oorspronkelijk bestudeerde architectuur te benadrukken. Roberto Azank, nu op de helft van zijn carrière, wordt beschreven als een 'metaklassieke kunstenaar' wiens belangen in de abstracte kwaliteiten van het realisme liggen, in tegenstelling tot het fotografisch kopiëren van de natuur. ROBERTO AZANK – ENGBack to Top - Dutch - DuitsRoberto Azank was born in Buenos Aires, Argentina in 1955. His grandfather was an artist who made oil paintings, and his father was a master designer of embroidery. At the age of 14, Roberto won first prize for painting at his high school. His first study was photography and later he studied architecture at the University of Buenos Aires. In 1979 he moved to the United States, where he experimented with various art forms and media. This led him into wanting to pursue a career in the Arts. Roberto continued to develop his craft, and he then began making brightly colored abstract works in acrylic. In the late 80s his style had evolved from abstract to figurative, and he began to paint in oils. In 1994 Azank moved to the Catskill Mountains of New York, where he made mainly still lifes. These are the works for which he has become most known. Roberto's paintings contain a specific hyperreality. This is partly due to his bold use of color, the precise lines and controlled composition. Common objects such as flowers, fruit, vases and candles are given a new life against a strong horizon that divides the image into color planes. These areas of color, often describing in hues are the cornerstone of the work of Azank. The objects of the still lifes act as the carriers of the search for the positive and negative space, placement and scale. Roberto chooses to leave out the unnecessary in his compositions. In its place he chooses to emphasize the architecture he originally studied. Roberto Azank, now halfway into his career, is described as a "meta-classical artist", whose interests lie in the abstract qualities of realism, as opposed to photographically copying nature. ROBERTO AZANK – GERZurück nach oben - Niederländisch - EnglischRoberto Azank wurde 1935 in Buenos Aires (Argentinien) geboren. Sein Grossvater war Ölgemälde-Künstler und sein Vater ein wahrer Meister in der Anfertigung von Stickarbeiten. Kunstwerke Roberto Azank Im Alter von 14 Jahren gewann er bereits auf der "Middelbaar Onderwijs"-Schule einen Preis für seine Malereien. Seine erste Studienrichtung war die Fotografie und später studierte er auch Architektur an der Universität von Buenos Aires. !979 zog er in de USA um, wo er mit unterschiedlichen Kunstformen und Medien experimentierte. Dies führte dazu, dass er letztlich eine Kunstkarriere anstreben wollte.Roberto Azank verfeinerte seine handwerkliche Fähigkeiten und er fing an mit grellgefärbten, abstrakten Acrylarbeiten. In den späten achtziger Jahren hatte sich sein Stil von abstrakt nach figurativ fortentwickelt. Auch begann er jetzt mit Ölfarbe zu malen. 1994 zog er um in die Catskills Mountains von New York, wo er hauptsächlich Stilllleben produzierte. Es sind dies die Werke mit denen er bekannt geworden ist. Robertos Gemälde zeigen eine gewisse Hyperrealität infolge einer sehr gewagten Anwendung von Farben, genauen Linienstrukturen und kontrollierten Kompositionen. Vielfältig vorkommende Objekte wie Blumen, Früchte, Vasen und Kerzen bekommen ein neues Leben vor einem betonten Horizont, der die Bildkomposition in Farbflächen verteilt. Diese Farbflächen, die im farblichen Sinne oft nicht zu beschreiben sind, bilden das Fundament von Azanks Werk. MENNO BAARS – NLTerug naar boven - NL - EN - GERMenno Baars begon pas na zijn geneeskundestudie te schilderen en heeft geen kunstacademie bezocht. Naast schilder is hij cardioloog. Baars staat bekend als één van de voornaamste beeldend kunstenaars van de jonge generatie in Nederland. Door het publiek en in de media wordt zijn expressionistisch werk vaak vergeleken met dat van Karel Appel. Het heeft hem bewondering en minachting gebracht. Hij wordt aanbeden en verguisd. Zelf zegt hij hierover: ´Mij maakt dat niets uit. Je houdt van mijn werk of je vindt het niets.´ Baars is een vrije levenskunstenaar en zijn figuren zijn spontaan, ongekunsteld en grappig. Ze bevatten een wat onhandige, naïeve kwaliteit. Het kleurengebruik is bewust heel fel en agressief. Eind 2006 kwam het overzicht "Hart Voor Elkaar" uit (Lannoo, Brussel), een boek vol afbeeldingen van zijn schilderijen en gedichten van de in 2010 overleden Dichter des Vaderlands, Driek van Wissen. Sinds 2007 neemt Menno Baars deel aan verschillende gerespecteerde Amerikaanse kunstbeurzen en heeft hij exposities in o.a. Monaco en Dubai. Op het Peter Stuijvesant Bal in New York schildert hij live voor de Nederlandse Koninklijke Familie. In 2008 beschildert hij, in opdracht van de Schiphol Group, een passagiersvliegtuig door vanuit een helicopter verf te gooien. In 2009 koopt het JF Kennedy Airport New York een grote "Baars" aan en heeft Menno Baars, als eerste kunstenaar ooit, een zeil van een zeilboot op zee beschilderd. Dat deed hij al hangend in de mast van het Team Delta Lloyd racejacht in de Volvo Ocean Race 2009/2010 in de haven van Stockholm. In november 2009 deed hij mee aan de Elephant Parade in Amsterdam. Zijn "BaarsFant nr 1" olifantsculptuur werd door Christie's geveild voor 30.000 euro. In 2010 neemt hij samen met Corneille deel aan de Elephant Parade London, hij beschildert daarnaast een 30m hoge luchtvaartballon voor bemande vlucht en maakt voor de MC Groep Ziekenhuizen de buiten beeldengroep "For The Love Of Life", vijf grote orgaansculpturen. Begin 2011 werd KatGear onthult, de door hem beschilderde BMW M3 art car. In zomer 2011 start hij met Liberty Nudes, een serie nieuwe felgekleurde collage's van verf, linnen en foto, waarin uitgeknipte beschilderde naakten zijn te herkennen. Lichamen die onherkenbaar ingekleurd zijn met woeste, dikke slierten verf. Werk van Baars bevindt zich in collecties van ondere andere KPN, ABNAMRO, Microsoft en het JFK Airport New York. Daarnaast in gerenommeerde privecollecties, ook koning Gustaaf van Zweden heeft een origineel Menno Baars in zijn bezit. Menno Baars is aangesloten bij de BBK Beroepsvereniging van Beeldend Kunstenaars Amsterdam Ik, Menno Baars, schilder snel en bevrijdend. Ik denk daar niet te veel over na. Ik word er vrolijk van, ik voel mij goed als ik schilder. Ik ben de meest expressionistische schilder van het moment. Ik hou me met mijn passie bezig en laat me inspireren door het ontmoeten van andere gepassioneerde mensen. Zo ontwikkel ik nieuwe ideeen en doe dingen die nog nooit zijn gedaan. Ik spreek klare taal. Confrontaties ga ik niet uit de weg. Ik ben op zoek naar oplossingen en veeg de vloer aan met bullshit. Ik ben van mening dat alles wat je bedenkt ook uitvoerbaar is. Niets is onhaalbaar en daarom ligt een wereld van mogelijkheden voor mij open. Ik weet wie ik ben. Omdat ik zeg wat ik denk voel ik mij sterk en kan ik de hele wereld aan. Als figuratief schilder ben ik vooral beïnvloed door Vincent van Gogh, Karel Appel en George Baselitz. Maar ik ben een schilder van deze tijd. Kunst is altijd beïnvloed door de tijd waarin men leeft. Men denkt vaak dat een schilderij zijn tijd vooruit is. Dat is niet waar. Het is het publiek dat achterblijft. Menno Baars 2011 mennobaars.com MENNO BAARS – ENGBack to Top - NL - EN - GERMenno Baars only began painting after his medical studies and did not attend to any art school. Besides painting, he is a cardiologist. Baars is known as one of the most prominent artists of a young generation in the Netherlands. By the public and in the media, his expressionist work is often compared to that of Karel Appel. It has brought him both admiration and contempt. He is worshiped and reviled. He himself says: "It does not matter to me. You either like my work or you don't. " Baars is a free spirited life artist and his figures are spontaneous, straightforward and funny. They contain a somewhat clumsy, naive quality. The use of color is deliberately very bright and aggressive. Towards the end of 2006, the compilation "Heart for Eachother" was published (Lannoo, Brussels), a book full of pictures of paintings and poems of the former Dutch National Poet Driek van Wissen, who passed away in 2010. Since 2007 Menno Baars participates in several respected American art fairs and has held exhibitions in Monaco and Dubai. At the Peter Stuijvesant Ball in New York, he paints live for the Dutch Royal Family. In 2008 he paints a passenger plane by throwing paint from a helicopter, commissioned by the Schiphol Group. In 2009, JF Kennedy Airport New York purchases a big “Baars” and Menno Baars became the first artist ever to have painted a sail of a sailboat at sea. He did so by hanging from the mast of the Team Delta Lloyd racing yacht in the Volvo Ocean Race in the harbor of Stockholm in 2009/2010. In November 2009, he participated in the Elephant Parade in Amsterdam. His "BaarsFant No. 1" elephant sculpture was auctioned by Christie's for 30,000 euros. In 2010 he collaborated with Corneille to take part in the Elephant Parade London, and he also paints a 30m high air balloon for manned flight and makes the MC Group Hospitals outdoor sculpture group "For The Love Of Life", five major organ sculptures. In early 2011, KatGear was revealed, a painted BMW M3 art car. In the summer of 2011, he starts with Liberty Nudes, a new series of brightly colored collage of paint, canvas and pictures, in which cutouts of painted nudes can be recoqnized. Bodies that have been unrecognizably colored with fierce, thick streaks of paint. Work of Baars is in collections of KPN, ABN AMRO, Microsoft, and the JFK Airport New York, in addition to renowned private collections, including King Gustav of Sweden who has an original Menno Baars in his possession. Menno Baars is affiliated with the Professional Association of Visual Artists BBK Amsterdam "I, Menno Baars, paint fast and liberating. I do not think about it too much. It makes me cheerful, I feel good when I paint. I am the most expressionist painter of the time. I am actively engaged with my passion and am inspired by meeting other passionate people. So I develop new ideas and do things that have never been done. I speak plain language. I do not shy away from confrontations. I seek solutions and do away with with bullshit. I believe that everything you can think of is feasible. Nothing is impossible and therefore a world of possibilities is open to me. I know who I am. Because I say what I think, I feel strong and I can beat the whole world. As a figurative painter, I am mainly influenced by Vincent Van Gogh, Karel Appel and George Baselitz. But I am a painter of our time. Art has always been influenced by the times in which we live. People often think that a painting is ahead of its time. That's not true. It is the audience that remains." Menno Baars 2011 MENNO BAARS – GERZurück nach oben - NL - EN - GERMenno Baars fing erst nach seinem Medizinstudium an zu malen und hat keine Kunstakademie besucht. Ausser Maler ist er auch Herzspezialist. Baars steht bekannt als einer der wichtigsten bildenden Künstler der jüngeren Generation in den Niederlanden. Vom Publikum und in den Medien wird sein expressionistisches Werk gerne verglichen mit dem Karel Appels. Es hat ihm Bewunderung und Missachtung eingebracht. Selber sagt er dazu: "Mir macht das nichts aus. Man mag meine Arbeit oder man mag sie nicht". Baars ist ein freidenkender Künstler und seine Figuren sind spontan, ungekünstelt und lustig. Sie verfügen über eine etwas ungeschickte Qualität, der Farbgebrauch ist dagegen grell und aggressiv. Ende 2006 erschien das Werk "Hart voor Elkaar" (Lannoo, Brüssel) vom "Dichter des Vaterlandes" Driek van Wissen (2010 verstorben), ein Buch voll mit Abbildungen seiner Gemälde, umrahmt von Gedichten. Seit 2007 nimmt Menno Baars Teil an diverse, überaus respektierte amerikanische Messen und hat er Ausstellungen gehabt in u.a. Monaco und Dubai. Auf dem New Yorker "Peter Stuijvesant"-Ball malte er live vor der niederländischen Königsfamilie und 2009 bemalte er, im Auftrag der Schiphol-Gruppe, ein Passagierflugzeug von einem Hubschrauber aus mittels heruntergeworfener Farbe. 2009 kauft der New Yorker "JF Kennedy"- Flughafen ein grossformatiges Baars-Gemälde an und hat er in jenem Jahr, als erster Künstler überhaupt, das Segel eines Segelschiffs auf hoher See und im Stockholmer Hafen bemalt. Dabei hing er am Mast einer "Delta Lloyd"-Regattajacht während des "Volvo Ocean Race"-Wettkamfps (2009/2010). Seine "BaarsFant nr. 1"-Skulptur wurde vom Auktionshaus Christie's für 30.000 Euro verkauft und 2010 nahm er mit dem Maler Corneille Teil an der "Elephant Parade London". Auch bemalte er einen 30 m hohen Luftfahrtballon und gestaltete er für den Auftraggeber "NC Groep Ziekenhuizen" die Aussenskulpturengruppe "For the Love of Life". Es sind dies 5 grosse Organskulpturen. Anfang 2011 wurde das von ihm bemalte "BMW M3 -Artcar"-Auto "KatGear" enthüllt. Sommer 2011 startete er die "Liberty Nudes"-Serie mit grellgefärbten Kollagen aus Farbe, Leinen und Fotos, in denen ausgeschnittene Nackte zu erkennen sind.Es sind dies nackte Körper, die unkenntlich gemacht worden sind mittels wüster, dicker Farbschleifen. Werke von Menno Baars befinden sich in den Kollektionen von u.a. KPN, ABN/AMRO, Microsoft und "JFK-Airport New York" sowie in renommierten Privatkollektionen. Auch König Gustav von Schweden hat eine Originalarbeit von Menno Baars in seinem Besitz. Menno Baars ist Mitglied des Künstlervereins BBK ("Beroepsvereniging van Beeldend Kunstenaars") in Amsterdam. ELVIRA BACH – NLTerug naar boven - NL - EN - GERElvira Bach is een Duitse kunstenaar, die "in de 1980er jaren een vertegenwoordiger was van de Jonge Wilden" Elvira Bach werd geboren in 1951 in Neuenhain. Ze heeft van 1967 tot 1970 de openbare glaszetterschool gevolgd in Hadamar. Twee jaar later, in 1972, verhuisde ze naar Berlijn om er schilderkunst te studeren aan de Berlijnse kunstacademie. Gedurende die tijd werkte ze bij schouwburg "Schaubühne am Halleschen Ufer ". In 1981 heeft ze drie maanden doorgebracht in het Caraïbisch gebied als "artist in residence", een ervaring welke een grote artistieke inspiratie bleek te zijn. In hetzelfde jaar - Elvira Bach was toen slechts 29 jaar oud - werd ze uitgenodigd om deel te nemen aan de documenta VII. Van nu af aan werden Elvira Bach's werken getoond in vele tentoonstellingen en kunstverenigingen in het hele land. Ondanks het feit dat het heersende idee van kunst nogal analytisch, intellectueel, rationeel en innovatief was, bleef Elvira Bach sensuele en energieke schilderijen maken, de meeste van hen in flamboyante kleuren en met behulp van een expressieve beeldtaal. Een terugkerend en centraal thema in Bachs schilderijen is vrouwen en hun verleidelijke vrouwelijkheid. Bachs vrouwen hebben soortgelijke gelaatstrekken - in feite lijkt het Elvira Bach zelf te zijn die wordt vertegenwoordigd door die vrouwen. Vanaf 1978 maakt ze veel van die "zelfportretten" met verschillende soorten accessoires om de vrouwelijkheid te accentueren. In het begin van de jaren 1980 begint Elvira Bach het symbool van de slang op te nemen in haar werken. Haar schilderijen bevatten steeds meer expliciete erotische elementen. Tussen 1986 en 1992 verbleef ze enige tijd in Senegal. Haar eerste zoon, Lamine, werd geboren in 1984. Haar tweede zoon, Maodo, werd geboren in 1992. Elvira Bach is niet alleen een schilder, maar ook een zeer getalenteerde beeldhouwer. Elvira Bach woont en werkt in Berlijn. ELVIRA BACH – ENGBack to Top - NL - EN - GERElvira Bach is a German artist who "in the 1980s, was a representative of the Young Savages". Elvira Bach was born in 1951 in Neuenhain. From 1967 to 1970, she attended the public glazier school in Hadamar. Two years later, in 1972, she moved to Berlin to study painting at the Berlin Academy of Arts. During that time she worked in theater "Schaubühne am Ufer Halles". In 1981 she spent three months in the Caribbean as "artist in residence", an experience which turned out to be a great artistic inspiration. During the same year - Elvira Bach was only 29 years old - she was invited to participate in Documenta VII. From that moment onwards, Elvira Bach's works were shown in numerous exhibitions and arts organizations across the country. Despite the fact that the dominant idea of art was quite analytical, intellectual, rational and innovative, Elvira Bach continued to make sensual and energetic paintings, most of them in flamboyant colors and using an expressive visual language. A recurring and central theme in Bach's paintings are women and their seductive femininity. Bach‘s women have similar facial features - in fact it seems Elvira Bach to be represented by the women themselves. From 1978, she makes a lot of those "self-portraits" with different types of accessories to accentuate femininit. In the early 1980s, Elvira Bach begins to incorporate the symbol of the snake into her work. Her paintings more and more begin to contain explicit erotic elements. Between 1986 and 1992, she spent some time in Senegal. Her first son, Lamine, was born in 1984. Her second son, Maodo, was born in 1992. Elvira Bach is not only a painter but also a very talented sculptor. Elvira Bach lives and works in Berlin. ELVIRA BACH – GERZurück nach oben - NL - EN - GER» BakerBack to TopHANS BAX – NLTerug naar boven - NL - EN - GERJohan Francis Marie Bax (Hans) geboren te Heeze 4 juli 1956. Volgde van 1974 tot en met 1979 de Academie voor Beeldende Vorming te Tilburg. Kreeg les o.a. van: J. Dohmen, H. Engelman, W. Gorter, H. Lohman, C. Manders, J. Liesker, N. Molenkamp, R. van Rossem. 1982 tot heden werkzaam als docent tekenen naar waarneming, ontwerpen, illustreren en grafische- en driedimensionale vormgeving. Midden tot eind tachtiger jaren aanvankelijk begonnen als figuratief/abstract kunstschilder. In oktober 1992 het besluit om anders gericht te gaan werken. Na een beginperiode heeft de drang om te schilderen zich geïntensiveerd. De huidige vorm en beeldtaal is daarvan het resultaat. In beeldende zin is het werk figuratief, mythisch en zeer symbolisch, eclectisch gelaagd. Hans Bax wordt tot de nieuwe figuratieve gerekend. Het tweedimensionale beeldende gegeven wordt als zodanig niet ontkracht. Decoratieve elementen worden rijkelijk toegepast. Compositie, kleur en het gebruik van goud ondersteunen deze zienswijze. In de inhoudelijkheid van het werkstuk staat het zoeken en de twijfel van de mens centraal. De inspiratiebronnen vinden hun oorsprong in de stijl uit de "fin de siècle 1800", dit in relatie met de huidige. In bredere zin "de ontdekking van de wereld". In aansluiting op bovengenoemde opvatting wordt steeds gekozen voor eersteklas grondstoffen. De zeefdrukken zijn "opgebouwd" met 30 handmatige zeefdrukgangen. Als hedendaagse kunstenaar de achterkant van het gelijk zou willen verbeelden, dan verbeeldt Hans Bax het verlorene, het ontbrekende. Zijn stijl is daarom heel persoonlijk en zeer herkenbaar. HANS BAX – ENGBack to Top - NL - EN - GERJohn Francis Marie Bax (Hans) Heeze was born on July 4, 1956. He attended the Academy of Fine Arts in Tilburg from 1974 to 1979. He received tutorships from for example: J. Dohmen, H. Engelman, W. Gorter, H. Lohman, C. Manders, J. Liesker, N. Molenkamp, R. van Rossem. From 1982 until the present he has been working as a teacher drawing from observation, designing, illustrating and graphic and three-dimensional design. During the mid to late eighties, he initially started as a figurative / abstract painter. In October 1992, he decided to work with an entirely different orientation. After an initial period, his urge to paint intensified. The present form and imagery is the result. In visual terms the work is figurative, mythical and highly symbolic, eclectic layered. Hans Bax is counted among the new figurative. The two-dimensional visual aspect is not affected as such. Decorative elements are generously applied. Composition, color and the use of gold support this view. In the content of the work, searching and doubts of people takes center stage. The sources of inspiration are rooted in the style of the "fin de siècle 1800", in relation to the present. In a broader sense, "the discovery of the world." On top of the above view first class materials are always used. The serigraphs are "built" with no less than 30 manual screen printing rounds. If a contemporary artist would like to visualize the other side of being right, Hans Bax visualizes the lost, the missing. Therefore, his style is very personal and very recognizable. HANS BAX – GERZurück nach oben - NL - EN - GERJAN BAZUIN – NLTerug naar boven - NL - EN - GERJAN BAZUIN – ENGBack to Top - NL - EN - GERJAN BAZUIN – GERZurück nach oben - NL - EN - GERJOS VAN BEEK – NLTerug naar boven - NL - EN - GERJos van Beek is werkzaam als beeldend kunstenaar vanaf 1973. Sedert zijn verhuizing naar Sint Anthonis, in 1986, is het zwaartepunt komen te liggen op de schilderkunst, die daardoor sedertdien een enorme verdieping heeft ondergaan. Zijn werk valt op door het heldere, gedurfde kleurgebruik, gekoppeld aan een zichtbare uitstraling van optimisme en levensvreugde. Zijn thematiek sluit sterk aan bij het gewone dagelijkse leven. Fragmenten daarvan zijn vrijwel altijd, in meer of minder herkenbare mate, al dan niet gestileerd, in zijn werk terug te vinden. Ook geheel abstract werk maakt deel uit van zijn oeuvre. JOS VAN BEEK – ENGBack to Top - NL - EN - GERJos van Beek has been working as an sculpture artist since 1973. Since moving to St. Anthonis, in 1986, the focus has shifted to painting, which since has gained a tremendous amount of in-depth substance. His work is characterized by bright, bold colors, coupled with a visible aura of optimism and joy. His theme aligns strongly with ordinary daily life. Fragments thereof, are almost always, to a more or less recognizable extent, whether or not stylized, found in his work. Also entirely abstract work is part of his repertoire. JOS VAN BEEK – GERZurück nach oben - NL - EN - GERJos van Beek arbeitet seit 1973 als bildender Künstler. 1986 zog er um nach Sint Anthonis, wo der Schwerpunkt zu liegen kam auf die Kunstmalerei, die seither eine enorme Vertiefung erfahren hat. Seine Arbeiten charakterisieren sich durch den klaren, gewagten Farbgebrauch, gekoppelt an eine gut sichtbare Ausstrahlung des Optimismus und der Lebensfreude. Van Beeks Thematik bezieht sich oft auf das einfache, alltägliche Leben. Fragmente daraus sind fast immer, meistens in stilisierter Form und mal mehr, mal weniger erkennbar, in seinen Arbeiten zurückzufinden. Aber auch Abstraktes nimmt einen wichtigen Platz in seinem Gesamtwerk ein. OLIVIER BEIJN – NLTerug naar boven - NL - EN - GEROlivier Beijn (1978) kwam, als zoon van een beeldend kunstenaar, al vroeg in aanraking met kleur, vorm en verf. Zo verwierf hij op jonge leeftijd behalve heel wat ervaring ook een bijzondere eigen stijl. Op de Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten in Den Haag (succesvol afgerond in 2000) verfijnde hij zijn vaardigheden en kwam hij bovendien in aanraking met het grafische vak, waardoor hij meteen gefascineerd raakte. Geïnspireerd door de werken van Jan Montyn, Ad Arma en Anselm Kiefer ging Olivier zich verdiepen in de etstechniek en lithografie en werd hij 'verliefd' op de drukpers. Naast de kunst van het graveren liet ook de kookkunst hem niet onberoerd. In Den Haag werkte hij in verschillende toprestaurants als kok en ook in Parijs, waar hij zich na zijn opleiding een tijd lang vestigde, zette hij deze combinatie van werken voort. De laatste jaren kan Olivier buiten de horeca en werkt hij als autonoom graficus. Zijn werk krijgt niet alleen aandacht in Nederland, maar bereikt talloze exposities wereldwijd. Sinds begin 2005 is Olivier in het bezit van een groot grafisch atelier in Maassluis, waar hij woont, werkt en vol enthousiasme workshops geeft. OLIVIER BEIJN – ENGBack to Top - NL - EN - GEROlivier Beijn (1978), son of an artist, came early in contact with color, shape and color. Thus he acquired at an early age besides a lot of experience a particular personal style. At the Royal Academy of Art in The Hague (successfully completed in 2000), he refined his skills and came into contact with the graphic profession, by which he was immediately fascinated. Inspired by the works of Jan Montyn, Ad Arma and Anselm Kiefer Olivier delved into etching and lithography, and was 'in love' with the printing press. In addition to the art of engraving, also cookery did not leave him unmoved. In The Hague, he worked in several top restaurants as a cook and also in Paris, where he once settled after his education, he continued this combination of different disciplines. In recent years Olivier was able to live without professionally engaging in cookery, and now works exclusively as an independent graphic designer. His work gets not only attention in the Netherlands, but has reached numerous exhibitions worldwide. Since early 2005, Olivier is in possession of a large graphics studio in Maassluis, where he lives, and gives workshops with enthusiasm. OLIVIER BEIJN – GERZurück nach oben - NL - EN - GERAD VAN DEN BERG – NLTerug naar boven - NL - EN - GERAD VAN DEN BERG – ENGBack to Top - NL - EN - GERTrue passion can never be restrained or suppressed. Although Adrian Vandenberg was long known to the world as a guitarist and composer in the rockbands Whitesnake and Vandenberg, he always remained loyal to his passion for drawing and painting. Swallowed up by intensive tours with his bands, that took him to all corners of the world, he still found the time and the opportunity to satisfy his need for visual expression in his few free hours. Although opportunities to draw and paint were limited to odd moments, his love of art was never entirely overshadowed by the time-consuming demands of his music. Adrian Vandenberg belongs to that relatively small group of people with dual talents. In the Netherlands such people are seen as difficult to classify, and so regarded with suspicion. The prevailing wisdom is that one person cannot develop two talents at the same time. But that is only partially true. Vandenberg knows better than anyone that artistic abilities can be pushed to one side. After completing his education at the Academy of Arts in Arnhem in the early 1980s, the visual arts temporarily faded into the background to make way for a tempestuous music career. Only in 1998 did he finally decide to put art first and to concentrate upon expanding the body of work which until then had been building up gradually during "stolen" moments. The drawings and paintings of Adrian Vandenberg are characterised by their impetuosity. It would seem obvious to ascribe the dynamism and tempo of his work to the hectic lifestyle which goes with being a celebrated guitarist. But the creative urge does not stand on its own. Social engagement is as much part of it as artistic inspiration. The artist has both feet firmly on the ground, and expresses this through lively and colourful compositions placed with panache on the paper or canvas. Expression does not preclude reflection. As well as being a doer who enters into direct and impulsive dialogues with his subject matter, Vandenberg is also a thinker who responds to circumstances without restraint and yet with careful consideration. Naturally, specific events, personal and universal feelings, travel experiences and cherished memories infiltrate and are an integral part of his art. For the most part, this is done intuitively. Events sometimes do not emerge on paper or canvas until years later. But the delay between the actual incidents and their artistic treatment has no impact upon the vehemence and intensity of the creative process. Every line scratched from an oil stick, every powerful brushstroke betrays his uncontrollable need to express himself. From his accomplished imagery and craftsmanship, it is tempting to conclude that Vandenberg is making up for lost time. He is impatient. His appetite for new images seems insatiable. But despite that impatience there is no sense of overkill or rush. The compositions are always carefully structured and, although representing the ultimate experience of freedom, never come off the rails. The artist does not overplay his hand. Based upon feeling and experience, he knows exactly how far he can go to achieve the maximum effect. One striking and recurrent theme in the work of Adrian Vandenberg is duality. The world is split. People behave ambivalently. Ideas leap in different directions. Nothing is as changeable as situations, moods, weather, people. Vandenberg is intrigued by that fluctuation. He observes people and the conditions in which they exist. But at the same time he steps back far enough to be able to turn those observations into effective art incorporating actual perceptions and experiences without losing control over the final result. Wim van der Beek, art critic AD VAN DEN BERG – GERZurück nach oben - NL - EN - GERERIK BERSOU – NLTerug naar boven - NL - EN - GERERIK BERSOU – ENGBack to Top - NL - EN - GERErik Bersou was born in 1953 in Abidjan (Ivory Coast). Erik Bersou is at first a paintor until he meets with a Master-Etcher who teaches him his know-how and introduces him to a new way of expression: etching. He will make his artistic studies at the School of the Decorative Arts in Paris - etching department, where he graduates in 1978. The young artist becomes an etching and drawing professor then opens a screenprint workshop in Alençon in 1988. In 1990, he trains as a typograph. Erik Bersou now works from over 20 years as an etcher, painter, typograph, illustrator and book publisher (Andrée Chedid, André Malartre, Louis Chedid, Jean-Pierre Crespel, etc...). His interest for etching and his mastering of a major art allow him to reflect with intensity his emotions. Erik Bersou is influenced by passed emotional hurts readable in his etchings. His black shaded tones and his pure ocre colors offer sharp contrasts to his works with such intensity that it calls us for meditation. Erik Bersou builds his works around the etching process. His technics try to overcome the constraints of two dimensional supports, to work in depth in order to give effects to the material. To do so, he scratches the material or add to it pigments gathered from marble dust. Erik Bersou's work is ambitious and without concession to question spectators. It is meant to tell the untold, to go through the looking glass beyond realistic representations, to express another reality, the one that constitute our very own emotions. Between material and spirit, between taken and free space, Bersou writes down graffitis together with shade and light plays. Recently, the artist is trying another support : glass, his creations reveal a dramatic intensity where technic is entangled with spontaneity and movements. In 2003, Eric Bersou settles down in the Manche, in Cérences, sharing his time between his art and local life. There, he sets up the Gravos Press, a small publishing house whose goal is to promote encounters between authors and visual artists around poetry. Gravos Press directed by Erik Bersou publishes poems and books. For over 25 years now, Erik Bersou has participated to numerous exhibitions in France and abroad (Netherlands, Spain – French Institute in Sevilla -, Germany, Luxembourg, United-States, Israël, …). He is present at the major european etching events : SAGA Paris, Etching Fair in Frankfort, Stockholm, Cracovy, Linéart of Gand. His works are in private and public collections (Netherlands, Belgium, South Africa, Canada, France, FRAC of Basse-Normandy, FDAC of the Orne). ERIK BERSOU – GERZurück nach oben - NL - EN - GERGERTIE BIERENBROODSPOT – NLTerug naar boven - NL - EN - GERIn de loop der jaren is Gerti Bierenbroodspot uitgegroeid tot een van de bekendste, populairste en meest veelzijdige kunstenaars van Nederland. Haar grote voorbeeld is Leonardo Da Vinci, l'uomo universale, de universele mens. Bierenbroodspot schildert, beeldhouwt, giet brons, ontwerpt gobelins, ceramiek en gebrandschilderd glas. Gerrit Komrij nam een kort gedicht van haar op in zijn standaardwerk over de Nederlandse poëzie. Behalve gedichten schrijft zij een prachtig, bijna lyrisch proza. Zij is van plan ooit een opera te componeren, teksten voor het libretto zijn er al. Bierenbroodspot's centrale thema is het labyrint van de tijd waarin wij ronddwalen. In haar diepste wezen is zij een adept van de god Shiva, die al dansend de schepping vernietigt omdat alleen zo het nieuwe kan ontstaan. Dat thema is in haar werk en de manier waarop zij dat werk gestalte geeft steeds terug te vinden. GERTIE BIERENBROODSPOT – ENGBack to Top - NL - EN - GEROver the years, Gerti Bierenbroodspot has become one of the best known, most popular and versatile artists of the Netherlands. Her role model is Leonardo Da Vinci, l'uomo universale, the universal man. Bierenbroodspot paints, sculpts, bronze casting, designs tapestries, ceramics and stained glass. Gerrit Komrij published a short poem of her in his standard work on Dutch poetry. Besides poems she writes a wonderful, almost lyrical prose. She plans someday to compose an opera, as libretto texts have already been made. Bierenbroodspot's central theme is the labyrinth of time in which we wander. In its very essence she is a follower of the god Shiva, who destroys creation while dancing, because only in this way the new can be created. That theme can always be found in her work and the way in which she shapes it. GERTIE BIERENBROODSPOT – GERZurück nach oben - NL - EN - GERIm Laufe der Jahre ist Gertie Bierenbroodspot N.B.: in NL-tekst Gertie (met "e") herangewachsen zu einer der bekanntesten, populärsten und vielseitigsten Künstler der Niederlande überhaupt. Ihr grosses Vorbild ist Leonardo da Vincis "universaler Mensch" ("l'uomo universale"). Bierenbroodspot ist Kunstmalerin, Bildhauerin, Bronzegiesserin und entwirft Gobelins, Keramik und Bleiverglasungen. Gerrit Komrij nahm ein kurzes Gedicht von ihr auf in sein Standardwerk über die niederländische Poesie. Ausser Gedichte schreibt sie auch herrliche, lyrische Prosa und beabsichtigt sie zudem eine Oper zu komponieren. Texte für das Libretto gibt es bereits. Bierenbroodspots zentrales Thema ist das Labyrinth unserer Zeit, in der wir herumirren. In ihrem tiefsten Wesen ist sie eine Jüngerin des Gottes Shiva geblieben, der tanzend de Schöpfung zerstört, damit wieder Neues entstehen kann. Dieses Thema ist in ihrer Arbeit und in der Art, wie sie das Ganze Gestalt gibt, immer wiederzufinden. CARLOS BLAAKER – NLTerug naar boven - NL - EN - GERCarlos Blaaker is geboren in Paramaribo. Hij heeft zijn atelier in Rotterdam Zuid. Zijn dagelijkse reis over de Maas is een belangrijke inspiratiebron. Voorheen schilderde hij voornamelijk portretten en dieren, momenteel ook gebouwen, industriële werktuigen en naakten. Van een afstand bekeken lijken de schilderijen van Carlos Blaaker zeer natuurgetrouwe weergaven van zijn directe omgeving. Maar hoe dichter je de doeken nadert, hoe duidelijker het wordt dat de kunstenaar zijn verf in gedurfde, dikke banen heeft opgebracht. Wat eerst een egaalblauwe lucht leek, blijkt bij nader inzien een pasteus vlak te zijn waarin het krachtige handschrift van de schilder is af te lezen. Door de strakke vormen, de rechte hoeken en de vele horizontale en verticale lijnen, zijn Blaakers monumentale schilderijen haast abstracte composities geworden. Wanneer je de recente doeken vergelijkt met Blaakers vroegere schilderijen lijkt er haast een stijlbreuk te hebben plaats gevonden. De scherpe contouren van gebouwen hebben plaatsgemaakt voor ronde vormen. De rijkdom aan warme kleuren is vervangen door een helder kleurenpalet. De beelden vormen niet meer één geheel, maar zijn op een collage-achtige manier uit verschillende delen opgebouwd. De schilderijen van Blaaker zijn autonomer geworden. Maar de gretigheid waarmee de kunstenaar zijn verf op het doek smeert, met penseel, paletmes of direct vanuit de tube, is hetzelfde gebleven. Blaaker schildert de alledaagse realiteit, de plekken in de openbare ruimte waarin duidelijk de menselijke hand te herkennen is. In zijn werk tilt hij triviale elementen naar een hoger niveau. Blaakers schilderijen vormen een ode aan de schoonheid van het leven van alledag. CARLOS BLAAKER – ENGBack to Top - NL - EN - GERCarlos Blaaker was born in Paramaribo. He has his studio in Rotterdam. His daily trip across the river Maas is an important source of inspiration. Previously, he mainly painted portraits and animals, but currently also buildings, industrial tools and nudes. From a distance the paintings of Carlos Blaaker resemble very faithful representations of his immediate surroundings. But when you approach the canvases closer, it becomes clear that the artist has applied the paint in bold, thick strokes. What first seemed like a solid blue sky, upon closer inspection turns out to be where the powerful handwriting of the artist can be read. The sleek shapes, the edges and the many horizontal and vertical lines cause Blaakers’ monumental paintings to almost become abstract compositions. When you compare the recent canvases with Blaakers’ earlier paintings it seems that a break in style has almost taken place. The sharp outlines of the buildings have given way to round shapes. The wealth of warm colors is replaced by a bright color palette. The images are not a whole, but are built in a collage-like fashion from different parts. The paintings of Blaaker have become more autonomous. But the eagerness with which the artist applies paint to the canvas, with brush, palette knife or directly from the tube, has remained the same. Blaaker depicts everyday reality of places in public space which clearly recognize the human hand. In his work he lifts trivial elements to a higher level. Blaakers’ paintings are a tribute to the beauty of everyday life. CARLOS BLAAKER – GERZurück nach oben - NL - EN - GERBlaaker. Carlos Carlos Blaaker ist im surinamischen Paramaribo geboren. Er hat sein Atelier in Rotterdam-Zuid und seine tägliche Reise über den Maasfluss ist eine wichtige Innspirationsquelle für ihn. Malte er früher vorwiegend Porträts und Tiere, so sind heute Gebäude, Industriegegenstände und Nackte dazugekommen. Aus der Distanz erscheinen die Werke Blaakers überaus naturgetreue Abbildungen seiner direkten Umgebung. Doch je näher man herankommt, je klarer wird, dass der Künstler seine Farbe in gewagte, voluminöse Streifen aufgetragen hat. Was zuerst als ein durchgehend blauer Himmel aussah, entpuppt sich beim zweiten Hinschauen als pastöse Fläche und als kräftige Handschrift des Malers. Infolge der straffen Formen, geraden Ecken und vielfachen horizontalen und vertikalen Linien werden Blaakers Gemälde zu fast abstrakten Kompositionen.Und wenn man die heutigen Leinwände vergleicht mit seinen früheren Gemälden, sieht es so aus als ob ein echter Stilbruch stattgefunden hätte. Die scharfen Gebäudekonturen haben Platz gemacht für runde Formen und der Reichtum an warmen Farben ist von einer klaren Farbpalette ersetzt worden. Die Bilder sind nicht mehr als Ganzes konzipiert sondern kollagenartig aus mehreren Teilen aufgebaut. Blaakers Gemälde sind zwar autonomer geworden doch die Gier, mit der er seine Farbe aufträgt mit Pinsel, Brettmesser oder direkt aus der Tube, ist dieselbe geblieben. Carlos Blaaker malt die alltägliche Realität, die Orte im öffentlichen Raum, wo die menschliche Hand klar zu erkennen ist. In seinem Werk veredelt er triviale Elemente auf ein höheres Niveau. Blaakers Gemälde sind eine Ode an die Schönheit des alltäglichen Lebens. SERGIO BOCCACCIO - NLTerug naar boven - NL - EN - GERSergio Boccaccio is geboren in Argentinië in 1965. Hij studeerde Toneel en verlichting in het Teatro Colón van Buenos Aires. Hij ontving een beurs om de studio met tekeningen en schilderijen van Robert Páez te verzorgen. Boccaccio maakte meerdere tentoonstellingen, waaronder in 2006 bij het Gallery Center of Art Century XXI op Tenerife (Canarische Eilanden, Spanje). Hij maakte in 2002 een tentoonstelling bij Gallery Sara Garcia Uriburu in arteBA (Buenos Aires) en in 2000 was hij werkzaam in het Centro Cultural Recoleta in Buenos Aires. In Nederland maakte hij in 2001 de muurschildering 'mobiliteit' voor het Conventiecentrum Het Koopman Huis in Leusden. (www.museomaritimo.com) SERGIO BOCCACCIO – ENGBack to Top - NL - EN - GERSergio Boccaccio was born in Argentina in 1965. He studied Drama and lighting at the Teatro Colón of Buenos Aires. He received a scholarship to take care of the studio with drawings and paintings by Robert Páez. Boccaccio made several exhibitions, including in 2006 at the Center Gallery of Art XXI Century in Tenerife (Canary Islands, Spain). In 2002, he made an exhibition at Gallery Sara Garcia Uriburu in arteBA (Buenos Aires) and in 2000 he was employed at the Centro Cultural Recoleta in Buenos Aires. In 2001, he made the mural ‘Mobility’ in the Netherlands for the Convention Center The Merchant House in Leusden. (museomaritimo.com) SERGIO BOCCACCIO – GERZurück nach oben - NL - EN - GERSergio Boccaccio wurde 1965 in Argentinien geboren. Er studierte Theaterwissenschaft und Beleuchtung am "Teatro Colón"-Theater in Buenos Aires. Er erhielt ein Stipendium und kümmerte sich um die Zeichnungen und Gemälde von Robert Paéz im Theaterstudio.N.B.: NL-tekst loopt helemaal niet Er machte mehrere Ausstellungen, wie beispielsweise 2006 im "Gallery Center of Art Century XXI" (Teneriffa, Kanarische Inseln, Spanien). 2002 hatte er eine Ausstellung in der "Gallery Sara Garda Uriburu"-Galerie in Buenos Aires und im Jahre 2000 arbeitete er im dortigen "Centro Cultural Recoleta"-Kulturzentrum. In den Niederlanden machte er 2001 das Wandgemälde im Konferenzzentrum "Het Koopmanshuis" in Leusden (www.museumartimo.com) N.B.: in NL-is i.p.v. conventiecentrum zeker conferentiecentrum bedoeld FRANZ BODNER – NLTerug naar boven - NL - EN - GERFranz Bodner, geboren in mei van 1966 te Klagenfurt, heeft in het idyllische alpenlandschap in Oostenrijk zijn jeugd doorgebracht en opleiding tot kunst- en siersmid en metaaldesigner afgerond. Na een zijsprong in de gezondheidszorg in Wenen, waar een succesvolle loopbaan voor hem was weggelegd, heeft zijn creatieve bloed hem volledig aan het schilderen gezet. Met succes, want spoedig volgen talrijke exposities in diverse galeries in Oostenrijk. Wenen wordt de bakermat van zijn creatieve carrière. Wanneer Franz in 1995 besluit naar Nederland te verhuizen lijkt hij ogenschijnlijk een volledig nieuwe start te moeten maken. Doch na in totaal 16 jaar geduld, ambitie, professionaliteit en een voortdurend positieve instelling heeft Bodner in Nederland vele successen behaald en is een internationale carrière werkelijkheid geworden. Kritische visie met knipoog. Met zijn schilderijen, beelden en grafiek wil Franz Bodner aandacht vragen voor de waardevolle en juist kleine dingen en momenten in het leven. Zijn kenmerkende beeldentaal in schitterende felle kleuren, maken Bodners' 'eigen' wereld zichtbaar. Aan deze vrolijke schilderijen en grafiek, bevolkt door ogenschijnlijk naïeve figuren, ligt echter ook een maatschappij kritische noot ten grondslag. Noem het een duwtje naar het simpelweg weer stilstaan bij de essentie van het leven. FRANZ BODNER – ENGBack to Top - NL - EN - GERFranz Bodner, born May 1966 in Klagenfurt, has spent his childhood in the idyllic alpine landscape in Austria where he completed his education as an art and ornamental blacksmith and metal designer. After a digression in health care in Vienna, where a successful career was reserved for him, his creative blood made him turn completely to painting. With success, because soon followed numerous exhibitions in various galleries in Austria. Vienna is the birthplace for his creative career. When Franz decides to move to the Netherlands in 1995, it seems like he has to make a completely new start. Yet after a total of 16 years of patience, ambition, professionalism and a constant positive attitude Bodner has achieved many successes in the Netherlands and an international career has become a reality. Critical vision with a wink. With his paintings, sculptures and graphics Franz Bodner tends to draw attention to the valuable small things and moments in life. Distinctive imagery in brilliant bright colors make Bodners 'own' world visible. These cheerful paintings and graphics, populated by seemingly naive figures, is however also the basis for a socially critical note. Call it a push to simply stand back to the essence of life. FRANZ BODNER – GERZurück nach oben - NL - EN - GERFranz Bodner wurde 1966 in Klagenfurt geboren. In dieser idyllischen Alpenlandschaft Österreichs hat er seine Jugend verbracht und hier auch seine Ausbildung als Kunst- und Schmuckschmied wie auch als Metalldesigner vollendet. Nach einem Seitensprung im Pflegesektor (wo für ihn eine erfolgreiche Laufbahn weggelegt schien) hat sein kreatives Blut ihn dann endgültig zur Kunstmalerei verholfen. Mit Erfolg, denn schon bald folgten zahlreiche Ausstellungen in diversen österreichischen Galerien. Wien wird zur Wiege der Künste in seiner Karriere. Wenn Franz Bodner sich 1995 entschliesst in die Niederlande zu gehen, sieht es so aus als ob er einen völligen Neustart versuchen will. Doch nach16 Jahren von Geduld, Ambition, Professionalität und fortwährend positiver Lebenseinstellung sollte er hier viele Erfolge feiern. Und ist ihm auch eine wahrlich internationale Karriere gelungen. Eine Vision mit Augenzwinkern sozusagen. Mit seinen Gemälden, Skulpturen und Grafiken will Franz Bodner aufmerksam machen auf die wertvollen, oft kleineren Dinge und Momente des Alltags. Seine typische Bildsprache in herrlichen, grellen Farben machen die "eigene Welt" Bodners sichtbar. Den von scheinbar naiven Figuren bevölkerten, fröhlichen Gemälde und Grafiken liegt jedoch auch immer eine gesellschaftskritische Note zugrunde. Nennen Sie es einen kleinen Anstoss in eine Richtung, mal wieder etwas länger zu verweilen bei der Essenz des Lebens. » Bogart, BramBRAM BOGART – NLTerug naar bovenBram Bogart (Delft, 12 juli 1921 - Sint-Truiden, 2 mei 2012) was een Nederlands/Belgisch abstract kunstschilder. Hij is ook bekend als Abraham van den Boogaart. Sinds 1950 legde hij zich toe op het abstracte schilderen. Later kwam hij tot een uiterst vereenvoudigde stijl met schilderijen die slechts uit enkele - meestal heldere - kleurvlakken bestonden. Cézanne was een grote inspiratie voor hem. Omdat hij was opgeleid als huisschilder was hij heel ervaren in het mengen van zijn eigen bijzondere verfsubstanties waarin hij de olieverf doorsloeg met water. Daardoor kon hij zijn enorme dikke, pasteuze olieverfschilderijen zo krijgen dat ze van binnenuit geheel doordroogden; anders waren de meeste van zijn werken allang uitgezakt, zoals sommige werken van Karel Appel. Zijn schilderijen bestaan eigenlijk uit slechts enkele verftoetsen die meteen een grote vorm zijn; enkele van deze verftoetsen bij elkaar gezet vormen met elkaar het gehele schilderij. Hij was werkzaam in Den Haag van 1943 tot 1948. Afgewisseld met verblijven in Delft en Frankrijk. Bram Bogart behoorde reeds in de jaren '50 tot de meest vooruitstrevende kunstenaars van de informele groep (art informel) die de Informele schilderkunst beoefenen zoals Action Painting en Dripping. BRAM BOGART – ENGBack to TopBram Bogart (Delft, July 12, 1921 - Sint-Truiden, May 2, 2012) was a Dutch / Belgian abstract painter. He is also known as Abraham van den Boogaart. Since 1950, he devoted himself to abstract painting. Later he came to a very simplified style with paintings of only a few usually clear colored surfaces. Cezanne was a great inspiration to him. Because he was trained as a housepainter he was very experienced in mixing his own special paint substances in which he hit the oil with water. As a result, he could make extremely thick oil paintings where the paint completely dried also on the inside, where otherwise all his works would have sagged, like it happened to some works by Karel Appel. His paintings actually consist of just a few brushstrokes that immediately are a great form, some of these brushstrokes put together together form the entire painting. He worked in The Hague from 1943 to 1948. Interspersed with stay in Delft and France. Bram Bogart already belonged to the most progressive artists of the informal group (art informal c) in the 1950s, who performed the informal practice of painting such as Action Painting and Dripping. BRAM BOGART – GERZurück nach obenBram Bogart (geboren in Delft am 12. Juli 1921) ist ein niederländisch/belgischer Kunstmaler. Er ist auch bekannt als Abraham Bogart. Seit 1950 hat er sich zugelegt auf die abstrakte Kunstmalerei.Später entwickelte er daraus einen äusserst einfachen Stil mit Gemälden, die nur aus einigen, meistens hellen Farbflächen aufgebaut sind. Paul Cézanne hat ihn diesbezüglich sehr inspiriert. Da Bogart eine Ausbildung genossen hatte als Hausmaler, verfügte er über sehr viel Erfahrung im Mischen seiner eigenen besonderen Farbsubstanzen. Dabei mischte er gerne Ölfarben mit Wasser. Dies hatte zur Folge, dass seine enorm dicken, pastösen Ölgemälde von innen ganz austrockneten und diese nicht durchsacken konnten. Wie dies bei den Werken Karel Appels manchmal der Fall ist. Seine Gemälde bestehen eigentlich nur aus einigen Farbklecksen, die gleichzeitig gewisse Formen darstellen. Einige dieser Farbkleckse ergeben dann mit einander zusammengefügt das gesamte Kunstwerk. Bram Bogart arbeitete von 1943 bis 1948 in Den Haag. Nach Aufenthalten in Delft und in Frankreich gehörte er bereits in den fünfziger Jahren zur sogenannten "informellen Gruppe" ("Art informel"), deren Mitglieder die Kunstmalerei auf besondere Weise betrieben via "Action Painting and Dripping". » Bok, AnnemikiBack to Top» Boonacker, RonaldRONALD BOONACKER – NLTerug naar bovenBoonacker is een autodidact die tijdens zijn vele reizen is begonnen met schilderen. Door zijn kunstlezingen in Rome, Florence en Venetië bracht hij zijn liefde voor de kunst voor het eerst tot uitdrukking. Hij werkt overwegend met acrylverf in veel felle tinten, af en toe afgewisseld met zilver of goud. Boonacker heeft een zonnige kijk op het leven. Tropische stranden, eilanden en palmen zijn zijn lievelingsonderwerpen. Het is dus niet verwonderlijk dat zijn werken titels hebben als Una serata toscana, Royal palms, Route du soleil. Haalt hij zijn inspiratie voornamelijk uit het buitenland? "Eigenlijk wel. Ik werk graag vanuit pittoreske omgevingen. Als je daar een tijdje vertoeft komt de inspiratie vanzelf. Vaak word ik geraakt door iets in het landschap, bijvoorbeeld een zonsondergang of de lichtval. Dat blijft me dan bij." Maar hoe kosmopolitisch zijn kunst ook is, de basis voor zijn doeken ligt in de Nederlandse traditionele stillevens en landschappen. Boonacker heeft onmiskenbaar zijn roots in Nederland liggen. RONALD BOONACKER – ENGBack to TopBoonacker is a self-taught artist who started painting during his many travels. By giving art lectures in Rome, Florence and Venice, he expressed his love of art for the first time publicly. He works mainly with acrylic paint in many bright colors, occasionally interspersed with silver or gold. Boonacker has a sunny outlook on life. Tropical beaches, islands and palms are his favorite subjects. So it is not surprising that his works have titles like Una serata toscana, Royal palms, Route du soleil. He gets his inspiration mainly from abroad? "Actually, yes. I like to work from picturesque environments. If you stay there a while inspiration comes by itself. Often I am touched by something in the landscape, such as a sunset or an illumination that makes me happy." Yet, however cosmopolitan his art is, the basis for his paintings lies in traditional Dutch still lifes and landscapes. Boonacker has undeniable roots in the Netherlands. RONALD BOONACKER – GERZurück nach obenBoonacker ist ein Autodidakt, der während seiner vielen Reisen angefangen hat zu malen. Mittels seiner Kunstlesungen in Rom, Florenz und Venedig kam seine Liebe zur eigenen, kreativen Kunst erstmals zum Durchbruch. Er arbeitet hauptsächlich mit Acryl in vielerlei grellen Farben, ab und zu abwechselnd gespickt mit silber oder gold. Boonacker hat einen sonnigen Blick auf das Leben. Tropische Strände und Inseln sowie Palmen sind seine Lieblingsthemen. Es ist dann auch nicht verwunderlich, dass seine Werke solche Titel tragen wie "Una serrata toscana", "Royal Palms". "Route du Solel" usw. Holt Boonacker seine Inspiration somit hauptsächlich aus dem Ausland.? Er sagt dazu: "Eigentlich wohl. Denn ich arbeite gerne in malerischen Umgebungen. Wenn man sich dort eine Weile aufhält, kommt die Inspiration von selbst. Oft werde ich berührt von der Landschaft, beispielsweise von einem Sonnenuntergang oder dem Lichteinfall. Das bleibt mir dann bei". Aber wie kosmopolitisch seine Kunst auch geprägt ist, die Basis für seine Gemälde bleiben die niederländischen, traditionellen Stillleben und Landschaften. Boonackers Wurzeln liegen unverkennbar in den Niederlanden. » Bos, WijmBack to Top» Bosboom, LeonLEON BOSBOOM – NLTerug naar bovenKracht, energie en beweging vormen de leidraad in Leon Bosboom's (1959) werk. De Spaanse stier is zijn inspiratie; zijn schoonheid en kracht en onvoorspelbare karakter. In zijn recentelijk gestarte kunstcarriere probeert hij 30 jaar design professie ‘los’ te laten en vol op intuitie te varen. Daardoor weet hij de kunstliefhebber vol in het hart te raken en in vervoering te brengen. De stier gecombineerd met zijn medium Epoxy-hars geven zijn werk een soms onvoorspelbare kracht en energie. Het werk is tijdloos te noemen waardoor hij hoopt dat de kunstliefhebber een lange relatie met zijn werken aangaat. LEON BOSBOOM – ENGBack to TopPower, energy and movement are guiding Leon Bosboom's (1959) work. The Spanish bull is his inspiration, its beauty and strength and unpredictable nature. In his recently launched art career he tries to ‘loose’ 30 years of design profession and go full sail solely by intuition. As a result, he manages to reach the art lover in the middle of their heart and exalt. The bull combined with its medium Epoxy resin sometimes give his work an unpredictable power and energy. The work can be called timeless by which the artist hopes that the art lover enters into a long lasting relationship with his work. LEON BOSBOOM – GERZurück nach obenLeon Bosboom wurde 1959 im niederländischen Soest geboren als Sohn eines Klempners. Er hatte bereits sehr früh Interesse in Architektur und Formgebung. Letztendlich kam er auch in Kontakt mit Packaging-Design-Arbeiten.. Bosboom hat etwa 30 Jahre als Designer gearbeitet, davon die letzten 12 Jahre in seinem eigenen "BrandNewDesign"-Büro. Es ist dies ein Büro, das für bekannte, niederländische A-Marken aus dem Food-Sektor tätig ist. Er machte u.a. Verpackingsentwürfe für GoTan, Bavaria-Bier, die Albert-Heijn-Hausmarke, Maggi, Friesche Vlag und Nestlé. Ein kreativer Beruf aber immer mit Auftraggebern. 2008 hat Leon Bosboom sein Büro verlassen um sich ganz seiner eigenen, autonomen Kreativität zu widmen. Gekennzeichnet von Farbenvielfalt und Spontanität. Seine Arbeiten sind dann auch sehr variiiert zu nennen. Und Bosboom hofft gerne, dass der von ihm beim Entwerfen empfundene Spass den Kunstliebhaber anspricht. Die "Die Tiere"-Serie ist ein Thema, wobei Tiere in witziger Weise eine Rolle spielen. Es sind dies helle Grafiken mit einem schönen Kontrast zwischen schwarz und farbig. Die von ihm verwendete Technik ist Acrylfarbe auf Leinen. » Bosch, Herman JanHERMAN JAN BOSCH – NLTerug naar bovenHerman Jan Bosch (1943): Geïnspireerd door Picasso, Gustav Klimt en Paul Klee. Alles gaat om de schoonheid der dingen en om de liefde. Beeldend kunstenaar sinds 1988. Stijl: abstract realisme, sinds 2005 geïnspireerd door het vrouwelijk naakt Techniek: mixed media, olieverf,acryl, houtskool en terra-krijt. Het werk van Herman Jan is onder andere te zien bij Donna Karan in New York en bij de maatschap Chirurgie van het ziekenhuis in Hengelo. Studeerde elektrotechniek en bedrijfskunde aan de Universiteit Twente, gastdocent en deeltijdhoogleraar aan de Universiteit van Delft (1991-1995). HERMAN JAN BOSCH – ENGBack to TopHerman Jan Bosch (1943): Inspired by Picasso, Gustav Klimt and Paul Klee. Everything comes to the beauty of things and to love. Artist since 1988. Style: abstract realism, inspired by the female nude since 2005 Technique: mixed media, oil, acrylic, charcoal and terra-chalk. The work of Herman Jan is seen at Donna Karan New York and at de maatschap Chirurgie van het ziekenhuis in Hengelo (NL), among others. The artist studied electrical engineering and business administration at the University of Twente, and was lecturer and part-time professor at the University of Delft (1991-1995). HERMAN JAN BOSCH – GERZurück nach obenHerman Jan Bosch (1943) wurde inspiriert von Picasso, Gustav Klimt und Paul Klee. Bei ihm dreht sich alles um die Schönheit der Dinge und die Liebe. Er ist bildender Künstler seit 1988. Sein abstrakter Realismus wurde seit 2006 von der weiblichen Nacktheit geprägt. Seine Technik beruht auf: "mixed media"-Konzepte, Ölfarbe, Acryl, Holzkohle und Terra-Kreide. Das Werk von Herman Jan Bosch findet sich u.a. bei Donna Karan in New York und im Krankenhaus von Hengelo (Abteilung Chirurgie). Bosch studierte Elektrotechnik und Betriebswissenschaft an der Universität Twente und er war von 1991 bis 1995 Teilzeitprofessor an der Universität Delft. » Boschman, SilvoBack to Top» Braam, BertBERT BRAAM – NLTerug naar boven"Mijn schilderijen ontstaan vanuit emoties die betrekking hebben op het contact tussen mij en de dingen om mij heen. De natuur met al zijn vormen en de mensen met hun uitstraling zijn van invloed op mijn belevingswereld. Mijn werk is lyrisch abstract, erotisch organisch. Mijn emoties vertalen in vormen is een voortdurend proces van mensen, vormen opnieuw bewerken, vechten met de materie. Laag over laag breng ik mijn verf aan, krab wat weg, voeg weer wat toe, kras in de verf om daarna weer een dunne laag erover heen te zetten zodat er een mooie huid ontstaat". "Kleur speelt voor mij een belangrijke rol. Tijdens mijn reizen naar de Oriënt, maar ook naar Marokko, Tunesië en Israël, werd ik vooral geboeid door de aardse kleuren van die landen. Het terracotta, het prachtige rood, het warme geel, heb ik vastgelegd in diverse doeken." BERT BRAAM – ENGBack to Top"My paintings emerge from emotions related to the contact between me and the things around me. Nature in all its forms, and the people with their appearance affect my perception. My work is lyrical abstract, erotic organic. My emotions tranlate into forms as an ongoing process of people, shapes, re-edit, fighting with the matter. Layer upon layer I apply my paint, scratch some off, add some to it, scratch in the paint again and put another thin layer over it so that a beautiful skin emerges." "Colour plays an important role for me. During my trips to the Orient, but also to Morocco, Tunisia and Israel, I was fascinated by the earthy colors of those countries. Terracotta, beautiful red, warm yellow, which I recorded in various works." BERT BRAAM – GERZurück nach obenBraam. Bert "Meine Gemälde entstehen aus Emotionen, die sich beziehen auf den Kontakt zwischen mir und den Dingen um mich herum .Die Natur mit allen ihren Formen und den Menschen mit ihren Auras haben grossen Einfluss auf meine Erlebniswelt. Mein Werk ist lyrisch-abstrakt und erotisch-organisch. Meine Emotionen in erlebnisorientierte Ergebnisse umzusetzen ist ein fortwährender Prozess des Umformens von Dingen und Menschen und ein fortwährender Kampf gegen die Materie. Schicht auf Schicht trage ich meine Farbe auf, ich kratze etwas weg und ich füge wieder etwas hinzu, dann kratze ich erneut in der Farbe und bringe wieder eine dünne, neue Farbschicht an, sodass zum Schluss eine schöne "Haut" entsteht." Und weiter: "Die Farbe spielt für mich eine sehr wichtige Rolle. Während meiner Reisen in den Orient aber auch nach Marokko,Tunesien und Israel wurde ich gefesselt von den erdigen Farben dieser Länder. Das Terrakotta, das herrliche Rot und das warme Gelb habe ich in diversen Gemälden verarbeitet". » Brand, HenryHENRY BRAND – NLTerug naar bovenHenry Brand (1942) woont en werkt in Noord-Holland; hij is auto-didact. Hij staat vooral bekend om het schilderen van stadsgezichten en bloemstillevens met het paletmes. Brand schildert in diepe aardetinten zoals gebrande sienna, oker en mosgroen. Het plezier van het schilderen en het werken naar een bevredigend resultaat motiveren elke keer weer. Met grote regelmaat zijn er schildersessies in Frankrijk - met name Normandië, Honfleur en Trouville. Henry's werk maakt deel uit van talrijke particuliere en bedrijfscollecties in binnen -en buitenland. HENRY BRAND – ENGBack to TopHenry Brand (1942) lives and works in New York, he is self-taught. He is known for painting cityscapes and flower paintings with a palette knife. Brand paints in deep earth tones like burnt sienna, ocher and moss. The pleasure of painting and working towards a satisfactory outcome motivate every time. With great regularity, there are painting sessions in France - especially Normandy, Honfleur and Trouville. Henry's work is part of numerous private and corporate collections at home and abroad. HENRY BRAND – GERZurück nach oben» Brand, WillemienWILLEMIEN BRAND – NLTerug naar bovenWillemien Brand (1967) voelde als kind al een enorme drive om te creëren door te tekenen en te schilderen. In 1990 studeert ze cum laude af aan de Academie Industriële Vormgeving in Eindhoven en na zo’n 10 jaar ervaring in het bedrijfsleven werkt ze zelfstandig als beeldend kunstenaar en ontwerper. Dan krijgt ze een opdracht die een belangrijke inspiratiebron vormt voor haar latere werk: het beschilderen van een 38-meter lange muur in het Burgers’ Zoo-restaurant in Arnhem. Daar kijken nu een enorme, kleurige tijger en vrolijk rondslingerende apen het eten van je bord. Het thema ‘Dieren’ inspireert haar onmiddellijk tot méér. Het resultaat: kunst die op ieders gezicht een glimlach weet te toveren; Willemiens Happy Art is geboren. ‘Vrolijk figuratief dus!’ typeert ze haar werk, te zien in binnen- en buitenlandse galeries. Eenvoudig opgezette dierfiguren op linnen -vaak ooievaars- zijn door hun krachtige omlijning energiek en vrolijk. Kleurige gelaagdheid en het experimenteren met acryl- of mixed media-achtergronden kenmerken Willemiens schilderijen en versterken de compositie. De ontwerpersgeest van Willemien Brand heeft een duidelijk gevoel voor trends. ‘Ik ben niet zo’n zweverig kunstenaar, ik kijk om me heen; wat gebeurt er, waar heeft men behoefte aan, wat inspireert me, wat geeft me energie?’ Daarom doet ook het bedrijfsleven regelmatig een beroep op haar. Bijvoorbeeld voor een teamworkshop intuïtief schilderen of een live painting-sessie ‘Want Happy Art is hip!’ ervaart Willemien. WILLEMIEN BRAND – ENGBack to TopWillemien Brand (1967) felt as a child a huge drive to create by drawing and painting. In 1990 she graduated cum laude from the Academy of Industrial Design in Eindhoven and after about 10 years of experience in the business she works independently as an artist and designer. Then she gets a job that is an important source of inspiration for her later work: the painting of a 38-meter long wall in the Burgers' Zoo in Arnhem restaurant. Look there's a huge, colorful and cheerful tiger lying around monkeys eating your plate. The topic 'Animals' inspires its more immediate. The result is art that is on everyone's face a smile conjures; Willem Parisiens Happy Art was born. "Merry figurative so!" characterizes her work featured in national and foreign galleries. Simple stuffed animal figures on linen-storks-by their powerful contour energetic and cheerful. Colorful layering and experimenting with acrylic or mixed media backgrounds features Willem Parisiens paintings and strengthen the composition. The spirit of designer sjane has a clear sense of trends. "I'm not a woolly artist, I look around me, what happens where the need is for, what inspires me, what gives me energy?" Therefore also does business regularly appeals to her. Intuitive painting workshop, for example, a team or a live painting session "For Happy Art is hip!" Willemien experience. WILLEMIEN BRAND – GERZurück nach obenBrand, Willemien Willemien Brand (1967) hatte schon als Kind ein enormes Bedürfnis kreativ tätig zu sein, indem sie zu zeichnen und zu malen begann. 1990 studierte sie "cum laude" ab an der "Academie voor Industriële Vormgeving"-Akademie in Eindhoven und nach etwa 10 Jahren Erfahrung in der Wirtschaft machte sie sich selbständig als bildende Künstlerin und Designerin. Eine wichtige Inspirationsquelle wurde ihr spätere Arbeit für das "Burgers Zoo"-Restaurant. Denn dort wurde von ihr ein 38 m langes Riesengemälde gestaltet, in welchem ein grosser, farbiger Tiger und fröhlich herumschlingernden Affen das Essen fast vom Teller zu rauben scheinen. Die Tierthematik inspirierte sie umgehend zu mehr und das Resultat war eine Kunstgattung, die auf jedem Gesicht ein Lächeln hervorzaubert: "Willemiens Happy Art" wurde geboren. Sie typisiert ihr Werk als "fröhlich-figurativ" und in der Folge ist sie in vielen in- und ausländischen Galerien zu sehen. Einfach konzipierte Tierfiguren auf Leinen - oft Störche - wirken wegen ihrer starken Umrandung überaus energisch und fröhlich. Farbige Perfektion und Experimente mit Acryl- bzw. Mixed-Media-Hintergründen kennzeichnen und verstärken die Gemälde der Künstlerin. Der kreative Geist der Willemien Brand zeigt ein deutliches Gefühl für Trends. "Ich bin nicht abgehoben sondern eher bodenständig. Ich schaue um mich herum, was passiert, was entspricht einem Bedürfnis, was inspiriert mich, was gibt mir Energie?" Deshalb macht die Wirtschaft dann auch gerne Gebrauch von ihren Diensten. Beispielsweise für Teamworkshops wie "Intuitive Malerei" oder "Live-Painting"-Veranstaltungen, "Denn "Happy Art" ist wahrlich "hip" zur Zeit", erzählt Willemien Brand gerne. » Brandner, GeorgGEORG BRANDNER – NLTerug naar bovenGeboren in 1956 op 1 juli in Leoben (Oostenrijk). Sinds 1977 is Brandner freelance kunstenaar. Hij woont in Niklasdorf in Oostenrijk. Sinds 2003 is Brandner lid van 'European Artists e.V.' in Velbert, Duitsland. Als schilder, beeldhouwer en ontwerper slaagde hij erin om op internationaal niveau door te breken. Zijn werken werden in solo- en groepstentoonstellingen getoond. In galeries in Europa en de Verenigde Staten is het werk van Georg Brandner veel vertegenwoordigd. GEORG BRANDNER – ENGBack to TopBorn in 1956 on July 1 in Leoben (Austria). Since 1977, Brandner is a freelance artist. He lives in Niklasdorf Austria. Since 2003, Brandner is a member of 'European Artists eV "in Velbert, Germany. As a painter, sculptor and designer, he managed to break through. Internationally His works have been shown in solo and group exhibitions. In galleries in Europe and the United States the work of Georg Brandner is much represented. GEORG BRANDNER – GERZurück nach obenGeorg Brandner wurde am 1. Juli 1956 in Leoben (Österreich) geboren. Seit 1977 ist Brandner Freelance-Künstler, Er wohnt im österreichischen Niklasdorf und ist seit 2003 Mitglied des "European Artists"-Vereins in Velbert (Deutschland). Als Maler, Bildhauer und Designer hat er inzwischen internationales Niveau erreicht. Seine Werke werden in Einzel- oder Gruppenausstellungen gezeigt. Aber auch in europäischen und amerikanischen Galerien sind Georg Brandners Arbeiten vielfach präsent. » Bravin, DonatellaDONATELLA BRAVIN – NLTerug naar bovenDonatella Bravin is geboren in 1958 in Venetië. Ze heeft altijd artistieke opleidingen in haar stad gevolgd. Ze startte met werken bij decoratiefabrieken en was daar glasblazer en maakte 'molato'glas. Ondertussen ontwikkelde ze zich, en was ze constant bezig met onderzoeken om haar technieken te verbeteren en te experimenten met diverse materialen. Donatella Bravin's werk staat ondertussen bij diverse gerenommeerde galeries over de hele wereld. DONATELLA BRAVIN – ENGBack to TopDonatella Bravin was born in 1958 in Venice. She has always followed artistic training locally. She started working in factories and decoration, where she was a glassblower and made 'molato'glas. Meanwhile, she developed, and she was constantly exploring ways to improve her techniques and experimented with various materials. Donatella Bravin's work is nowadays at several renowned art galleries all over the world. DONATELLA BRAVIN – GERZurück nach oben» Breedveld, AdaADA BREEDVELD – NLTerug naar bovenAda Breedveld is een Amsterdamse kunstenares met een opvallend kekke Rotterdamse - opgestroopte mouwen! - mentaliteit. Zij heeft haar atelier in Amsterdam-Noord. Uit haar werkplaats gaat een bonte stroom kunstwerken, schilderijen, grafiek, bronzen, etsen en olifanten, de wijde wereld in. Ada heeft zichzelf het vak geleerd. Was nooit op een academie of overeenkomstige opleiding. Zo lang zij zich kan herinneren tekende en schilderde zij de ganse dag. In een schoolrapport uit 1959 van de Tweede Christelijke Huishoud- en Industrieschool lezen we dat klasselerares Juffrouw Lolkema schrijft: “Ada moet zich op school veel meer aan de les geven en niet steeds proberen te tekenen onder de les". Maar Ada zette haar zin door, van jongsaf wilde ze schilderes worden. En dat lukte. School? Nee, liever niet. Ada houdt niet van school en ook niet van schools. Het leven zelf werd haar universiteit. Ada begon in de jaren zeventig in Rotterdam te exposeren en kreeg direct een eervolle prijs. Maar het was zwoegen en ploeteren geblazen om het hoofd boven water te houden. Ada was daarom ook een paar jaar postbode om geld te verdienen. In die tijd liet zij zich geboeid inspireren door het surrealisme - een kunstrichting waarbij niet de zichtbare werkelijkheid buiten ons maar de fantasie vanuit ons diepste innerlijk (dromen bijvoorbeeld) ijkpunt voor kunst moet zijn. Gaandeweg vond ze haar eigen zo typerende stijl en thema: de imposant-aanwezige grote Vrouw. Zij wordt iconografisch verbeeld als de sublieme levenskunstenaar. Met een lied op de lippen, een glas in de hand, een vogeltje in de blauwe lucht, bij de lustige accordeon en op de grote tuba, zo varen haar scheepjes voorbij! ADA BREEDVELD – ENGBack to TopAda Breedveld is an Amsterdam artist with a distinctive funky Rotterdam - sleeves rolled up! - Mentality. She has her studio in Amsterdam North. Her work is a colorful stream of artworks, paintings, prints, bronzes, etchings and elephants, into the world. Ada is self-taught. Never had an academy or. As long as she can remember she drew and painted the whole day. In a school report from 1959 of the Christian Domestic Science School, reading teacher, miss Lolkema writes: "Ada school must give itself much more to the lesson and stop trying to draw during the lesson." But Ada continued her way, from an early age she wanted to be a painter. And it worked. School? No, not really. Ada does not like school and not school. Life itself was her university. Ada began in the seventies to exhibit in Rotterdam and immediately got an honorary prize. But it was hard work and slogging blow to the head to keep above water. Ada was therefore a few years postman to make money. In that time she let herself fascinated and inspired by surrealism - an art movement which is not visible outside reality but fantasy from our innermost being (dreams) for art should be. Gradually she found her own typical style and theme: the imposing, present great woman. It is iconographically depicted as the sublime art of living. With a song on the lips, a glass in his hand, a bird in the blue sky, the cheerful accordion and tuba major, so her ships go! ADA BREEDVELD – GERZurück nach obenAda Breedveld ist eine Künstlerin aus Amsterdam aber mit einer auffällig frechen Rotterdamer "Ärmel hochkrempeln"- Mentalität .Ihr Atelier befindet sich in Amsterdam-Noord und von dort aus geht ein ununterbrochen Strom Kunstwerke (Grafiken, Bronzen, Stiche und Elefanten) hinaus in die weite Welt. Ada Breedveld ist Autodidakt. Sie war nie in einer Ausbildung oder auf einer Akademie. Solange sie sich erinnern kann, hat sie den ganzen Tag nur gezeichnet und gemalt. In einem Schulzeugnis ihrer damaligen "Tweede Huishoud- en Inddustrieschool"-Schule aus dem Jahre 1959 steht seitens ihrer Lehrerin "Fräulein Lolkema" vermerkt: "Ada soll sich viel mehr auf den Lehrstoff konzentrieren und nicht immer versuchen während des Unterrichts zu zeichnen". Aber Ada setzte sich durch, denn sie wollte ja schon von Kindsbein an Kunstmalerin werden. Das gelang ihr wunderbar. Schule? Nein, lieber nicht. Ada mag die Schule bzw. die Schulen nicht. Das Leben wurde ihre Universität. Ada Breedveld fing in den siebziger Jahren an in Rotterdam auszustellen und bekam sogleich einen ehrenvollen Preis. Aber es war nicht leicht den Kopf über Wasser zu halten und so war sie auch einige Zeit gar Postbotin .Es musste ja Geld verdient werden. In jener Zeit liess sie sich fesseln und inspirieren vom Surrealismus .Es ist dies eine Kunstrichtung, in der nicht die sichtbare Wirklichkeit der Aussenwelt im Vordergrund stand sondern die Fantasie in unserem tiefsten Innern (beispielsweise in Träumen übermittelt) die Ausgangsposition für das Malen ist. Allmählich aber fand sie dann ihren Stil mit der typischen "Die dominierende Grosse Frau"-Thematik. Die Grosse Frau wird darin ikonografisch abgebildet als die erhabene Lebenskünstlerin. Mit einem Lied auf den Lippen, einem Glas in der Hand und einem Vögelchen in der Luft, bei einem lustigen Akkordeon und der grossen Tuba fahren ihre Schiffchen vorbei! » Bremer, SaskiaSASKIA BREMER – NLTerug naar bovenSaskia Bremer is in 1954 te Vlaardingen geboren. Al vanaf haar vroege jeugd heeft zij interesse voor tekenen en schilderen. Regelmatig doet zij als kind mee aan een kleurwedstrijd die op initiatief van de zondagsschoolvereniging wordt georganiseerd. Wekelijks wint Bremer een prijsje. Als zij eens niet wint laat ze zich niet uit het veld slaan, integendeel. Met frisse moed levert Saskia voor de volgende wedstrijd weer een tekening in. Haar ouders willen dat Saskia een goede opleiding gaat volgen en daarom gaat zij naar het gymnasium. Na het behalen van haar diploma wil Saskia een kunstvakopleiding gaan volgen. Ze wil “iets creatiefs” maar wat precies dat weet ze in die fase van haar leven nog niet precies. Ze besluit naar de pedagogische opleiding te gaan. Als lerares kan ze haar “brood op de plank” verdienen en op eigen benen staan. Ze is realistisch genoeg om te zien dat het leven als kunstenaar de eerste paar jaren niet genoeg op zal leveren om van te leven. En met de gedachte “ik kan hierna altijd nog een beroep kiezen dat meer in de kunstzinnige hoek ligt” begint zij aan de drie jarige opleiding aan de pedagogische academie. “Ik had toen een paar jaar in mijn hoofd als zijstapje, het zijn er uiteindelijk twintig geworden. In die 20 jaar (1976-1996) gebeurt er een hoop in het leven van Saskia Bremer. Zij vind een baan in het onderwijs, trouwt, verhuisd, scheidt en volgt diverse cursussen in de avonduren om in haar artistieke behoeften te voorzien. In 1986 gaat zij naar de Koninklijke Academie voor Beeldende Kunsten in Den Haag. Ze heeft het daar niet erg naar haar zin en mag in eerste instantie geen eindexamen doen omdat haar werk niet vernieuwend genoeg zou zijn. Uit frustratie “vernield” zij haar werk door het aan elkaar te plakken en hier lagen inkt en verf overheen te gooien. Hiermee behaalt zij in 1991 toch haar diploma. Hierna begint zij met het ontwikkelen van haar eigen stijl, los van de strenge regels en normen waar zij aan moest voldoen aan de Academie. Ze ontdekt ook dat zij beter kan werken als ze tegelijkertijd aan verschillende schilderijen werkt; een manier waarop zij nu nog steeds schildert. Langzaam maar zeker wordt Saskia zelfverzekerder over haar kwaliteit als kunstenares en zij wordt hierin gesteund door de verkoop van haar eerste schilderijen in een expositie in een lokaal museum. Hierna volgen meerdere exposities in galeries en diverse opdrachten uit het bedrijfsleven. Saskia kan in 1996 haar vaste baan opzeggen. zij verdeelt haar tijd om te schilderen tussen Portugal en Nederland. SASKIA BREMER – ENGBack to TopSaskia Bremer was born in 1954 in Vlaardingen. Since her early childhood she has interest in drawing and painting. She regularly serves as a child with a coloring contest organized. Initiative of the Sunday school association Weekly Bremer wins a prize. If they do not win even let them not be put off, on the contrary. With renewed courage Saskia supplies for the next match another drawing. Her parents want a good education Saskia going to follow, so they go to the gym. After her graduation Saskia wants art school to follow. She wants "something creative" but what exactly does she know that at that stage of her life, not exactly. She decides to go. Pedagogical training As a teacher she can have her "bread and butter" earn and stand on their own feet. She is realistic enough to see that life as an artist for the first few years will not deliver to live. Enough And with the thought "I can always choose a profession that more then the artistic corner" they begin the three-year course at the Pedagogical Academy. "I then had in my head as sidestep, it eventually became his twenty a few years. In those 20 years (1976-1996) happens a lot in the life of Saskia Bremer. They find a teaching job, married, moved, separates and follow various courses in the evenings to provide. In her artistic needs In 1986, she goes to the Royal Academy of Art in The Hague. She did not mind as to its meaning and may initially make no final exam because her work would not have. Innovative enough Out of frustration "wrecked" she her work by pasting it together here and layers of ink and paint over throw. With this, they still receive her diploma in 1991. After this she begins to develop her own style, regardless of the strict regulations and standards which they must meet the Academy. To They also discovered that they can work when they are working simultaneously on several paintings better, a way she still paints. Slowly but surely, Saskia is confident about its quality as an artist and it is supported by the sale of her first paintings in an exhibition at a local museum. Following are several exhibitions in galleries and various commands from the business. Saskia may terminate its permanent job in 1996. she divides her time to paint between Portugal and the Netherlands. SASKIA BREMER – GERZurück nach oben» Briels, ClemensCLEMENS BRIELS – NLTerug naar bovenClemens Briels werd in 1946 geboren in het Brabantse Son. Zijn werken zijn collector items voor liefhebbers van topdesign en kunst. Hij kiest bewust voor nieuwe uitdagingen, waarbij hij academische wetmatigheden ten aanzien van perspectief en vlakverdeling inruilt voor zijn eigen visie op het antipodisme. Zelf zegt hij hierover: "Elk mens is op zoek naar zijn eigen antipode. De een doet dit door te gaan bungy-jumpen, de ander door te fietsen in de bergen van Nepal. Ik doe het door spontaan uitdrukking te geven aan mijn eigen hersenspinsels en fantasie, onder het motto: "there's no need to look forward, if you can practice your fantasy now!". Briels groeide op in een groot gezin. Al van jongs af aan wilde hij kunstenaar worden. In 1965 begint hij met een opleiding aan de Academie voor Industriële Vormgeving in Eindhoven met als doel kunstenaar te worden. Door allerlei omstandigheden komt hij in de reclamewereld terecht. Hij brengt het tot succesvol art director maar op 45-jarige leeftijd besluit hij definitief voor het kunstenaarschap te kiezen. Briels werkt overwegend met felle kleuren. Zelf zegt hij hierover: "ik vind het fijn om met felle kleuren te schilderen. Ik houd niet zo van die sombere doeken. Misschien heeft het ermee te maken dat ik een extravert mens ben. "Hij haalt zijn inspiratie uit zijn eigen belevingswereld, samen met de indrukken die hij overal opdoet. Hij wil bewust niet "involved" raken met trends. Briels: "Ik ben gewend uit de reclame om te werken vanuit een opdracht. Om te voldoen aan strenge voorwaarden. Dat heb ik nodig. Ik ben niet iemand die gaat zitten en denkt wat zal ik nu weer eens gaan maken. Ik ben in feite mijn eigen opdrachtgever. Als ik iets maak, moet ik daar een bepaalde bedoeling mee hebben. Dan ben ik ook het sterkst. "Behalve op een groot aantal plaatsen in Nederland is of was het werk van Briels vanaf 1990 op de meest uiteenlopende plekken van de aardbodem te zien. Op Curaçao en St. Maarten, New York, Stockholm, Antwerpen, Hannover, Stuttgart en zelfs in Kuala Lumpur om maar enkele locaties te noemen. Tevens behoren veel internationale concerns tot zijn opdrachtgevers, zoals Leolux, Intercal Telematics, Pfizer Pharmaceutical, Philips en de VSB-Bank. In 1994 ontving Briels voor zijn boek "Antipodism" de prestigieuze, internationale Award van de gerenommeerde Simpson Paper Company uit San Fransisco U.S.A. Voor de Olympische winterspelen van 2002 in Salt Lake City heeft Briels het officiële schilderij gemaakt dat te zien was op affiches en officiële merchandising. CLEMENS BRIELS – ENGBack to TopBriels Clemens was born in 1946 in Brabant Son. His works are collector items for lovers of top design and art. He consciously chooses new challenges, which he trades in academic laws regarding perspective and field division for his own vision of the Antipodism. He himself says: "Every man is looking for his own antipode One does this by going bungee jumping, by cycling in the mountains of Nepal, the other I do it to give to my own fantasies spontaneous expression.. and imagination, under the motto: "there's no need to look forward, if you can practice your fantasy now". Briels grew up in a large family. From an early age he wanted to be an artist. In 1965 he begins a course at the Academy for Industrial Design in Eindhoven with the aim to become an artist. Because of various circumstances, he comes in the advertising world rightly. He brings it to a successful art director, but he finally decides to choose. The artist at the age of 45 Briels works predominantly with bright colors. He himself says: "I think it's fine to paint with bright colors I do not like those gloomy canvases Maybe it has to do with that I'm an outgoing person... "He gets his inspiration from his own experience, along with the impressions he gathers anywhere he wants deliberately." Involved "familiar with trends Briels:." I'm used to from advertising to work from a command. To comply with strict conditions. I need that. I'm not one to sit down and think what I will now go and make again. I am in fact my own client. When I make something, I must have it there for some reason. I am also the strongest. "In addition to a large number of places in the Netherlands and was the work of Briels from 1990 to see. The most diverse places of the earth on Curaçao and St. Maarten, New York, Stockholm, Antwerp, Hannover, Stuttgart and even in Kuala Lumpur just to name a few. locations also include many international companies to its clients, as Leolux, Intercal Telematics, Pfizer Pharmaceutical, Philips and VSB Bank. In 1994 Briels received for his book "Antipodism" prestigious, international award from the renowned Simpson Paper Company in San Francisco USA For the Olympic Winter Games of 2002 in Salt Lake City Briels has made it official painting that showed up on posters and official merchandising. CLEMENS BRIELS- GERZurück nach obenClemens Briels wurde 1948 in Sons (Noord-Brabant) geboren. Seine arbeiten sind gesuchte Sammlerobjekte für Liebhaber von Topdesign und Kunst. Briels wählt ganz bewusst neue Herausforderungen, wobei er akademische Gesetzmässigkeiten eintauscht für seine eigene Vision der Gegenpoligkeit. Selbst sagt er hierzu: "Jeder Mensch ist auf der Suche nach seinem eigenen Gegenpol. Der eine macht das indem er Bungeejumping ausübt, andere radeln in den Bergen von Nepal und wieder andere tun dies, indem sie spontan ihren eigenen Hirngespinsten und Fantasien Ausdruck geben. Dies unter dem Motto: "There's no need to look forward if you can practice your fantasy now". Briels wuchs auf in einer grossen brabanter Familie Er wollte schon als Kind Künstler werden, sodass er 1955 eine Ausbildung an der "Academie voor Industriële Vormgeving"-Akademie in Eindhoven begann .Mit als einziges Ziel einen künstlerische Laufbahn verwirklichen zu können. Infolge allerhand Umstände belandet er in die Welt der Werbung ,wo er es überaus erfolgreich zum "Art Director" bringt. Im Alter von 45 Jahren entschliesst er sich endgültig für eine künstlerische Karriere. Briels arbeitet vorwiegend mit grellen Farben .Hierzu sagt er selbst: "Ich liebe es mit grellen Farben zu arbeiten .Ich mag keine triste Leinwände. Vielleicht hat es damit zu tun, dass ich ein extrovertierter Mensch bin". Er holt seine Inspiration aus seiner eigenen Erlebniswelt,zusammen mit den Eindrücken, die überall auf ihn einwirken. Er will absolut nicht von "Trends" involviert werden. Briels führt hierzu aus: "Ich bin es aus der Werbung gewohnt von einem Auftrag heraus zu arbeiten Mit strengen Bedingungen, denen ich genügen muss. Eine Arbeitsweise, die ich brauche .Denn ich bin nicht jemand, der sich lange überlegt, was er als nächstes machen möchte. Ich bin imgrunde meinen eigenen Auftraggeber .Wenn ich etwas mache, muss dahinter eine bestimmte Absicht stecken. Dann arbeite ich auch am besten!" N.B.: 2 x in NL-tekst (alineabegin) " weg Die Arbeiten von Briels sind nicht nur in den Niederlanden vielerorts zu finden sondern auch seit 1990 weltweit. Wie auf den Inseln Curaçao und Sint Maarten, in New York, Stockholm, Antwerpen, Hannover, Stuttgart und gar Kuala Lumpur .Um nur einige der Ort zu nennen. Auch gehören internationale Konzerne zu seinen Auftraggebern wie beispielsweise Leolux, Intercal Telematics,.Pfizer Pharmaceutical, Philips und die VSB-Bank. 1994 erhielt Clemens Briels für sein Buch "Antipodism" den angesehenen "International Award" des renommierten "Simpson Paper Comainy"-Konzerns aus San Francisco (USA). Für die olympischen Winterspiele von 2002 in Salt Lake City hat Briels das Originalbild entworfen, das zu sehen war auf entsprechenden Plakaten und Merchandising-Artikeln » Broeren, TheoTHEO BROEREN – NLTerug naar bovenTheo Broeren - kunstenaar van de vrolijke taferelen Theo is geboren op 29 september 1945 in het dorp Ravenstein in Noord-Brabant. Hij komt uit een groot gezin met 9 kinderen die allemaal creatief waren, vooral zijn vader was een alles-kunner. Broeren schildert al meer dan 30 jaar dikke figuren in de stijl van Floddertje en Botero die zijn voorbeelden zijn. Theo schildert al jaren exclusief voor IQ, u vindt zijn collectie in alle vestigingen van IQ THEO BROEREN – ENGBack to TopTheo Broeren - artist of the cheerful scene Theo was born on September 29, 1945 in the village of Ravenstein in North Brabant. He comes from a large family with nine children who were all creative, especially his father was an all-rounder. For over 30 years Broeren thick paints figures in the style of Floddertje and Botero who are his examples. Theo paints exclusively for IQ already for years, and you can find his collection at all IQ Branches. THEO BROEREN – GERZurück nach obenDer Künstler Theo Broeren wurde am 29. September in Ravenstein (Noord-Brabant) geboren .Er stammt aus einer grossen Familie mit 8 Kindern, die alle sehr kreativ veranlagt waren. Besonders sein Vater war ein Alleskönner.Theo zeichnete und malte, zusammen mit seinem Bruder Jan, oft allerhand Werbematerial für die örtlichen Gewerbetreibenden, wenn das immer wieder mal erforderlich war. Als Entgelt bekamen die beiden Jungen dann eine Tafel Schokolade. Theo ging auf die Gewerbeschule um dort zum Maurer ausgebildet zu werden. Das war etwas Reelles befanden seine Eltern und konnte auch schnell und gut dazu zur Unterhalt der Familie beizutragen. Aber der Zeichenlehrer sah schon sehr bald dass Theo den falschen Beruf gewählt hatte. Er fand, dass Theo mit dem Zeichnen weitermachen und auf die Kunstakademie wechseln sollte. Denn seine Kreativität setzte sich immer wieder durch und so zeichnete Theo Broeren immer wieder auf Kinderzimmerwänden seine Kinderfiguren Floddertje, Jip und Janneke. Nach der Arbeit als Maurer widmete er sich seiner Malerei immer wieder mit grossem Spass .Dabei kreierte er etwas dickliche Figuren in Anlehnung an Floddertje und Bolerie, die ihm immer als Vorbild dienten. Seit mehr als 30 Jahren hat Theo Broeren diesen Stil mit grossem Spass verfeinert. 1989 eröffnete er ein Kleidungsgeschäft für Kinder unter dem Namen "Olleke Bolleke" .Das Geschäft lief sehr gut aber als seine Frau 2002 schwer erkrankte musste es 2003 verkauft werden. Anschliessend hat er wieder mit dem Malen angefangen und hat er erneut einen Stil entwickelt, dessen Passion und Kreativität seine Arbeit noch lange prägen würde. Er erzählt dann auch gerne von seiner Malleidenschaft und das Erfreuen von Menschen. Bis heute hat er eher im Verborgenen agiert aber jetzt findet er es an der Zeit sich auch mehr der Aussenwelt zu präsentieren. » Bronkhorst, TheraBack to Top» Brood, HermanHERMAN BROOD – NLTerug naar bovenDe Nederlandse kunstenaar Herman Brood (1946-2001) werd op 5 november 1946 geboren in de Fuchiastraat 34 te Zwolle en is in alles een rasartiest in zijn muziek, in zijn gedichten en vooral in zijn schilderijen en zeefdrukken. Uit zijn werk spreekt een enorme gedrevenheid die hij dankzij zijn perfecte beheersing van de techniek op een briljante manier weet om te zetten in vorm en kleur. De grote belangstelling voor zijn werk betekent voor Herman Brood een geweldige stimulans. Net als tijdens de optredens met zijn band is de wisselwerking met het publiek een aanmoediging en een bron van inspiratie tegelijk. Brood werkt vol overgave, stort zich met penselen, verf en spuitbussen steeds opnieuw in een hallucinerend avontuur waaruit hij onveranderd als winnaar tevoorschijn komt. De talloze indrukken en ervaringen die hij in zijn roerige leven verzameld heeft, vertaalt hij in kunst met een grote K. Kunst waarvoor de belangstelling alleen maar toeneemt omdat authenticiteit zich nu eenmaal feilloos laat herkennen. Herman Brood kiest altijd voor een tastbaar beeld, waarbij de slogans je doen denken aan een striptekening. Het gros van zijn schilderijen en- zeefdrukken laten zien waar het bij Herman Brood om draait: muziek, relaties, ontspanning en liefde! Herman was de laatste 15 jaar van zijn leven elke 3 weken te gast bij IQ Kunstuitleen bij vriend Ivo de Lange, die ook een groot deel van zijn kunstzaken behartigde; meer dan 600 schilderijen werden destijds in de Marslanden te Zwolle door hem vervaardigd. Ook signeerde hij hier meer dan 50 oplages zeefdrukken. Veel van zijn bezoeken werden op video vastgelegd (meer dan 60 uur materiaal). IQ is samen met Coach Art, i.s.m. de erven Brood, de bewaker van zijn werk. Hoed u voor namaak! HERMAN BROOD – ENGBack to TopThe Dutch artist Herman Brood (1946-2001) was born on November 5, 1946 in Fuchiastraat 34 Zwolle. He is in everything a true artist whether in his music, his poems, and especially in his paintings and prints. His work contains an enormous drive which, thanks to his mastery of art technique, he manages to transform into form and color in a brilliant way. The great interest in his work to Herman Brood is an enormous incentive. Just like during the performances with his band, the interaction with the audience was an encouragement and inspiration at the same time. Bread works diligently, plunges with brushes, paints and spraypaints over again in a hallucinatory adventure from which he time and again emerges as the victor. He translates the countless impressions and experiences he has collected in his turbulent life, into art with a capital A. Art for which interest has increased because authenticity is easy to recognize. Herman Brood always opts for a tangible image with slogans reminiscent of a cartoon. The majority of his paintings and silkscreen serigrahps show what Herman Brood is about: music, relationships, relaxation and love! For the last 15 years of his life, Herman was every three weeks a guest at his friend Ivo de Lange, who also looked after a large part of his art business at IQ Kunstuitleen, and more than 600 paintings were then manufactured in the Marslanden Zwolle by him. He also signed more than 50 order screen printing here. Many of his visits were captured on video (more than 60 hours of material). IQ is in corporation with Coach Art, and the heirs Bread, the guardian of his work. Beware of imitations! HERMAN BROOD – GERZurück nach obenDer niederländische Künstler Herman Brood (1945-2001) wurde am 5. November 1945 an der Fuchsiastrasse 34 in Zwolle geboren. N:B:: Fuchsiastraat (met "s") Er ist ein Künstler mit Herz und Seele in allem was er kreiert hat, sowohl in seiner Musik, in seinen Gedichten als ganz besonders auch in seinen Gemälden und Siebduckarbeiten. Aus seinem Wirken spricht eine grosse Getriebenheit, die er dank seiner perfekten Technikbeherrschung in wahrlich brillanter Art und Weise in Formen und Farben umzusetzen wusste. Das grosse Interesse für sein Werk bedeutete ein enormer Ansporn für Herman Brood. Genauso wie er während seiner Auftritte mit seiner Band aus der Wechselwirkung mit seinem Publikum gleichzeitig Ermutigung und Inspiration schöpfte. Brood arbeitete mit wahrer Hingabe und stürzte sich jedes Mal mit Pinseln, Farben und Sprühdosen in halluzinierende Abenteuer, aus denen er immer wieder als Sieger hervorging. Die zahlreichen Eindrücke und Erfahrungen, die er in seinem bewegten Leben gesammelt hat, konnte er immer wieder in Kunst mit einem grossen K umsetzen. Und wofür das Interesse auch deswegen immer weiter zunimmt, da sich Authentizität hier nun mal ohne irgendwelche Umwege erkennen lässt. Herman Brood hat sich immer für "anfühlbare" Bilder entschieden, deren Titel und Slogans sich meistens wie solche für Stripzeichnungen anhören. Der Löwenanteil seiner Gemälde und Siebdruckarbeiten zeigt was Herman Brood wichtig war: Musik, Erzählung, Beziehung, Entspannung und Liebe. In den letzten 15 Jahren seines Lebens war Herman Brood wöchentlich zu Gast bei seinem Freund Ivo de Lange in dessen IQ-Kunstausleihe. Dieser verwaltet einen grossen Teil seines Kunstnachlasses. Mehr als 600 Gemälde wurden damals in den dortigen Marslanden zu Zwolle von ihm angefertigt. Auch signierte er hier mehr als 50 Siebdruck-Auflagen. Dabei wurden viele seiner Besucher auf Video festgelegt (mehr als 60 Stunden Material). IQ ist zusammen mit Coach Art und in Zusammenarbeit mit den Erben Herman Broods der Hüter seines Lebenswerkes. Hüten Sie sich bitte vor Fälschungen » Bruggen Kate, Chris tenCHRIS TEN KATE BRUGGEN – NLTerug naar bovenDe wieg van Chris ten Bruggen Kate stond in Utrecht. Op 10 juni 1920 werd hij geboren. Hij was een gevoelig kind, dat van jongs af aan tekende. Vooral paarden omdat die zijn grote belangstelling hadden. Na schooltijd was hij steeds te vinden in stalhouderijen en paardestallen. Zijn moeder, die weduwe was, maakte zich daardoor veel zorgen om haar enig kind. Na de lagere school en de Mulo stuurde zijn voogd hem naar de zeevaartschool in Den Helder, waarvoor hij echter weinig voelde. Hij wilde immers alleen maar kunstschilder worden, hetgeen zijn voogd hem met klem afraadde. Maar uiteindelijk gaf hij toch toe. Helaas voor Chris niet naar de Academie - dat vond zijn familie niet goed - maar naar Nunspeet bij een particuliere leraar. Deze uit Rotterdam afkomstige tekenaar en schilder is van grote invloed op zijn verdere leven geweest. Hij studeerde er vier jaar, van 1937 - 1941. Daarna bleef de jonge schilder Nunspeet trouw. De schilders Carel Willink en Jos Lussenburg en de Amsterdamse dichter Jacques van Hattum waren van grote invloed op zijn vorming. Hij sloot zich aan bij de plaatselijke schilderclubs en al spoedig bij "Het Palet" te Zwolle waarvan hij sinds kort erelid is. In 1976 werd hij uitgenodigd lid te worden van de Amsterdamse beroepskunstenaars vereniging"Sint Lucas". Chris exposeerde zijn werk door het gehele land, maar ook daarbuiten. Zijn schilderijen hangen in vele particuliere verzamelingen in Nederland, Canada, de Verenigde Staten, Duitsland, Zwitserland en België. Aanvankelijk moest hij een deel van zijn levensonderhoud verdienen met het schrijven in plaatselijke en landelijke bladen. In het weekblad "De Spiegel" verschenen vele artikelen van zijn hand over de schoonheid en het wild van de Veluwe. Niet alleen de schilderkunst maar ook de poezie had zijn warme belangstelling. Hij publiceerde gedichten en korte verhalen. "Eigenlijk zijn ook mijn schilderijen poezie", zei hij eens. CHRIS TEN KATE BRUGGEN – ENGBack to TopThe cradle of Chris Bridges at Kate stood in Utrecht. On June 10, 1920 he was born. He was a sensitive child, from an early age drew. Especially horses because they had been great interest. After school he was always to be found in livery and stables. His widowed mother was thus made himself very concerned for her only child. After primary school and Mulo his guardian sent him to the Maritime Academy in Den Helder, which he felt little, however. He was, after all, only be a painter, as his guardian dissuaded him strongly. But in the end he still increasing. Unfortunately for Chris not to the Academy - that his family did not good - but Nunspeet with a private teacher. This artist from Rotterdam and painting has been a major influence on his life. He studied there for four years, from 1937 to 1941. Then continued the young painter Nunspeet faith. The painters Carel Willink and Jos Lussenburg and Amsterdam Jacques van Hattem had a great influence on its formation. He joined the local painter clubs and soon at "Palette" in Zwolle, which he has recently become an honorary member. In 1976 he was invited to join the Amsterdam professional artists association "Saint Luke" member. Chris has exhibited his work throughout the country, but also abroad. His paintings hang in many private collections in the Netherlands, Canada, the United States, Germany, Switzerland and Belgium. Initially, he was part of earning his livelihood by writing in local and national newspapers. In the weekly "The Mirror" many of his articles appeared about the beauty and wildlife of the Veluwe. Not only painting but also the poetry had been warm interest. He published poems and short stories. "Actually, my paintings poetry," he once said. CHRIS TEN KATE BRUGGEN – GERZurück nach obenDie Wiege des Künstlers Chris ten Bruggen Kate stand in Utrecht, wo er am 10 .Juni 1920 geboren wurde. Er war ein sehr empfindsames Kind, das bereits als kleines Kind fleissig zeichnete .Besonders Pferde erregten sein grosses Interesse. Nach der Schule war er immer in den Gestüten und Pferdestallungen zu finden und seine verwitwete Mutter sorgte sich immer sehr um ihr einzigstes Kind. Nach der Volksschule und der mittleren Schule schickte ihn sein Vormund auf die Seefahrtsschule in Den Helder. Hier fühlte er sich gar nicht wohl, denn er wollte nur Kunstnmaler werden. Sein Vormund lehnte das anfänglich strikt ab aber schliesslich willigte er dann doch ein. Leider führte sein Weg ihn nicht auf die Malerakademie – das befand seine Familie nicht für notwendig – sondern nach Nunspeet zu einem Privatlehrer. Dieser aus Rotterdam gebürtige Zeichner und Maler hat sein weiteres Leben sehr beeinflusst. Der junge Künstler Chris ten Bruggen Kate studierte dort vier Jahre (1937-1941) und blieb anschliessend dem Dorf Nunspeet treu. Die Kunstmaler Carel Willink und Jos Lussenburg sowie der Amsterdamer Dichter Jacques van Hattem sollten seine Ausbildung gleichfalls sehr beeinflussen. Chris ten Bruggen Kate schloss sich an bei örtlichen Malerklubs und schon bald beim Malerverein „Het Palet“ in Zwolle. Hier ist er kürzlich zum Ehrenmitglied ernannt worden 1976 wurde er eingeladen Mitglied zu werden des Amsterdamer Vereins für Berufskunstmaler „Sint Lucas“. Chris stelllte seine Arbeiten um ganzen Land aus aber auch über die Grenzen. Seine Gemälde hangen in Privatsammlungen in den Niederlanden, Kanada, den Vereingten Staten, Deutschland, der Schweiz und Belgien. Anfänglich musste er seinen Lebensunterhalt teilweise bestreiten mit dem Schreiben von Artikeln in regionalen und überregionalen Blättern. So sind im „De Spiegel“-Magazin von seiner Hand viele Artikel erschienen über die Schönheit und den Wildbestand der Veluwe-Region. Nicht nur der Malerei sondern auch der Dichtkunst brachte er grosses Interesse entgegen. Er publizierte viele Gedichte und kurze Geschichten. „Eigentlich sind meine Gemälde Poesie“, sagte einst. » Buenk, HansHANS BUENK – NLTerug naar bovenWonend in een landelijk gebied aan de rand van Zwolle is Hans Buenk (Nijkerk 1953)gefascineerd geraakt door de eenvoud en de rust van het Overijsselse landschap. Werkend in de natuur tracht hij de verschillende lichtschakeringen gedurende de dag in beeld te brengen. Lucht en water, boompartijen en graslanden. Uitbeelding van ruimte en ruimtesuggestie in het landschap door middel van vorm en kleur blijven hem steeds bezig houden. Het wisselende licht en de kleurvariaties door veranderingen in de atmosfeer laten je hetzelfde landschap in oneindig veel hoedanigheden zien. Dit blijft boeien. Vanaf 1990 komt daar nog een aspect bij. In het beeldende werk krijgt Hans Buenk de aandacht van de 'geduldige bewoner' van het landschap: de koe. Picturaal gezien geeft het roodbonte vee een keurrijke toevoeging in omber en sienna. Het zwartbont vee zet donkere accenten. De anatomische structuur en het gevlekte huidoppervlak stellen hem in staat om een breder kleurenspectrum toe te passen. De plaats en de betekenis van kleur gaat een sterkere rol spelen. Alle verhoudingen die kleur, vorm en lijn met elkaar aangaan zijn gericht op het versterken van evenwicht en rust in de compositie. Abstractie en figuratie worden op elkaar afgestemd. HANS BUENK – ENGBack to TopLiving in a rural area on the outskirts of Zwolle Hans Buenk (Nijkerk 1953) fascinated by the simplicity and tranquility of the countryside Overijssel. Working in nature, he tries different light shades during the day to visualize. Air and water, many trees and grasslands. Depiction of space and room suggestion in the landscape through form and color keep him still working. The changing light and color variations due to changes in the atmosphere let you the same landscape in infinite qualities show. This continues to fascinate. From 1990 there is a further factor. In the visual work Buenk Hans gets the attention of the 'patient resident' of the landscape: the cow. Gives a pictorial view of the Red Holstein cattle in addition a variety rich umber and sienna. The black fur cattle turn dark accents. The anatomical structure and mottled skin surface enable him to get a wider color spectrum to be used. The place and meaning of color to play a stronger role. All relationships that color, form and line with one another are aimed at strengthening peace and balance in the composition. Abstraction and figuration are matched. HANS BUENK – GERZurück nach obenHans Buenk wurde 1953 in Nijkerk am Rande Zwolles geboren. Er ist fasziniert von der Einfachheit und der Ruhe der Overijsseler Landschaft. In der Natur arbeitend versucht er die unterschiedlichen Lichtschattierungen des Tages auf die Leinwand zu bringen. Die Ausgestaltung von Raum und Raumsuggestion in der Landschaft mittels Form und Farbe beschaftigen ihn immer wieder. Das wechselnde Licht und die vielen Farbvariationen als Folge atmosphärischer Vorgänge zeigen die gleiche Landschaft in fortwährend wechselnden Beschaffenheiten. Dies fesselt immer wieder. Ab 1990 kommt noch ein besondere Aspekt hinzu. Denn in seiner bildenden Kunst tritt jetzt die Kuh als "geduldiger Bewohner" der Landschaft auf den Plan. Das rotbunte Vieh gibt einen farbenreiche, malerische Ergänzung des Ganzen in vielerlei "omber"- und "sienna"-Farbtönen. Das schwarzbunte Vieh setzt die dunklen Akzente in seinen Landschaften. Die anatomische Struktur der Tiere und ihre gefleckte Hautoberfläche ermöglichen ihm von einem breiteren Farbenspektrum Gebrauch zu machen. Der Platz und die Bedeutung der Farbe fangen an eine immer wichtigere Rolle zu spielen. Sämtliche Harmonien, die Farbe, Form und Linie mit einander eingehen sind gerichtet auf die subtile Verstärkung des Gleichgewichts und der Ruhe in der Komposition des Ganzen. Abstraktion und Figuration werden auf einander abgestimmt. » Buitenman, JeroenJEROEN BUITENMAN – NLTerug naar bovenKunsthistorisch gezien, past het werk van Jeroen Buitenman in de traditie van de postimpressionisten: hij schildert waarvan hij houdt, op de manier die hem goeddunkt. 0 Trouw aan zichzelf, hoeveel hij nog wil en moet ontdekken, als kunstenaar maar ook als mens op zoek naar zijn eigen werkelijkheid. Je eigen relatie met de kunst aangaan; zelf weer op zoek gaan - het kan en mag - beter nog: het moet zelfs - allemaal weer sinds de strijd tussen de -ismen in de beeldende kunst is gaan liggen. Realisme? Voor Buitenman absoluut geen misprijzende, negatief geladen term. Maar nog beter voelt hij zich thuis in het surrealisme. Vanwege het plezier, de energie, de voorstelling die mensen begrijpen, of beter: waarvoor zij de moeite nemen die in eerste, tweede of derde instantie te ontdekken. Voor hem in elk geval waardevoller en bevredigender dan wat hij misprijzend moeilijk toegankelijke, elitaire academiekunst of 'Stedelijk Museum-kunst' noemt. Eenkennigheid kent hij evenwel niet, als bewonderaar ook van Jackson Pollock, het boegbeeld van het Amerikaanse abstract-expressionisme. Maar verder: je hebt slechte, middelmatige en goede kunst. En Pollock is gewoon goed. En de goeden komen als vanzelf wel naar voren. Of terug. Denk aan een andere held van Buitenman: sir Lawrence Alma Tadema, wiens werk decennialang werd veronachtzaamd, maar die glorieus terugkeerde op internationale kunstveilingen en -beurzen. Hoeveel Buitenman ook nog wil en van zichzelf moet lezen; met zijn gevoel voor en kennis van de hoogtepunten uit de kunstgeschiedenis is niets mis meer. Kritiek, als zou zijn werk politiek of historisch relevanter kunnen, wijst hij resoluut af. Het gaat hem erom welke kunst hem boeit en aanspreekt, en waarmee hij enthousiasme en betrokkenheid kan losmaken bij zijn toeschouwers. En voor de echte diehards heeft hij wel een uitspraak van Matthijs Röling paraat. "Wie zich bezighoudt met Auschwitz, moet niet aan beeldende kunst doen. Fotografie en film tonen die gruwel veel overtuigender." Maar veel liever praat Buitenman over zijn zoektochten, zijn ontdekkingen, zijn gedachten, zijn strijd met de weerbarstige materie. Wanneer is een schilderij geslaagd? Wanneer is hij tevreden? Zat de euforie al in de (computer)schets vooraf, of komt deze als het schilderij is voltooid? Wat ging er fout? Waarom zag hij een schilderij in aanleg niet zitten, was hij ten einde raad om er uiteindelijk toch mooie dingen in te ontdekken? En het exposeren en te verkopen? JEROEN BUITENMAN – ENGBack to TopArt Historically, fits the work of Jeroen Buitenman in the tradition of the post-Impressionists: he paints he loves, the way he sees fit. 0 True to himself, how much he wants and needs to explore as an artist but also as a man in search of his own reality. Your own relationship with the art assume; himself go looking - it can and should - even better, it should even - all since the last battle between the isms is to lie in the visual arts. Realism? For Buitenman absolutely no pejorative, negatively charged term. But even better he feels at home in surrealism. Because of the fun, the energy, the idea that people understand, or rather which they take the trouble to discover in the first, second or third body. For him, in any case, valuable and satisfying than what he disapprovingly inaccessible, elitist art academy or art Stedelijk Museum 'calls. Timid Heid he does not even know if admirer of Jackson Pollock, the figurehead of American abstract expressionism. But further: you're bad, mediocre, and good art. And Pollock is just good. And the good will naturally be forward. Or back. Think of another hero of Buitenman: Sir Lawrence Alma Tadema, whose work was neglected for decades, but gloriously returned at international art auctions and exhibitions. How Buitenman also want to read and of itself, with his feeling for and knowledge of the highlights of the history of art is nothing more wrong. Criticism, as would work politically or historically relevant to, he points resolutely. For him art is which fascinates him and appeals, and which he can release his audience. Enthusiasm and commitment And for the true diehards he has an order of Matthijs Röling ready. "Whoever engages in Auschwitz should not do justice to the visual arts. Photography and film horror show that much more meaningful." But much rather talk about his Buitenman quests, his discoveries, his thoughts, his battle with the recalcitrant matter. When a painting is successful? When he is satisfied? Sat euphoria already in the (computer) sketch beforehand, or does this when the painting is finished? What went wrong? Why he saw a painting not in construction, he was desperate to get eventually to discover? Pretty things And the exhibit and sell? JEROEN BUITENMAN – GERZurück nach obenIm kunsthistorischen Sinne passt das Werk Jeroen Buitenmans in der Tradition der Postimpressionisten. Treu an sich selbst tastet Buitenman ab wieviel er noch entdecken möchte und muss, als Künstler und als Mensch, auf der Suche nach seiner eigenen Wirklichkeit. N.B.: NL-tekst loopt, niet lijkt mij onvolledig Einen eigenen Bezug zur Kunst, sich selbst wieder auf die Suche begeben - es kann und darf, besser noch, es muss sogar wieder, seit der Streit zwischen den "Ismen" in der bildenden Kunst sich wieder gelegt hat. Realismus? Es ist dies für Jeroen Buitenman absolut kein ablehnender, negativ besetzter Begriff. Aber noch mehr zu Hause fühlt er sich im Surrealismus. Wenn die Menschen den Spass, die Energie und die Imagination in seinem Werk begreifen - oder besser noch - sich die Mühe nehmen das alles in der ersten, zweiten oder Dritten Begegnung zu entdecken. Für ihn jedenfalls wertvoller und befriedigender als solche schwierig zugängliche Kunst, die er als Akademiekunst oder als "Städtisches Museum"-Kunst bezeichnet. Als Bewunderer En Pollocks, der Gallionsfigur des amerikanischen Abstrakt-Expressionismus, kennt Buitenman jedoch absolut keine Berührungsangst. Er findet dass es schlechte, mittelgute und gute Kunst gibt .Und dass Pollock einfach gut ist. Und gute Kunst sich immer nach vorne arbeitet. Dies gilt auch für den Künstler und anderen Held Buitenmans Sir Lawrence Alma Tadema. Dessen Werk jahrzehntelang vernachlässigt wurde aber der mit Glanz und Gloria auf den internationalen Kunstauktionen und Kunstmessen zurückkehrte. Was Buitenman auch über sich selbst lesen will oder muss, kann ihn mit seinem Gefühl und seiner Kenntnis der Höhepunkte aus der Kunstgeschichte, nicht mehr erschüttern. Kritik, dass sein Werk politisch oder geschichlich einen grössere Relevanz aufweisen könnte, weist er resolut zurück. Es geht ihm darum, zu erfahren, welche Kunst ihn fesselt oder inspiriert. Und mit welcher Kunst er Gefühle der Begeisterung und des Mitgefühls bei seinen Betrachtern auslösen kann. Und für die echten Unverbesserlichen ("diehards") hat er einen Ausspruch des Künstlers Matthijs Roling parat: "Wer sich mit Auschwitz beschäftigt braucht keine bildende Kunst. Foto und Film zeigen die Greueltaten viel überzeugender". Aber noch engagierter erzählt Buitenman von seinem Suchen, seinen Entdeckungen, seinen Gedanken und seinem Kampf mit der widerspenstigen Materie. Wann ist ein Gemälde gelungen? Wann ist er zufrieden? Beginnt die Euphorie bereits bei der (Computer-)Skizze vorab oder kommt diese erst wenn das Gemälde fertiggestellt ist? Was ist schief gegangen? Weshalb konnte er sich im Ansatz mit einem Gemälde nicht identifizieren und am Ende doch viel Schönes darin entdecken? Und es gar auszustellen oder verkaufen? » Cames, NorbertBack to Top» Celis, PerezPERIS CELIS – NLTerug naar bovenPERIS CELIS – ENGBack to TopPerez Celis, 69, an Argentine painter, sculptor and muralist whose highly visible works adorned museums, banks, airports and universities as well as soccer stadiums and wine bottles, died of leukaemia Aug. 2 at a clinic in Buenos Aires. Mr. Celis burst to prominence by the early 1960s and became a prolific exhibitor in galleries and museums from Buenos Aires to New York. Although widely known for his abstract pieces, he declined to be identified with any prevailing fashions or trends in the art world. "Any style is a prison," he often said. During the rise of pop art in the early 1960s - exemplified by Andy Warhol, Jasper Johns and Robert Rauschenberg - Mr. Celis immersed himself in the indigenous art tradition of Argentina and Peru. In later years, he turned to more figurative designs from his studio in Miami. Besides his skilful use of light and shadow, Mr. Celis' work resonated with many observers for its assertive, often juxtaposed geometric lines. He said such bold features were inspired by extended visits to the horizontal plains of the Argentine pampas and later to Caracas, Paris and New York, cities where the vertical skylines dominated the horizon. Some critics and artists could be less than enthusiastic about Mr. Celis' art, a view often chalked up to jealousy of his popular success. He had more than 120 solo shows during his career, and his art was purchased for many private collections and first-rate museums, including the Museum of Modern Art in New York. He received commissions from governments and businesses, which displayed his art prominently. A huge fan of the Boca Junior soccer team, he created two enormous murals in 1997 for the team's La Bombonera stadium in Buenos Aires: "Idolos" (Idols) and "Mito y Destino" (Myth and Destiny), both Venetian mosaics and bronze on cement. Jacques Martinez, a gallery owner in Buenos Aires who organized many exhibits of Mr. Celis' work, explained the artist's cultural significance this way: "It's one thing to be Jackson Pollock, but quite another to be Jackson Pollock with a display at Yankee Stadium." But his tendency to explore cultures and styles throughout his career also is what makes him intriguing and important, Martinez added. "The geometrical and informal work of the beginning of the '60s is surprisingly fresh," he said. "The series of the '70s, which can be called 'Indo-American' and took elements of those cultures, were the ones that placed him as a great Latin American artist." A police officer's son, Celis Perez was born Jan. 15, 1939, in the San Telmo neighborhood of Buenos Aires and raised in the Liniers section of Buenos Aires province. He reversed his name when he became a professional painter, after attending a fine arts high school. At 17, he received his first major exhibition, at Galeria La Fantasma in Buenos Aires. He was welcomed into artist colonies in Buenos Aires and Montevideo, Argentina, while working as a carpenter's apprentice and advertising company illustrator. He benefited from the early patronage of Guido Di Tella, an industrialist's son who turned his family's arts foundation in Buenos Aires into a major center for contemporary artists. Di Tella later became Argentina's foreign affairs minister and ambassador to the United States. In more recent years, Mr. Celis illustrated Jorge Luis Borges' Spanish-language translation of Walt Whitman's poem "Leaves of Grass." His first wife, Sara Fernandez, died in a car crash in 1975, and Mr. Celis spent months undergoing physical recovery for injuries he incurred in the accident. His second wife, Iris Laconich, died in 1999. Survivors include his third wife, Tamara Toma of Buenos Aires; and two children from his first marriage. - Adam Bernstein, Washington Post PERIS CELIS – GERZurück nach oben» Chagall, MarcMARC CHAGALL – NLTerug naar bovenMarc Chagall, geboren als Movsja Zacharovitsj Sjagal (Vitebsk, Wit-Rusland, 7 juli 1887 – Saint-Paul-de-Vence, Frankrijk, 28 maart 1985) was een Frans kunstschilder van Joods-Wit-Russische afkomst. Chagall werd geboren in het deel van het Keizerrijk Rusland dat tegenwoordig Wit-Rusland is. Later verdraaide hij zijn naam naar het meer Franse Marc Chagall. Hij was de zoon van een eenvoudige haringhandelaar en de oudste van negen kinderen. Het gezin was chassidisch joods. Deze arme maar gelukkige periode in Chagalls leven keert talloze malen terug in zijn werk.Nadat hij op de basisschool kennis maakte met tekenen kreeg hij vanaf 1906 schilderlessen van de lokale kunstenaar Yehuda Pen. Zijn moeder stimuleerde zijn kunstzinnige ambities en een paar maanden later, in 1907, vertrok hij naar Sint-Petersburg om daar te studeren aan de kunstacademie onder leiding van Nikolai Roerich. Van 1908 tot 1910 studeert hij onder leiding van Léon Bakst aan de Zvantsevas kunstacademie. Bakst stond toen aan het begin van een geweldige carrière als decorontwerper. Dit was een moeilijke periode voor Chagall. Joodse burgers konden alleen in St. Petersburg wonen met een vergunning en hij bracht korte tijd in de gevangenis door. Toch bleef hij in St. Petersburg tot 1910, al bezocht hij Vitebsk met grote regelmaat. Daar ontmoette hij in 1909 zijn toekomstige vrouw Bella Rosenfeld. In 1910 verhuist Chagall naar Parijs, het toenmalige middelpunt van het culturele leven. Na anderhalf jaar door te hebben gebracht in kamers in Montparnasse verhuisde hij naar "La Ruche" een gebied aan de rand van de stad waar de kunstenaars woonden. Hij raakte bevriend met een aantal avant-gardistische dichters en jonge kunstenaars waaronder Guillaume Apollinaire, Robert Delaunay en Fernand Léger. Deze periode wordt vaak zijn beste periode genoemd met werken als "I and the Village" ("Ik en het dorp"). Zijn werk wordt vaak geassocieerd met het surrealisme. Maar eigenlijk valt zijn werk onder verschillende stromingen al maakt het nergens helemaal deel van uit. Chagall heeft een hele eigen stijl die dromerig aan doet. Hij haalde zijn inspiratie uit de Russische volkskunst en het volksleven, zijn herinneringen aan zijn jeugd en de rol van het Jodendom hierin. Hij combineerde elementen hiervan met onder andere de kleur van de moderne stijlen die hij in Parijs ontmoette. Zijn werk laat sporen van het Expressionisme, Kubisme en Fauvisme zien. Tevens beeldde hij met grote regelmaat Bijbelscènes af. Zijn jeugd is een terugkerend thema in zijn werk. De rabbi’s, geitjes en muzikanten die in zijn schilderijen figureren, vinden daar hun oorsprong. Chagalls werk is zeer uitbundig van kleur. Picasso zei eens over hem 'de enige kunstenaar die nog weet wat kleur is'. Een rationele analyse van zijn werk wees Chagall af, schilderen was voor hem een intuïtief proces. Door het religieuze verbod op het afbeelden van mensen, waar het Jodendom zich streng aan houdt, is een Joodse schildertraditie nooit ontwikkeld. Hierdoor was er erg veel ruimte voor de kunstenaar, die zich maar aan weinig conventies diende te houden. Er waren echter ook veel problemen, omdat typisch Joodse thema's niet bestonden en het referentiekader dus door de eerste generatie Joodse kunstenaars uitgevonden moest worden. Schilders als Chagall, Chaïm Soutine en Jacques Lipchitz doen vermoeden dat er toch al gauw een identiteit gevonden werd door de Joodse schilders, omdat hun werken erg op elkaar lijken wat thematiek en stijl betreft. Chagalls positie en invloed hier zijn niet te overschatten. Behalve een van de oudste Joodse schilders, was hij ook de langst levende en heeft hij daardoor altijd een voortrekkersfunctie gehad en die van baken voor , waaraan zij hun oeuvre konden toetsen. Zijn herinneringen aan zijn jeugd, die zijn belangrijkste inspiratiebron vormden, tonen allerlei Joodse thema's die daarvoor nooit afgebeeld waren. Rabbijnen, violisten, arbeiders uit het getto, synagogen, alles laat een Joodse cultuur zien die door anderen nooit eerder zo vrijelijk en liefdevol afgebeeld was, met al haar gebreken en pluspunten. Een kritische noot die hierbij vaak gehoord wordt, is dat Chagall in zijn bijna 98-jarige leven nooit een ander thema heeft aangepakt en als het ware zijn succes benut heeft zonder nieuwe artistieke risico's te nemen. MARC CHAGALL – ENGBack to TopMarc Chagall, born Movsja Zacharovitsj Sjagal (Vitebsk, Belarus, July 7, 1887 - Saint-Paul-de-Vence, France, March 28, 1985) was a French painter of Jewish-Belarusian origin. Chagall was born in the part of the Russian Empire which is now Belarus. Later he turned his name to the more French Marc Chagall. He was the son of a herring merchant and the eldest of nine children. The family was Hasidic Jewish. These poor but happy period in Chagall's life goes back numerous times in his werk.Nadat he met with signs at primary school he was from 1906 painting lessons from the local artist Yehuda Pen. His mother encouraged his artistic ambitions and a few months later, in 1907, he moved to St. Petersburg to study at the art academy led by Nikolai Roerich there. From 1908 to 1910 he studied under the guidance of Leon Bakst at the Zvantsevas academy. Bakst was then at the beginning of a great career as a set designer. This was a difficult period for Chagall. Jewish citizens could only live in St. Petersburg with a permit, and he spent a short time in prison. Yet he remained in St. Petersburg until 1910, though he visited Vitebsk with great regularity. There he met his future wife in 1909, Bella Rosenfeld. In 1910, Chagall moved to Paris, then the center of cultural life. After to have brought in rooms in Montparnasse and a half years he moved to "La Ruche" an area on the outskirts of the city where the artist lived. He befriended a number of avant-garde poets and young artists including Guillaume Apollinaire, Robert Delaunay, and Fernand Léger. This period is often called his best period with works like "I and the Village" ("I and the Village"). His work is often associated with surrealism. But actually his work falls under different currents certainly makes no part of it. Chagall has a very unique style which dreamy to do. He took his inspiration from the Russian folk art and folk life, his memories of his youth and the role of Judaism herein. He combined these elements including the color of the modern styles that he met in Paris. His work shows traces of Expressionism, Cubism and Fauvism see. He also portrayed with great regularity Biblical scenes off. His youth is a recurring theme in his work. The rabbis, kids and musicians who appear in his paintings, will find their origin. Chagall's work is very exuberant color. Picasso once said of him, "the only artist who even know what color it is." A rational analysis of his work reflected off Chagall was painting for him an intuitive process. The religious ban on depicting people where Judaism adheres to strict, is a Jewish tradition of painting never developed. As a result, there was a lot of space for the artist, but had to keep. To little conventions However, there were too many problems, because traditional Jewish themes did not exist and the reference to be. Thus invented by the first generation of Jewish artists Painters like Chagall, Chaim Soutine and Jacques Lipchitz suggest that it was nonetheless soon found an identity by Jewish painters because their works are very similar to what theme and style relates to each other. Chagall's position and influence here can not be overestimated. Besides being one of the oldest Jewish painters, he was the longest-lived and has therefore always had a leading role and that of beacon for which they could test. Their work His memories of his youth, who were his main source of inspiration, show all kinds of Jewish themes that were never shown before. Rabbis, violinists, workers from the ghetto, synagogues, Jewish culture makes everything a show that had never been so freely and lovingly portrayed by others, with all its weaknesses and strengths. A cautionary note that this is often heard is that Chagall in his nearly 98-year life has never addressed a different theme, and as it were successfully used to take. No new artistic risks MARC CHAGALL – GERZurück nach oben» Chan, DominiqueDOMINIQUE CHAN – NLTerug naar bovenBeeldend kunstenaar Dominique Chan werd in Frankrijk geboren (Quimper, Bretagne, 1950) uit een Chinese vader en een Franse moeder. Een deel van zijn jeugd bracht hij dan ook in Parijs door. Na een aantal jaren door Europa te hebben gezworven vestigt hij zich in 1975 definitief in Amsterdam. Na een studie aan de Rietveld Academie (1980-1985) vertrekt hij op twee studiereizen naar China (1986 en 1987) waar hij zich o.a. verdiept in Chinese kalligrafie. Hierna volgen nog vele reizen naar alle delen van de wereld: Azië, Amerika, Australië, overal doet hij indrukken op, leert over andere culturen, en schrijft erover, al schilderend, in zijn dagboek. Met name de indrukken die hij opdoet in China komen steeds terug in zijn werk. Zo verwerkt hij Chinese kranten en postzegels zijn in kunst. Met de jaren heeft het werk van Dominique Chan zich ontwikkeld tot een uitgebalanceerde compositie van kleuren. Daarbij zet hij alle middelen in om de karakteristieke eigenschappen ervan uit te buiten. Als bij de '"constructivisten", maakt hij gebruik van kleurgroepen die in elk autonoom werk opduiken. Zijn werk straalt vrijheid uit. Deze uitstraling wordt veroorzaakt door het kleurgebruik, fel en direct, en de ogenschijnlijk chaotische manier waarop de verf op het doek ligt. Opvallend is tevens dat zijn werk vaak is opgedeeld in verschillende vlakken, waarbij elk vlak weer een ander verhaal vertelt. Deze vakken en kleuren vormen dan weer het decor voor de figuranten die Chan snel en doeltreffend neer zet. De vrolijkheid in het werk van Dominique Chan wordt wereldwijd gewaardeerd. Zijn werk wordt regelmatig geëxposeerd in binnen-en buitenland en is in diverse grote bedrijfscollecties opgenomen. DOMINIQUE CHAN – ENGBack to TopVisual artist Dominique Chan was born in France (Quimper, Brittany, 1950) of a Chinese father and a French mother. A part of his childhood he spent in Paris by. After having wandered through Europe for several years, he settled permanently in Amsterdam in 1975. After studying at the Rietveld Academy (1980-1985), he leaves two study trips to China (1986 and 1987) where he studied eg in Chinese calligraphy. Here are many travel to all parts of the world: Asia, America, Australia, he does impressions everywhere learn about other cultures, and writes about it, while painting in his diary. In particular, the impressions he gathers in China are increasingly reflected in his work. As he processed Chinese newspapers and stamps in art. Over the years, the work of Dominique Chan developed into a balanced composition of colors. In doing so he puts all the resources to exploit. The characteristic properties If the "" constructivists ", he uses color groups that appear in each autonomous work. His work exudes freedom. This appearance is caused by the use of color, bright and direct, and the seemingly chaotic way the paint is on the canvas. It is also striking that his work is often divided into different planes, each face tells a different story. These subjects and colors than are the setting for the extras that Chan put down quickly and effectively. The gaiety of the work of Dominique Chan is recognized worldwide. His work is regularly exhibited at home and abroad and is included in several corporate collections. DOMINIQUE CHAN – GERZurück nach oben» Chermayeff, IvanIVAN CERMAYEFF – NLTerug naar bovenIVAN CERMAYEFF – ENGBack to TopIvan Chermayeff was born in London, England in 1932. He studied at Harvard University, the institute of Design, Illinois Institute of Technology, and the Yale University School of Design. Chermayeff has been trustee and committee member for the painting and sculpture, film and design departments of the Museum of Modern Art; a Vice President of the Yale Arts Association, Member of the committee of arts and architecture, Yale University Council and a member of the committee for visual and environmental arts, Harvard University, Board of Overseers. Chermayeff has been an instructor at Brooklyn College and at the School of Visual Arts, New York. He has been awarded the Industrial Arts medal from the American Institute of Architects, 1967, and Gold Medal, Philadelphia College of Art in 1971. Chermayeff is a member of the American Institute of Graphic Arts where he has acted as vice president, president and member of the board of directors; the International design Conference of Aspen, CO, acting as vice president and co-chairman and as member of the board of directors; Industrial Designers Society of America; Alliance Graphique International, and the Benjamin Franklin Fellow Royal, Society of the Arts, London. Important commissions include Exploding Triangles (Shaped canvases) IBM Data Processing Headquarters, Harrison, NY; Dimensional Abstractions (plastic laminate wall construction), Bartholomew Consolidated School Corporation, Columbus, Indiana; Abstraction I (Aubusson Tapestry), Westinghouse Electric Corporation, Pittsburgh, PA; Abstraction II and III, Philip Morris Incorporated, Richmond,VA; and Construction (wall with painted steel components), American Republic Insurance Company, Des Moines, OH. Chermayeff was commissioned by the Department of General Services, New York to create a blue painted steel concrete sculpture for the 49th Police Precinct, Eastchester Road and Pelham Parkway as well as an abstract fiber banner for Family Court, 900 Sheridan Avenue. IVAN CERMAYEFF – GERZurück nach oben» Coignard, JamesBack to Top» Cole, LeeLEE COLE – NLTerug naar bovenGeboortedatum en plaats: 1954 te Yongding, Chinese provincie van Fujian. Stijl: Wie zijn werk goed bestudeerd, zal in het als vanzelf ontstane lijnen- en vormenspel ongetwijfeld iets herkennen voor zijn liefde voor gravures. Korte uitleg: Veel van zijn inspiratie vindt Lee Cole in zijn dagelijkse werk aan het Shanghai Xu Beihong Onderzoeksinstituut, waar hij als plaatsvervangend directeur leiding geeft aan de afdeling uitvindingen. Hij is lid van de alom gerespecteerde Chinese kunstenaarsvereniging. Exposities: Zijn werk is geëxposeerd in diverse galeries in Shanghai en omstreken. Zo heeft de Shanghai Gallery, Shanghai kunstenaarsvereniging en het Shanghai Xu Beihong Onderzoeksinstituut werk van Lee Cole in hun collecties opgenomen. Ook in het buitenland worden de talenten ontdekt van deze 51-jarige Chinese kunstenaar, getuige goed bezochte exposities in diverse landen. LEE COLE – ENGBack to TopBirth date and place: 1954 Yongding, Chinese province of Fujian. Style: Who studied his work well, will undoubtedly recoqnize something of his love for engravings in the naturally formed lines and forms. Short explanation: Much of his inspiration Lee Cole finds in his daily work at the Shanghai Xu Beihong Research Institute, where he teaches as a deputy director in charge of the inventions department. He is a member of the highly respected Chinese artist association. Exhibitions: His work has been exhibited in various galleries in Shanghai and surrounding areas. For example, the Shanghai Gallery, Shanghai Shanghai Xu Beihong and artists' Research work of Lee Cole in their collections included. Even abroad, the talents discovered this 51-year-old Chinese artist, witness well-attended exhibitions in various countries. LEE COLE – GERZurück nach obenLee Cole wurde 1954 in Yongding in der chinesischen Provinz Fuijan geboren. Stil: Wer seinen Stil genau betrachtet wird im von sich aus entstandenen Linien- und Formenspiel Details seiner Liebe zum Kupferstich erkennen. Kurze Erklärung: Die meiste Inspiration findet Lee Cole in seiner Arbeit am "Shanghai Xu Beihong"-Research-Institut, wo er als stellvertretender Direktor die Abteilung Erfindungen führt. Er ist Mitglied des allenthalben renommierten chinesischen Künstlervereins. Ausstellungen: Seine Arbeiten wurden in diversen Galerien in Shanghai und Umgebung präsentiert. So haben die "Shanghai Gallery"-Galerie, der Künstlerverein von Shanghai und das "Shanghai Xu Beihong"-Research-Institut Cole-Arbeiten in ihre Kollektionen aufgenommen. Aber auch im Ausland werden inzwischen die Talente dieses 51-jährigen Künstlers aus China entdeckt. Dies zeigt sich aus seinen gut besuchten Ausstellungen in diversen Ländern. » CorneilleCORNEILLE – NLTerug naar bovenGuillaume Cornelis Beverloo, beter bekend als Corneille (Luik, 3 juli 1922 - Auvers-sur-Oise (Frankrijk), 5 september 2010) was een gepassioneerd schepper van vormen en kleuren, voor wie de lithografie een van de beste uitdrukkingsvormen is: onder de pers worden zijn voorstellingen voorgoed gefixeerd, als versteend, streng achter de vrolijke kleuren. Dit schrijft kunstenaar Enrico Baj over Corneille met wie hij in 1964 in Parijs enige tijd samenwerkte. Zijn werken zijn altijd uitbundig van kleur en vaak lijken zij een passage uit een verhaal of gedicht. Dat blijkt ook wel uit de vele brieven die Corneille schrijft aan zijn mede kunstenaars vrienden. Corneille heeft heel veel reizen gemaakt naar praktisch alle uithoeken van de wereld en hij beschrijft zijn ervaringen vaak vergezelt van tekeningetjes. Corneille wordt in 1922 als Guillaume Corneille van Beverloo in Luik (België) geboren. Zijn ouders zijn Nederlands. In 1940 verhuisd Corneille naar Amsterdam alwaar hij een cursus tekenen en etsen volgt aan de Rijksacademie voor beeldende Kunsten. Als schilder is Corneille autodidact. Zijn grote inspiratiebron zijn zijn verre reizen. In zijn vroege werk uit de jaren 50 is vooral Afrika een grote inspiratiebron. Laat jaren 50, begin 60 zijn Midden Amerika en het Caribische gebied van invloed op zijn werk, de kleuren zijn uitbundiger en hebben veel gemeen met de volkskunsten die hij daar ziet. Verder is Corneille ook gefascineerd door vrouwen, katten en vogels, en deze zijn, al dan niet in combinatie met elkaar, vaak op zijn schilderijen te bewonderen. In 1948 richt Corneille samen met o.a. Karel Appel en Constant de Nederlandse Experimentele groep op. Deze groep vertegenwoordigt later dat jaar de 'Amsterdamse' tak van de Cobra groep die in Parijs wordt opgericht. Cobra is een schilderscollectief van beginnende kunstschilders uit Copenhagen, Brussel en Amsterdam. Als symbool gebruiken zij de opgerolde cobraslang. Deze groep bestaat slechts 3 jaar maar is bij zo'n groot publiek bekend dat zelfs vandaag de dag de Cobra groep nog steeds 'voortleeft'. In 1950 verhuist Corneille naar Parijs. Hij blijft de hele wereld over reizen maar ziet in Parijs toch een soort thuishaven. Het werk van Corneille is over de hele wereld te zien. Zo heeft hij in bijna elke grote stad op de wereld wel een expositie gehad of is er momenteel een gaande. Zijn werk is ook te bewonderen op bijvoorbeeld horloges en stropdassen wat hem vandaag de dag ook toegankelijk maakt voor het jonge publiek dat (nog) niet in de gelegenheid is om een kunstwerk van hem aan te schaffen. CORNEILLE – ENGBack to TopGuillaume Cornelis Beverloo, known as Corneille (Liege, July 3, 1922 - Auvers-sur-Oise (France), September 5, 2010) was a passionate creator of shapes and colors, for whom the lithography is one of the best forms of expression is: under press his performances are fixed forever, as if petrified, strictly behind the cheerful colors. This artist Enrico Baj writes about Corneille with whom he worked for some time in 1964 in Paris. His works are always exuberant color and they often seem a passage from a story or poem. This is also evident from the many letters Corneille wrote to his fellow artist friends. Corneille has a lot of trips to virtually every corner of the world, and he describes his experiences often accompanied by drawings. Corneille in 1922 as Guillaume Corneille of Beverloo born in Liège (Belgium). His parents are Dutch. In 1940 Corneille moved to Amsterdam where he signs a course and etching follows at the State Academy of Fine Arts. As a painter Corneille autodidact. His great inspiration extensive travels. In his early work from the 50s, especially in Africa a great inspiration. Late 50's, early 60 are Central America and the Caribbean influence on his work, the colors are exuberant and have much in common with the folk arts that he sees there. Furthermore Corneille also fascinated by women, cats and birds, and these are, whether or not in combination with each other, often to admire. Upon his paintings In 1948 Corneille point the Dutch Experimental Group with ao Karel Appel and Constant on. This group represents later that year the 'Amsterdam' branch of the Cobra group established in Paris. Cobra is an artist collective of budding painters from Copenhage, Brussels and Amsterdam. As a symbol they use the coiled cobra snake. This group consists of only three years, but is known by such a large audience that even today the Cobra group still 'lives'. In 1950 Corneille moved to Paris. He continues to travel around the world sees in Paris but still a kind home. The work of Corneille can be seen. All over the world So what does he have in almost every major city in the world, an exhibition or is currently going on. His work can also be seen, for example, watches and ties which today makes it accessible to a young audience that (still) not in a position to purchase. Artwork of him CORNEILLE – GERZurück nach obenGuillaume Cornelis Beverloo (Luik, 3 juli 1922 - Auvers-sur-Oise (Frankrijk), 5 september 2010) "Corneille (1922-2010) war ein passionierter Gestalter von Formen und Farben. Für ihn war die Lithografie eine der am meisten geeigneten Gestaltungsformen: "Unter der Presse wurden seine Vorstellungen für immer festgelegt, wie versteinert und genauestens geschärft hinter fröhlichen Farben". So sagte es der Künstler Enrico Baj über Corneille, mit dem er 1964 in Paris einige Zeit zusammenarbeitete. Seine Arbeiten sind immer ein Ausbund an Farbe und manchmal gleichen sie einem Passus aus einer Geschichte oder einem Gedicht. Das zeigt sich auch aus den vielen Briefen, die an seine Künstlerkollegen und Freunden geschrieben hat. Corneille hat sehr viele Reisen unternommen in fast alle Ecken der Welt und er hat seine dabei gemachten Erfahrungen aufgeschrieben und mit kleinen Zeichnungen illustriert. Corneille wurde 1922 als Guillaume Corneille van Beverloo im belgischen Lüttich geboren. Seine Eltern waren Niederländer. 1940 zog Corneille nach Amsterdam um, wo er an der "Rijksacademie voor Beeldende Kunsten"-Akademie einen Zeichen- und Radierkurs belegte. Als Maler ist Corneille autodidakt. Seine grosse Inspirationsquelle waren immer seine weiten Reisen. In seinen Früharbeiten aus den fünfziger Jahren hat ihn Afrika sehr geprägt. In den späten fünfziger und frühen sechziger Jahren beeinflussten wiederum Mittelamerika und die Karibik sein Werk sehr: Die Farben werden überschwänglicher und übernehmen viele Anregungen aus der Volkskunst, die er dort sieht. Weiter ist Corneille auch fasziniert von Frauen, Katzen und Vögeln, die einzeln oder in Kombination mit einander auf seinen Gemälden zu bewundern sind. 1948 gründet Corneille zusammen mit Karel Appel und Constant (Nieuwenhuijs) N.B.: denk ik toch dat deze "Constant" bedoeld is ? die "Nederlandse Experimentele Groep"-Gruppe, die später in diesem Jahr den Amsterdamer Zweig der in Paris gegründeten Cobra-Gruppe repräsentieren sollte. Cobra ist ein Kunstmalerkollektiv aus beginnenden Künstlern aus den Städten Copenhagen, Brussels en Amsterdam mit als Symbol eine aufgerollte Kobraschlange. Diese Gruppe existierte nur 3 Jahre doch sie erlangte eine so grosse Berühmtheit, dass der Name Cobra bis heute noch immer weiterzuleben vermag. 1950 zieht Corneille nach Paris. Und obwohl er die ganze Welt bereist, wird Paris allmählich zu seinem Heimathafen. Die Arbeiten Corneilles sind in der ganzen Welt zu sehen. So hat er wohl in fast jeder grösseren Stadt eine Ausstellung gehabt oder ist zur Zeit eine im Gange. Sein Werk ist auch zu bewundern auf beispielsweise Uhren und Krawatten. Auf dieser Weise wird Corneille auch zugänglich für das jüngere Publikum, das noch keine Gelegenheit hatte sich ein Corneille-Kunstwerk zuzulegen » Cornelisse, ElineELINE CORNELISSE - NLBack to TopELINE CORNELISSE – ENGBack to TopELINE CORNELISSE – GERZurück nach oben» Cremer, JanJAN CREMER – NLTerug naar bovenSchilder-schrijver Jan Cremer (Enschede 1940) heeft zich al vanaf het begin van zijn opleidingen aan de verschillende kunstacademies die hij bezocht – naast de vrije schilder- en beeldhouwkunst- gespecialiseerd in de grafische technieken. Zijn eerste kennismaking daarmee ondervond hij als leerling van Johan Haanstra op de Academie voor Beeldende Kunst en Industrie (AK) in Enschede, waar hij in 1955 zijn eerste linosneden vervaardigde. Op de academie “Kunstoefening” in Arnhem leerde hij in 1956 de eerste beginselen van het lithograferen van Hendrik Valk. Later, op de academies van Den Haag en Parijs als leerling van Paul Citroen en Ossip Zadkine, bekwaamde hij zich vooral in de steendruktechniek. In 1957 schildert hij de eerste van een serie doeken die bekend zouden worden als Peinture Barbarisme. In 1958 heeft hij zijn eerste eenmansexpositie in Galerie de Posthoorn in Den Haag, hij sluit zich aan bij de Posthoorngroep en werkt ondermeer als assistent bij Willem Hussem. Zijn deelname aan de Haagse Salon in hetzelfde jaar verwekt schandaal. Een jaar later exposeert hij in het Haags Gemeentemuseum. In 1960 in het Stedelijk museum in Amsterdam. Er volgen tientallen tentoonstellingen in binnen- en buitenland. Met een beurs van de Franse regering in 1959 is hij naar Parijs vertrokken waar hij in de Rue Santeuil terechtkomt, de befaamde huidenopslagplaats met de ateliers van onder meer Bogart, Appel en Corneille, waar hij Bram Bogart assistert. In 1955 heeft de jonge Cremer, op de E55 in Rotterdam, Karel Appel bij diens muurschildering mogen assisteren. Van 1961 tot 1963 woont en werkt hij op het Spaanse eiland Ibiza en maakt daar met onder andere K.F. Dahmen en Erwin Bechtold deel uit van de Grupo Ibiza. In Parijs werkte Jan Cremer begin jaren zestig in het grafisch atelier Jean Pons. Sinds 1961 werkt hij ook samen met de Amsterdamse meesterdrukker Piet Clement, en vanaf 1967 in Parijs met Peter Bramsen van het befaamde steendrukatelier Clot, Bramsen & Georges. Niet iedereen herinnert zich dat Jan Cremer reeds jaren voordat ‘Ik Jan Cremer’ verscheen, als beeldend kunstenaar en schilderende rebel regelmatig de voorpagina’s haalde van binnen- en buitenlandse kranten en tijdschriften. In 1960 bereikte hij de wereldpers met zijn miljoenenschilderij ‘La Guerre japonaise’ en veroorzaakte morele verontwaardiging met zijn roemruchte uitspraak voor de Nederlandse televisie: REMBRANDT, WIE IS DAT? Na de publicatie in 1964 van zijn onverbiddelijke – en later wereldwijde- bestseller belandde de schilder Cremer in de schaduw van de schrijver Cremer. Zijn definitieve vertrek naar Amerika in 1965 zorgde ervoor dat zijn beeldende kunst in Nederland tijdelijk op de achtergrond raakte. In zijn Newyorkse atelier begint hij met het schilderen van Hollandse landschappen. Dit zeer kleurrijke en vooral strak gecomponeerde ‘Hollands Realisme’, met koeien, boerinnen en tulpenvelden, vormde een breuk met het sterk abstracte expressionistisch werk uit de jaren ervoor. Het thema Hollandse landschappen zal in Cremers complete oeuvre telkens terugkeren, maar ook de steppen, woestijnen en bergketens van Siberië en Mongolië, streken die hij veelvuldig bereist, zijn een permanente inspiratiebron. Zoals het Zuid-Franse en Italiaanse landschap de ‘klassieke’ thema’s blijven waarin hij zich soms maanden lang verdiept. Het grafische oeuvre van Cremer bestaat uit ruim 250 bladen, sinds 1958 tentoongesteld op meer dan 200 exposities in internationale galeries en musea. Zijn werk bevindt zich in alle belangrijke grafiekcollecties in West- en Oost europa, Noord- en Zuid Amerika. Voor zijn grafiek ontving Cremer verschillende toonaangevende prijzen. Zoals de Frans Masereelprijs uit handen van de Belgische minister van cultuur (1974), de Special Award van de World Print Council in het San Fransisco Museum of Modern Art (1980) en werd de titel van Pro Cultura Hungarica toegekend door de minister van Cultuur in Boedapest, Hongarije(1987). In 1974 gaf Cremer master classes op de kunstacademies van Halifax, Banff en Vancouver in Canada. Cremer woont en werkt- als hij niet op reis is of zich heeft teruggetrokken in Toscane of de Provance- afwisselend in New York, Amsterdam en Parijs. JAN CREMER – ENGBack to TopPainter-writer Jan Cremer (Enschede 1940) has since the beginning of his training at various art schools he visited - in addition to free painting and sculpture, specializing in graphic art. His first encounter with that he came as a student Johan Haanstra at the Academy of Fine Arts and Industry (AK) in Enschede, where he made his first linocuts in 1955. At the academy "Art Practice" in Arnhem in 1956, he learned the rudiments of lithography by Hendrik Valk. Later, at the academies in The Hague and Paris as a student of Paul Citroen and Ossip Zadkine, he studied mainly in lithography. In 1957 he painted the first of a series of paintings that would be as Peinture Brutality known. In 1958 he had his first one-man exhibition at the Galerie Horn in The Hague, he joins the Posthoorngroep and include works as an assistant at William Hussem. His participation in the Hague Salon conceived in the same year scandal. A year later he exhibited in the Municipal Museum. In 1960 at the Stedelijk Museum in Amsterdam. There followed dozens of exhibitions at home and abroad. With a scholarship from the French government in 1959, he left for Paris, where he enters the Rue Santeuil, the famous skin repository of the workshops of Bogart, Appel and Corneille, where he assistert Bram Bogart. In 1955, the young Cremer, the E55 in Rotterdam, Karel Appel may assist., In his mural From 1961 to 1963, lives and works on the Spanish island of Ibiza and makes including KF Dahmen and Erwin Bechtold part of the Grupo Ibiza. Jan Cremer worked in Paris in the early sixties in the graphic studio Jean Pons. Since 1961 he is also working with the Amsterdam master printer Piet Clement, and from 1967 in Paris with Peter Bramsen of the renowned lithography workshop Clot, Bramsen & Georges. Not everyone remembers that Cremer many years before "I, Jan Cremer 'appeared, as an artist and painting rebel regularly made the front pages of domestic and foreign newspapers and magazines. In 1960 he reached the world press, with its million painting 'La Guerre japonaise "and caused outrage with his infamous statement for the Dutch television: REMBRANDT, WHO IS THAT? Following the publication in 1964 of his grim - and later worldwide bestseller ended the painter Cremer in the shadow of the writer Cremer. His final departure to America in 1965 ensured that hit his art in the Netherlands temporarily in the background. In his New York studio, he starts painting Dutch landscapes. This very colorful and most tightly composed "Dutch Realism ', with cows, farmers and tulip fields, marked a break with the highly abstract expressionist work from the previous years. The theme of Dutch landscapes will Cremers complete works each return, but also the steppes, deserts and mountains of Siberia and Mongolia, areas that he frequently traverses, are a permanent source of inspiration. As the southern French and Italian landscape remain the classical themes in which he sometimes deepened months. Cremer's graphic oeuvre comprises more than 250 works, since 1958 showcased more than 200 international exhibitions in galleries and museums. His work can be found in all major graphics collections in Western and Eastern Europe, North and South America. For his chart Cremer received several industry leading prices. As Frans Masereel price from the hands of the Belgian Ministry of Culture (1974), the Special Award of the World Print Council at the San Francisco Museum of Modern Art (1980) and the title of Pro Cultura Hungarica was awarded by the Minister of Culture Budapest, Hungary (1987). In 1974 Cremer gave master classes at the art academies of Halifax, Banff and Vancouver in Canada. Cremer lives and works, if he is not traveling or has retired in Tuscany or the Provance, alternately in New York, Amsterdam and Paris. JAN CREMER – GERZurück nach obenDer Maler-Autor Jan Cremer (1940 in Enschede geboren) hat sich bereits ab Anfang seiner Ausbildung an den verschiedenen, von ihm besuchten Kunstakademien - neben der freien Kunstmalerei und Bildhauerkunst - spezialisiert auf grafische Techniken. Seine erste Erfahrung damit hatte er als Schüler Johan Haanstras an der "Academie voor Beeldende Kunst en Industrie"-Akademie (AK) in Enschede, wo 1955 auch seine ersten Lithographien überhaupt entstanden. Auf der "Kunstoefening"-Akademie in Arnheim wurden ihm 1956 weitere Lithographie-Grundsätze von Hendrik Valk beigebracht. Später sollte er auf Akademien in den Haag und in Paris als Schüler Paul Citroens und Ossip Zadkines sich besonders auf den Steinsatz spezialisieren. 1957 malt er die ersten Leinwände einer Bilderserie, die als "Peinture Barbarisme" bekannt werden sollte. 1958 hat er seine erste Soloausstellung in der Haager "De Posthoorn"-Galerie. und sollte er sich der "Posthoorn"-Gruppe anschliessen. Auch arbeitet er als Assistent bei Willem Hussem. Seine Teilnahme an der "Haager Salon"-Ausstellung wird zwar zum Skandal aber ein Jahr später stellt er schon aus im Haager "Haags Gemeentemuseum"-Museum. 1960 geschah dies dann auch Im Amsterdamer "Stedelijk Museum"-Museum und so sollten Dutzende weitere Ausstellungen im In- und Ausland folgen. Mit einem Stipendium der französischen Regierung zog er 1950 nach Paris, wo er in der Rue Santeuil neben den Kühlhäusern für Häute und Leder zu wohnen kommt. Hier befinden sich auch die Ateliers von Bogart, Appel und Corneille. Dort assistiert er im Atelier von Bram Bogart. Und 1955 hat der junge Jan Cremer auf der Rotterdamer Expo55 Karel Appel bei dessen Mauermalereien assistieren dürfen. In den Jahren 1961-1963 wohnt und arbeitet er auf der spanischen Insel Ibiza, wo er unter anderem mit K.F. Dahmen und Erwin Bechtold Mitglied des "Grupo Ibiza"-Kollektivs wird. In den sechziger Jahren arbeitete Jan Cremer auch im Pariser Atelier von Jean Pons. Seit 1961 arbeitet er mit dem Amsterdamer Meisterdrucker Paul Clement und ab 1967 mit Peter Bramsen des berühmten Steindruckateliers Clot, Bramsen & Georges.in Paris zusammen. Sicherlich nicht jedermann wird sich daran erinnern, dass er bereits etliche Jahre bevor sein berühmtes "Ik Jan Cremer"-Buch erschien, als bildender Künstler und malender Rebell bereits die Frontseiten der in- und ausländischen Zeitungen und Magazine holte.1980 erreichte er die Weltpresse mit seinem millionenschweren Gemälde "La Guerre japonaise" und sollte er auch viel Aufhebens verursachen mit seinem Bonmot "REMBRANDT. WER IST DAS?" vor laufender Kamera im niederländischen Fernsehen. Nach der Publikation im Jahre 1984 seines unerbittlichen - und später weltweiten - Bestsellers sollte der Maler Jan Cremer im Schatten des Schreibers Jan Cremer agieren. Sein definitiver Abschied in die USA führte dazu, dass seine bildende Kunst in den Niederlanden zeitweise in den Hintergrund geriet. In seinem New Yorker Atelier sollte Jan Cremer jetzt mir dem Malen holländischer Landschaften beginnen. Diese sehr farbenreiche und straff komponierte "Hollands Realisme"-Gemälde mit Kühen, Bäuerinnen und Tulpenfeldern bedeuteten einen auffälligen Bruch mit seinem stark abstrakt-expressionistischen Werk der vorgehenden Jahre. Die "Hollandse landschappen"-Thematik wird in Cremers Gesamtwerk jedes Mal wiederkehren doch auch die Steppen-, Wüsten- und Gebirgskettenlandschaften Sibiriens und Mongoliens (wo er häufig hin reist) bleiben eine fortwährende Inspirationsquelle .Wie auch die südfranzösische und italienische Landschaften seine klassische Themen bleiben und in die er sich manchmal monatelang vertieft. Die grafischen Arbeiten Cremers bestehen aus mehr als 250 Blättern, die seit1958 in mehr als 200 Ausstellungen internationaler Galerien und Museen gezeigt wurden. Cremers Lithografien befinden sich in sämtlichen Grafikkollektionen West- und Ost-Europas sowie Nord- und Süd-Amerikas. Für seine Grafikkunst erhielt Jan Cremer diverse bedeutende Preise. Wie 1974 den "Frans Masereel"-Preis aus Händen des belgischen Ministers für Kultur, 1980 den "Special Award"-Preis, verliehen vom "World Print Council"-Gremium des "Museum of Modern Arts"-Museums in San Francisco wie auch 1987 den "Pro Cultura Hungarica"-Titel, zuerkannt vom Ministerium für Kultur in Budapest. 1974 leitete Jan Cremer Masterclass-Kurse an den Kunstakademien der kanadischen Städte Halifax, Banff und Vancouver. Er wohnt und arbeitet - wenn er nicht auf Reise ist oder sich in die Toscana oder in die Provence zurückgezogen hat - abwechselnd in New York, Amsterdam und Paris. » Dali, SalvadorSALVADOR DALI – NLTerug naar bovenSalvador Felipe Jacinto Dali y Komenech werd geboren in 1904 op 11 mei in Figueras, Spanje. De Spaanse streek maakte toen een enorme bloeiperiode door. Zijn vader was een notaris uit Cadaques en de familie leidde een rijk leven in het dorp Figueras. Oorspronkelijk heette zijn oudere broer Salvador, alleen hij overleed 3 jaar voor de geboorte van Dali. Salvador was enig kind totdat zijn zusje Ana Maria werd geboren. En voor Dali betekende het, dat hij alles kon doen wat hij wilde, hij werd volkomen verwend. Elke dag ging hij naar school in Figueras. In 1914-1918 ging Dali naar de Academie van de broeders van de orde der maristen in Figueras. Op de academie bestudeerde hij de geheimen van licht en donker van de meesters uit de Renaissance. Voor zijn 6e levensjaar toont hij al talent als kunstenaar. Toen Dali 7 jaar oud was wilde hij Napoleon zijn. In die periode ontdekte hij ook Cadaques en zijn prachtige baai. Deze ontdekking was het begin wan zijn levenslange fascinatie en liefde voor Cadaques. De vreemd gekleurde rotsen en de verlaten stranden zijn onderwerp geweest van vele van Dali’s studies. In 1917 kreeg Dali officieel les. Professor Juan nunez nam hem op de Escuela Municipa de Grabado onder zijn hoede. Salvador Dali wijdde zichzelf aan zijn passie voor schilderen. Hij ontdekte de Impressionisten en schilderde het linnen in bonte kleuren. Maar het grootste deel van de tijd was hij bezig zijn imago op te bouwen. Hij wilde een zeer herkenbaar persoon worden. Daarom had hij lang haar en bakkebaarden en hij droeg een lange cape met een bont gekleurde vlinderjas. Hij liet zijn snor staan met een krul aan beide kanten. Het was alsof hij wist dat hij een belangrijk persoon zou gaan worden naast zijn schilderwerk. Van kleins af aan leed Dali aan grootheidswaan en had een uitzonderlijke fantasie. Na zijn eerste tentoonstelling, in Figueras, wat een groot succes was, ging Dali naar de School voor schilderkunst, beeldhouwkunst en tekenkunst in Madrid, daar voelde zijn vader weinig voor. Op de academie kwam hij voor het eerst in aanraking met een compleet andere levensstijl dan die waaraan hij gewend was op het platteland. Salvador was eerst verbijsterd, maar al gauw werd hij opgewekt. Hij ontmoette vele nieuwe mensen en maakte veel nieuwe vrienden. Een van zijn vrienden waren Lorca en Luis Buñuel. Dali ontdekte door Juan Gris het kubisme. Luis Buñuel speelde een grote rol in de gevechten tegen religie en de maatschappij. Hij probeerde mensen te choqueren met de boeken die hij schreef en de films die hij maakte. Samen met Dali maakte hij de films ‘Un chien Andalou’ en ‘L’age d’Or’. Beide films waren vrij scandaleus. In Catalonie liep het behoorlijk uit de hand. Tot twee keer toe beschuldigde de politie Dali onterecht met betrekking tot de politieke gevechten. Hij werd twee keer van de academie geschorst en hij moest zelfs naar de gevangenis. Maar Dali bleef ondertussen gewoon doorgaan met schilderen. Hij ontmoette een paar kubistische schilders en bestudeerde het Kubisme. Maar als snel gaf hij het Kubisme op om zich op het Surrealisme te storten. In 1927 ging Dali naar Parijs. Iets waar hij al lang naar uit had gekeken. Hij bezocht Pablo Picasso. Picasso en Dali begrepen elkaar woordenloos. Hun ogen en bewegingen zeiden genoeg. Juan Miro, een andere surrealistische schilder, introduceerde Dali bij de surrealisten in Parijs. In 1929, vlak na de introductie, sloot hij zich bij hen aan. Het surrealisme vond zijn inspiratie, in de psychoanalyse van Freud. In deze periode ontmoette Dali veel surrealistische kunstenaars, schilders tot architecten en dichters. Hij ontmoette ook zijn toekomstige vrouw Gala. Gala was vaak het model van zijn schilderijen en zij was vaak het onderwerp en de inspiratie van zijn schilderijen. Snel nadat Dali terugging naar Spanje, zei hij tegen zichzelf dat hij gek was. Dit enkel doordat hij zo verliefd was op Gala. Gelukkig kwam Gala naar Cadaques en zij wist hoe ze de ‘gekke verliefde’ in bedwang kon houden. Eind 1929 trouwden zij en lieten elkaar niet meer in de steek. Ze verhuisden naar Port-Lligat en Dali weidde zich weer aan zijn werk. Hij schilderde de weke uurwerken (is het symboolvoor het verlopen van de tijd, waarmee het geheugen langzaam verdwijnt richting de mysterieuze einder?) en gaf vele lezingen. De meeste lezingen eindigden met problemen/’rellen’ en in 1933 was Dali zelfs verwikkeld in de Catalaanse opstand. Zijn schilderijen kenmerken zich door merkwaardige voorstellingen die nauwkeurig realistisch zijn afgebeeld. Vooral dubbelbeelden en beeldrijm spelen een belangrijke rol. In zijn voorstellingswereld kunnen mieren even groot al mensen en horloges slap zijn Andre Breton verbaast de wereld door de naam ‘Salvador Dali’ door mekaar te klutsen en de letters in een nieuwe volgorde te plaatsen tot ‘Avida Dollars’ wat betekent ‘gek op Dollars’, is Dali helemaal koningte rijk. Voortaan zal Dali als ‘Avida Dollars’ door het leven gaan. Het anagram doet zijn roem nog stijgen en al zal Breton dat beslist niet zo bedoeld hebben, de dollars nog sneller en in grotere hoeveelheden naar Dali doen toevloeien. Dali’s ‘politieke opvattingen’ naast zijn obsessie voor Hitler en zijn monarchistische sympatieen veroorzaakte in 1934 een breuk tussen Dali en de andere surrealisten. De publicatie van Dali’s schilderij Het raadstel van Wilhelm Tell maakte de breuk nog groter. In dit schilderij toont hij Lenin zonder broek, met een lange uitgerekte bil. Vlak na zijn breuk met de surrealisten vestigde Dali zich in de VS. Hier vond hij eindelijk het goede milieu om tentoonstellingen te houden. Een grote tentoonstelling werd gehouden in New York en Amerika omarmde hem. Al op de eerste dag van de tentoonstelling verkocht Dali al zijn schilderijen. Hij kreeg daarna zoveel nieuwe opdrachten dat het onmogelijk voor hem was om ze allemaal aan te nemen. Hij raakte daar erg overwerkt en depressief van. De uitbundige besnorde Spanjaard maakte niet enkel schilderijen en beelden, maar ook films, decors voor balletten en hij schreef gedichten, essays en boeken. In 1948 gingen Gala en Dali terug naar Port- Lligat in Spanje. Om bebouwing te voorkomen, werd dit gebied een nationaal Monument voor de gemeenschap. Het moest blijven als het was en niemand mocht het veranderen. Eindelijk kon Dali goede controle over zijn leven krijgen. Hij raakte geinsteresseerd in religie, bezocht de paus en veranderde zijn stijl in het Classicisme/Mysticisme. Vanaf 1950 was zijn schilderkunst vooral mystiek-religieus getint (o.a.Christus aan het kruis veranderde zijn stijl in het Classicisme/Mysticisme. Vanaf 1950 was zijn schilderkunst vooral mystiek-religieus getint (o.a.Christus aan het kruis) Zijn chaotische leven werd meer gestructureerd en zorgvuldiger georganiseerd. Dali verdeelde zijn tijd tussen Port-Lligat, Parijs en New York. Hij werkte als hij thuis was en speelde de clown in Parijs en New-York. Terwijl verschillende stijlen en kunstbewegingen zich begonnen te vermengen of verdwenen, hield Dali steeds zijn eigen stijl. Hij wist dat hij moest vechten met zijn werk tegen de vooruitgang. Om dit gevecht te winnen zocht hij voortdurend naar nieuwe wapens met zijn schilderijen, maar ook met het clown- spelen voor de wereld. Alleen door constante vernieuwingen lukte het hem nog de wereld te schokken en de mensen te laten luisteren. In 1974 werd zijn eigen museum geopend in zijn geboortestad, Figueras. Veel studies, schilderijen en andere creaties worden daar tentoongesteld. 1982 was het ergste jaar van zijn leven, Gala Diakonoff ging dood op 89-jarige leeftijd. Vanaf toen begon Dali’s gezondheid ook achteruit te gaan. Het ging nog verder achteruit na een brand in zijn huis in Pubol in 1984. Twee jaar later werd een pacemaker geïmplanteerd. Het grootste deel van dit laatste stuk van zijn leven bracht hij in afzondering door, eerst in een kasteel in Pubol(geschenk van Gala) en later in zijn appartementen aan de Torre Galatea, valkbij het Theater museum. Dali overleed 23 januari 1989 in Figueras door een hartaanval met verschillende complicaties. Hij laat per testament zijn gehele vermogen en zijn werk na aan de Spaanse staat. SALVADOR DALI – ENGBack to TopSalvador Felipe Jacinto Dali y Komenech was born on 11 May 1904 in Figueras, Spain. The Spanish region then made a huge heyday door.Zijn father was a notary from Cadaqués and the family lived a rich life in the village of Figueras. Originally called his older brother Salvador, but he died three years before the birth of Dali. Salvador was an only child until his sister Ana Maria was born. Dali and it meant that he could do what he wanted, everything he was completely spoiled. Every day he went to school in Figueras. In 1914-1918 Dali went to the Academy of the Brothers of the Order of Marist in Figueras. At the academy he studied the mysteries of light and dark of the Renaissance masters. For its 6th year of life, he already shows talent as an artist. When Dali was seven years old he wanted to be Napoleon. In that period he also discovered Cadaques and its beautiful bay. This discovery was the beginning when his lifelong fascination and love of Cadaques. The strange colored rocks and deserted beaches have been the subject of many of Dali's studies. In 1917, Dali was officially lesson. Professor Juan Nunez took him to the Escuela MUNICIPA the Engraving under his wing. Salvador Dali devoted himself to his passion for painting. He discovered the Impressionists and painted the canvas in bright colors. But most of the time he was working to rebuild his image. He wanted to be a highly recognizable person. Therefore, he had long hair and sideburns, and he wore a long cape with fur colored vlinderjas. He let his mustache with a curl on both sides. It was as if he knew he was going to be next to his painting. Someone important From early on Dali suffered from megalomania and had an extraordinary imagination. After his first exhibition, in Figueras, which was a great success, Dali went to the School of painting, sculpture and drawing in Madrid, as did his father rarely. At the academy he first came into contact with a lifestyle completely different from that to which he was accustomed in the countryside. Salvador was first stunned, but soon he was resurrected. He met many new people and made many new friends. One of his friends were Lorca and Luis Buñuel. Dali discovered by Juan Gris Cubism. Luis Buñuel played a major role in the fighting against religion and society. He tried to shock the books he wrote and the films he made people. Along with Dali he made the film "Un Chien Andalou" and "L'Age d'Or". Both films were quite scandalous. In Catalonia it was quite out of hand. Twice accused the police Dali unfairly with regard to the political battles. He was twice suspended from the academy, and he even had to go to jail. But Dali meantime remained just continue painting. He met a few cubist painters and studied Cubism. But as soon as he gave it to Cubism to Surrealism on the deposit. In 1927 Dali went to Paris. Something he had looked out. Long to He visited Pablo Picasso. Picasso and Dali understood each other without words. Their eyes and movements said enough. Juan Miro, another surrealist painter Dali introduced by the Surrealists in Paris. In 1929, shortly after the release, he joined them. Surrealism was inspired, in Freud's psychoanalysis. In this period, Dali met many Surrealist artists, painters and architects and poets. He also met his future wife Gala. Gala was often the model of his paintings, and she was often the subject and inspiration of his paintings. Dali soon after returned to Spain, he told himself that he was crazy. This just because he was so in love with Gala. Fortunately Gala came to Cadaques and she knew how to love. "Mad in love 'in check The end of 1929 they married and do not let each other down. They moved to Port-Lligat Dali and grazed again to his work. He painted the soft watches (the symbol of the passage of time, that memory fades towards the mysterious horizon?) And gave many lectures. Most lectures ended problems / 'riots' and in 1933 Dali was even involved in the Catalan revolt. His paintings are characterized by remarkable performances that accurately depicted realistically. Especially double images and visual rhyme play an important role. In his imagery ants can equally all people and watches limp André Breton surprised the world by the name "Salvador Dali" to beat up each other and put up "Avida Dollars" which means "crazy Dollars' letters in a new order , Dali is completely koningte rich. Henceforth Dali will go through life. As "Avida Dollars" The anagram does not increase his fame and all that Breton decided not intended, the dollars even faster and in larger quantities to flow to Dali. Dali's "political opinions" caused beside his obsession with Hitler and his monarchist sympatieen in 1934, a rift between Dali and other surrealists. The publication of Dali's painting The board set of William Tell made the break even greater. In this painting, he shows Lenin without trousers, with a long stretched buttock. Shortly after his break with the Surrealists Dali settled in the U.S.. Here at last he found the right environment to hold exhibitions. A major exhibition was held in New York and America embraced him. Already on the first day of the exhibition Dali sold all his paintings. He then gave up so many new jobs that it was impossible for him to take it all them. He got there very overworked and depressed. The exuberant mustachioed Spaniard was not only paintings and sculptures, but also movies, decors for ballets and he wrote poems, essays and books. In 1948, Dali and Gala returned to Port-Lligat in Spain. To avoid this construction area became a National Monument to the community. It should remain as it was and no one was allowed to change. Dali could finally gain control over his life. He hit geinsteresseerd in religion, visited the Pope and changed his style in the Classicism / Mysticism. From 1950 his painting was particularly mystical-religious tinted (oaChristus on the cross changed his style in the Classicism / Mysticism. From 1950 his painting was particularly mystical-religious tinted (oaChristus on the cross) his chaotic life became more structured and carefully organized. Dali divided his time between Port-Lligat, Paris and New York. He worked when he was home and played the clown in Paris and New York. While different styles and art movements began to mingle or disappeared, Dali always kept his own style. He knew he had to fight with his work against progress. To win this fight, he constantly sought new weapons with his paintings, but also with the clown-play to the world. Only through constant innovations succeeded him to shock the world and listen to the people. In 1974, his museum was opened in his hometown, Figueres. Many studies, paintings and other creations are exhibited there. 1982 was the worst year of his life, Gala Diakonoff died at age 89. From then on, Dali's health also began to deteriorate. It went even further back after a fire at his home in Pubol in 1984. Two years later, a pacemaker was implanted. The majority of the latter part of his life was spent in seclusion, first in a castle in Pubol (gift from Gala) and later in his apartments at Torre Galatea, next to the city theater museum. Dali died January 23, 1989 in Figueras by a heart attack by various complications. He leaves a will, his assets and his work after the Spanish state. SALVADOR DALI – GERZurück nach oben» DeborahBack to Top» Delft, Jan vanJAN VAN DELFT – NLTerug naar bovenJan van Delft is geboren in 1950 te Drunen. Hij heeft in Eindhoven aan de Academie Industriële Vormgeving gestudeerd en in Enschede aan de Academie voor Kunst en Industrie. De techniek van Jan van Delft is zeefdruk, oostindische inkt, acryl en gouache. Jan van Delft haalt zijn inspiratie niet alleen uit zijn eigen verleden maar zeker ook uit zijn kennis van de kunstgeschiedenis. Van Delft wordt vooral geboeid door het universele karakter van de aan ons overgeleverde tekens en symbolen en gaat van daaruit op zoek naar de kracht en de betekenis die ze voor de mens van nu nog zouden kunnen hebben. Soms gebruikt Van Delft slechts gedeelten van een vorm om er daarna vrij mee te experimenteren. Op die manier ontstaan er nieuwe onbekende beelden, waarbij de kleur een belangrijke rol speelt. Bij de totstandkoming van het schilderij wordt gebruik gemaakt van niet voor de hand liggende methodes. Van Delft scheurt, boort en brandt materiaal weg alsof het om een beeldhouwwerk gaat. Hierdoor versterken beeld en werkwijze elkaar en geven het schilderij een monumentaal karakter. JAN VAN DELFT – ENGBack to TopJan van Delft was born in 1950 in Drunen. He studied at the Academy of Industrial Design in Eindhoven and Enschede at the Academy of Art and Industry. The technique of Jan van Delft are screen printing, indian ink, acrylic and gouache. Jan van Delft, not only from his own past, but also draws inspiration from his knowledge of art history. Is particularly fascinated by the universality of surviving on our signs and symbols of Delft and go from there to find the strength and the significance they might still have. Humans today Sometimes Van Delft uses only parts of a form where you can then free to experiment. In this way, creation of new unknown images, wherein the color plays an important role. During the development of the painting uses not obvious methods. Rip Van Delft, drill and burn away material as if it were a sculpture. This image and reinforce each method and give the painting a monumental character. JAN VAN DELFT – GERZurück nach oben» Dieen, Anton vanBack to Top» Diem, PeterPETER DIEM – NLTerug naar bovenDe Nederlandse kunstenaar Peter Diem (1945), schildert als een tornado, hij 'leeft' zijn kunst. De krachtige schilderijen representeren zijn turbulente levensstijl. Vette, onverschrokken kleuren, dikke sappige verf en gedurfde sensuele lijnen zijn het kenmerk van zijn schilderijen. Zij weerspiegelen zijn levenslust, zijn gevoel voor humor en zijn individualiteit. Peter Diem vertrok in zijn vroege twintiger jaren naar de Verenigde Staten. Hij bracht zijn dagen door als lithograaf, maar zijn ziel raakte pas echt verzadigd wanneer hij 's nachts met verf werkte in zijn atelier. Peter is gefascineerd door de COBRA-groep, waar het experiment centraal staat. Kleur wordt hierdoor het belangrijkste middel van expressie voor Peter Diem. PETER DIEM – ENGBack to TopThe Dutch artist Peter Diem (1945), paints like a tornado, he "lives" his art. The powerful paintings represent his turbulent life. Fat, fearless colors, thick juicy paint and daring sensual lines are the hallmark of his paintings. They reflect his spirit, his sense of humor and his individuality. Peter Diem left in his early twenties to the United States. He spent his days as a lithographer, but his soul got really satisfied when at night he worked with paints in his studio. Peter was fascinated by the COBRA group, where the experiment is central. Color is thus the primary means of expression for Peter Diem. PETER DIEM – GERZurück nach obenDer niederländische Maler Peter Diem (1945) malt wie ein Tornado, er lebt seine Kunst geradezu. Die kräftigen Gemälde repräsentieren seinen turbulenten Lebensstil. Fette, unerschrockene Farben, dicke und saftige Farbkleckse sowie waghalsige, sinnliche Linien kennzeichnen seine Gemälde. Und widerspiegeln seine Lebenslust, sein Gefühl für Humor und seine Individualität. Peter Diem ging in seinen frühen zwanziger Jahren in die USA. Hier verbrachte er seine Tage als Lithograph aber seine Malerseele wurde erst gesättigt wenn er nachts in seinem Atelier mit Farbe arbeiten konnte. Peter Diem ist fasziniert von der COBRA-Gruppe, wo das Experiment im Vordergrund steht. Und so ist das Medium Farbe zum wichtigsten Ausdrucksmittel Peter Diems geworden. » DiversBack to Top» Dobrentey, GaborGABOR DOBRENTEY – NLTerug naar bovenGabor Dobrentey werd in 1897 in Szombathely (West Hongarije) geboren. Zijn studie in de schone kunsten begon hij in Kecskemet, onder leiding van Imre Revesz, die toen leraar was aan de Hogeschool voor de kunsten aldaar en later aan academies in Munchen en in Wenen. Op de Hogeschool voor de kunsten studeerde hij aan de afdeling van meester Oszkar Glatz, van wie hij de laatste drie jaren van zijn studie student-assistent was. De monumentale schilderkunst heeft hij zich eigengemaakt aan de afdelingen van de meesters Andor Dudits en Sandor Nagy. Tijdens zijn studie aan de Hogeschool voor de kunsten viel hem verschillende keren een eervolle vermelding ten deel. Na zijn studie aan de Hogeschool won hij in 1936 in de stad Pecs de Xaverius Weberprijs, in 1937 de Ede Ballbprijs en in 1938 (het gedenkjaar van de heilige koning Stefanus) in de prijsvraag 'Geschiedenis in beeld' de eerste prijs en tevens ministeriele erkenning. In 1940 werd hij bij de prijsvraag 'Geschiedenis in beeld' onderscheiden met de eerste prijs en kreeg hij tegelijkertijd de opdracht om het winnende schilderij in groot formaat uit te voeren. Het schilderij kreeg een plaats in de raadzaal van het stadhuis van Szombathely, maar is daar tijdens het bombardement van de stad in 1944 samen met het gebouw verloren gegaan. Vanaf 1933 heeft hij geexposeerd in de Kunsthal, in de Nationale Salon en in het Ernstmuseum. Hij was lid van het Landelijk Genootschap voor de Hongaarse Beeldende Kunst, van de Vereniging van Hongaarse Beeldende Kunstenaars en van het Benczur Gezelschap. Na de tweede wereldoorlog benutte hij zijn vaardigheid als restaurateur. Zo kwam hij in het parlementsgebouw terecht, waar hij verscheidene jaren gewerkt heeft aan het herstel van de beschadigde wandschilderingen. Daarnaast nam hij ook deel aan restauratiewerkzaamheden in het gebouw van de Hongaarse Academie voor Wetenschappen, in de Opera en ook in tal van monumentale kerken en kastelen. Vanaf de zestiger jaren schiderde hij voornamelijk landschappen, met in het bijzonder als thema's: het Balatonmeer, de burcht van Buda, de Donau en de "Vermez6" (Bloedweide), de sfeervolle hellingen van de vroegere Taban (een gebied in de bergen van Boeda). Hij overleed in 1990 in Boedapest. GABOR DOBRENTEY – ENGBack to TopDobrentey Gabor was born in 1897 in Szombathely (West Hungary). His study in the arts began in Kecskemet, led by Imre Revesz, who was then a teacher at the School of the Arts there and later academies in Munich and Vienna. At the School of the Arts, he studied at the Department of Master Oszkar Glatz, of whom he was a student assistant for the last three years of his study. The monumental painting, he has mastered the departments of the masters and Sandor Nagy Andor Dudits. During his studies at the School of the Arts attacked him several times an honorable mention in part. After his studies at the College he won in 1936 in the city of Pécs, the Xavier Weber Award, in 1937 the Ede Ballbprijs and in 1938 (the anniversary year of the holy King Stephen) in the contest "History in Focus' first rate, and ministerial approval. In 1940 he was at the contest "History in Focus' awarded the first prize and he was simultaneously instructed to perform. Winning painting in large format The painting was given a place in the council chamber of the City Hall of Szombathely, but is there during the bombing of the city in 1944 with the building lost. Since 1933 he has exhibited in the Kunsthal, in the National Salon and in the Ernst Museum. He was a member of the National Association of Hungarian Fine Arts, the Hungarian Association of Visual Artists and the Benczur Society. After World War II, he used his skill as a restaurateur. So he came into the parliament building, where he has worked for several years to repair the damaged wall paintings. He also took part in restoration work in the building of the Hungarian Academy of Sciences, the Opera and also in numerous monumental churches and castles. Since the sixties, he mainly schiderde landscapes, with particular topics as: Lake Balaton, the castle of Buda, the Danube and the "Vermez6" (Blood Meadow), the atmospheric slopes of the former Taban (an area in the hills of Buda ). He died in 1990 in Budapest. subsequent prints. These works are a combination of color etchings and carvings. GABOR DOBRENTEY – GERZurück nach obenGabor Dobrentey wurde 1897 in Szombathely (West-Ungarn) geboren. Seine Kunststudien begann er in Kecskemet unter der Führung des bekannten Künstlers Imre Revsz, der damals Professor war an der dortigen Kunsthochschule. Und später auch an Kunstakademien in München und Wien unterrichten sollte. Auf der Kunsthochschule von Kecskemet studierte er an der Abteilung des Meisters Oszkar Glatz, für den er in den letzten drei Jahren auch als Student-Assistent arbeitete. Seine monumentale Malkunst hat er sich angeeignet an den Abteilungen der Meister Andor Dudits und Sandor Nagy. Während seines Hochschulstudiums sollte er diverse Male ehrvolle Auszeichnungen erhalten. Nach seinen Hochschulstudien gewann er 1936 in der Stadt Pecs den "Xaverius Weber"-Preis, 1937 den "Ede Balbb"-Preis und 1938, im Gedenkjahr des heiligen Königs Stefanus, in der Wettbewerbskategorie "Geschichte in Bildern" den ersten Preis inklusive einer ministeriellen Anerkennung. 1940 erhielt er in der vorgenannten Wettbwerbskategorie erneut den ersten Preis und bekam er gleichzeitig den Auftrag sein auserwähltes Gemälde im Grossformat zu fertigen. Dieses Grossgemälde bekam einen Platz im Ratssaal des Rathauses von Szombathely, wo es bei einem Bombardement der Stadt 1944 zerstört wurde. Wie auch das gesamte Rathaus. Ab 1933 hat er auch noch ausgestellt in der Kunsthalle, im "Nationalen Salon" und im Ernst-Museum. Gabor Dobrentey war Mitglied des ungarischen "Vereins für Bildende Künste" und der Benczur-Gesellschaft. Nach dem Zweiten Weltkrieg konnte er dann seine Talente als Restaurator voll einsetzen. So arbeitete er diverse Jahre im Parlamentsgebäude, wo er mitgewirkt hat die beschädigten Wandmalereien instandzusetzen. Auch hat er Restaurierungsarbeiten durchgeführt im Gebäude der ungarischen Wissenschaftskakademie, in der Budapester Oper und auch in zahlreichen Kirchen und Schlössern. Nach den sechziger Jahren hat er hauptsächlich Landschaften gemalt, wobei meistens der Balaton-See, die Buda-Burg, die Donau und die Vermesz-Hügellandschaft von Taban N:B.: in NL-tekst niet "Vermes6" maar "Vermesz" (denk ik toch) mit ihren sanften Neigungen thematisch im Vordergrund standen. Gabor Dobrentey verstarb 1990 in Budapest » Dodsworth, DavidDAVID DODSWORTH – NLTerug naar bovenDavid werd geboren op 24 april 1953 te Newcastle-upon-Tyne. Hij heeft gestudeerd aan de "Lancaster school of Art" en aan de 'Sunderland Polytechnic B.A.' Honours Fine Art. In beginsel werd hij vooral beïnvloed door Velasquez, Goya en Titian. Later ging zijn aandacht meer uit naar het abstracte van de Expressionisme in de USA en primitieven grottekeningen als wel Hiëroglyfen. Dodsworth heeft in Afrika de tekeningen van Bosjesmannen en in Australië de kunst van de Aboriginals bestudeerd en dat in zijn kunst verwerkt. Naast kalligrafische elementen integreert hij ook tekenen van de Zen-filosofie in zijn werken. In 1981 ontving hij een prijs van West Midlands Arts, Major Award, Hull Print Biennale. DAVID DODSWORTH – ENGBack to TopDavid was born on 24 April 1953 in Newcastle-upon-Tyne. He studied at the "Lancaster School of Art" and the "Sunderland Polytechnic BA Honours Fine Art. In principle, he was particularly influenced by Velasquez, Goya and Titian. Later turned his attention more towards the abstract of Expressionism in the USA and primitive cave drawings as well hieroglyphs. Dodsworth in Africa like the drawings of Bushmen in Australia and the art of the Aboriginal studied and incorporated into his art. Besides calligraphic elements, he also integrates signs of Zen philosophy in his works. In 1981 he received an award from West Midlands Arts, Major Award, Hull Print Biennale. DAVID DODSWORTH – GERZurück nach obenDavid Dodsworth wurde am 24 .April 1953 in Newecastle-upon-Tyne geboren. Er hat studiert an der "Lancaster school of Art"-Kunsthochschule und an der "Sunderland Polytechnic B..A."-Akademie. Im prinzipiellen Sinne wurde er vor allem beeinflusst von Velasquez, Goya und Tizian. Spater interessierte er sich mehr für das Abstrakte im USA-Expressionismus sowie für primitive Grottenmalereien und Hieroglyphen N.B.: in NL-tekst "hierogliefen" (met "ie"). Dodsworth hat sowohl in Afrika die Zeichnungen der Buschmänner wie auch in Australien die Kunst der Aborigines studiert und diese Impressionen in seiner Kunst verarbeitet. 1981 erhielt er den "West Midlands Art"-"Major Award"-Preis im Rahmen de "Hull Print Biennale"-Festivals. » Donkersloot, PeterPETER DONKERSLOOT – NLTerug naar bovenPeter Donkersloot werd geboren in 1959 te Arnhem. Hij groeide op in de bossen van de Veluwe maar bracht ook een belangrijk deel van zijn jeugd door in de Betuwe. Dat bleek later van grote invloed te zijn op zijn werk en dan met name op zijn 'Hollandse Landschapschilderijen', met de vele waterpartijen met daarin de karakteristieke luchtweerspiegelingen. Nadat hij eind jaren '70 de kunstacademie van Arnhem bezocht, heeft hij eerst een aantal jaren gewerkt als reclame-tekenaar en illustrator o.a bij het gerenommeerde reclamebureau FHV-BBDO. Deze start lag in de lijn der verwachting daar zijn vader Piet Donkersloot ook een bekend illustrator was. (menigeen heeft in de kast nog wel boekomslagen staan die getekend zijn door Peter óf door zijn vader Piet!) Halverwege de jaren '80, Peter was toen zesentwintig, begon er toch iets te wringen: hij kon het reclame-tekenen niet meer combineren met zijn echte grote liefde, namelijk het vrije schilderen. Toen zijn vader in 1986 omkwam bij een auto-ongeluk besloot hij de gok te wagen; door dit onverwacht overlijden van zijn vader besefte hij zich maar al te goed dat het leven kort is en dat je zoveel mogelijk je dromen moet trachten te verwezenlijken. Al gauw bleek dat een goede gedachte te zijn geweest. Hij genoot weer van zijn werk en kon als een van de weinige kunstenaars leven van zijn kunst. Hij schildert in een hoog tempo, is dag en (vooral) 's nachts in zijn atelier te vinden. Hij heeft geëxposeerd door heel Nederland en sinds kort ook steeds meer in het buitenland... PETER DONKERSLOOT – ENGBack to TopDonkersloot Peter was born in 1959 in Arnhem. He grew up in the woods of the Veluwe, but also spent a significant part of his childhood in the Betuwe. That turned out to be at work, and especially in his "Dutch Landscape Paintings', with its many lakes surrounding the air characteristic reflections of particular significance. After he attended the Art Academy of Arnhem late '70s, he first worked for several years as an advertising artist and illustrator including at the renowned advertising agency FHV BBDO. This launch was in line with expectations his father Piet Donkersloot there was also a well-known illustrator. (Many have in the closet still standing book covers which are signed by Peter or by his father, Pete!) In the mid 80s, Peter was twenty-six, began to wring something he could not combine it with advertising signs are real great love, namely the free painting. When his father died in 1986 in a car accident, he decided to take the risk, by the sudden death of his father, he knew only too well that life is short and that you should try as much as possible to achieve your dreams. It soon became clear that to have been. Good idea He enjoyed his work again and could be one of the few artists live from his art. He paints at a high pace, day and (especially) night found in his studio. He has exhibited throughout the Netherlands and recently more and more abroad... prints are more abstract. The collage technique Angel then used this influenced PETER DONKERSLOOT – GERZurück nach obenPeter Donkersloot wurde 1956 in Arnheim geboren. Er wuchs auf in den Veluwe-Wäldern aber auch in der Betuwe-Region verbrachte er einen grossen Teil seiner Jugend. Diese Eindrücke haben ihn stark beeinflusst und führten zu seiner "Hollandse Landschapschilderijen"-Serie mit den typischen Wasserpartien und charakteristischen Luftspiegelungen. Nachdem er Ende der siebziger Jahre die Arnheimer Kunstakademie besucht hatte, arbeitete er zuerst eine Anzahl Jahre als Werbemaler und Illustrator im renommierten Werbebüro FHV-BBDO .Dies war ganz auf der Linie seines Vaters Piet Donkersloot, der ein bekannter Illustrator war. Sicherlich sind bei vielen Menschen im Bücherschrank noch Buchumschläge zu finden, die von Peter bzw. Pieter Donkersloot gezeichnet worden sind. Mitte der achtziger Jahre (er war damals 26 Jahre alt) wurde ihm bewusst, dass etwas nicht stimmig war. Denn er konnte seine Arbeit als Werbezeichner immer weniger vereinen mit seiner echten grossen Liebe, der freien Malerei. Als sein Vater 1986 bei einem Autounfall verstarb, entschloss er sich das Wagnis eines Berufswechsels in Angriff zu nehmen. Denn es war ihm durch den unerwarteten Tod seines Vaters schlagartig bewusst geworden, dass das Leben kurz ist und man so viel wie möglich danach streben sollte seine Träume zu verwirklichen. Schon bald sollte sich herausstellen, dass dies eine gute Entscheidung gewesen war. Denn seine künstlerische Arbeit machte ihm wieder Spass und zudem war er einer der wenigen Künstler, die von ihrer Arbeit leben konnten. Peter Donkersloot malt in hohem Tempo und ist am Tage und (vor allem) nachts in seinem Atelier anzutreffen. Er hat Ausstellungen gemacht in den gesamten Niederlanden und seit kurzum auch immer mehr im Ausland. » Driel, Toon vanTOON VAN DRIEL – NLTerug naar bovenToon van Driel (Amsterdam, 16 februari 1945) is een Nederlands striptekenaar. Na enige tijd op een reclamebureau en als steward bij de KLM te hebben gewerkt, verzon Van Driel F.C. Knudde. Deze strip, die draait om de bizarre belevenissen van een voetbalclub, verscheen vanaf 1973 driemaal per week, en later dagelijks, op de sportpagina van het Algemeen Dagblad. In korte tijd werden de avonturen van verdediger Jaap en doelman Dirk razend populair, waarna vele stripalbums volgden, en verschijnt nu ook op NU.nl. Vijf jaar na F.C. Knudde maakte Van Driel De Stamgasten, waarin ditmaal dieren de hoofdrol vertolkten. Varkens, pinguïns, kamelen, giraffen belandden in de meest absurde situaties, waarbij zij veelal menselijke trekjes vertonen. Andere strips van de hand van Van Driel zijn De Stuntels, André van Duin, De familie Weltevree, De nakomertjes en Gorp. TOON VAN DRIEL - ENGBack to TopToon van Driel (Amsterdam, February 16, 1945) is a Dutch cartoonist. After some time at an advertising agency and worked as a flight attendant for KLM Van Driel sent Knudde FC. This strip, which revolves around the bizarre adventures of a football club, from 1973 appeared three times a week, and later every day, on the sports page of the newspaper. In a short time the adventures of defender Jaap and goalkeeper Dirk became wildly popular, and many comic books followed, and now appears on NU.nl. Five years after FC Knudde, Van Driel The Regulars which time animals expressed the lead. Pigs, penguins, camels, giraffes ended up in the most absurd situations, which they often exhibit human traits. Other comics written by Van Driel are the Stuntels, Yardbirds, The Weltevree, family and the latecomers Gorp. TOON VAN DRIEL – GERZurück nach oben» Duijf, AnitaANITA DUIJF – NLTerug naar bovenAnita Duijf (1 januari 1951) schildert met op tulpvormen gebaseerde structuren. We zien de bloembladeren zich openvouwen en in een symmetrie van draaikolken en arabesken de omgeving wegduwen naar de buitenzijden van het linnen. Elementaire krachten als vuur en water. ANITA DUIJF – ENGBack to TopAnita Duijf (January 1, 1951) paints with structures based on tulip shapes. We see the petals unfold and a symmetry of vortices and arabesques around push the surroundings away to the edges of the canvas. Elemental powers like fire and water. ANITA DUIJF – GERZurück nach obenAnita Duijf wurde am 1. Januar 1951 geboren und malt auf die Form der Tulpe basierende Strukturen. Wir sehen die Blütenblätter sich entfalten und in einer Symmetrie von Wirbeln und Arabesken die Umgebung wegdrücken zur Aussenseite des Blüteninnern. Elementäre Kräfte wie Feuer und Wasser kommen zum Zuge. » Eeden, Frits vanFRITS VAN EEDEN – NLTerug naar bovenFrits van Eeden werd geboren in Tilburg (1944) en groeide op in Den Haag. Hij volgde zijn beroepsopleiding in Den Haag en Amsterdam. Na 3 jaar in London gewerkt te hebben vertrok hij naar de Verenigde Staten en na een 'Best of Show' kreeg hij een part-time baan aangeboden door het Brevard Art Centre and Museum in Melbourne, Florida. De eerste prijs was een solo-tentoonstelling in het museum en een job als leraar aan de academie. Hij werd werkend lid van Pulchri Studio in 1966 (Haagse kunstenaarsvereniging). Hij is nog steeds werkzaam als schilder en beeldhouwer. Door het beeldhouwen heeft ook zijn schilderwerk een drie-dimensionale invloed en is zeer duidelijk herkenbaar. Zijn werken zijn op veel binnen- en buitenlandse tentoonstellingen te zien geweest (Verenigde Staten, Singapore, Engeland, St. Tropez, Duitsland). FRITS VAN EEDEN – ENGBack to TopFrits van Eeden was born in Tilburg (1944) and grew up in The Hague. He followed his training in The Hague and Amsterdam. After having worked for 3 years in London he moved to the United States after a "Best of Show" he got a part-time job offered by the Brevard Art Center and Museum in Melbourne, Florida. The first prize was a solo exhibition at the museum and a job as a teacher at the academy. He was an active member of Pulchri Studio 1966 (Hague artists'). He is still working as a painter and sculptor. By sculpting has been painting a three-dimensional effect and is very recognizable. His works have been shown in many exhibitions at home and abroad (USA, Singapore, England, St. Tropez, Germany). FRITS VAN EEDEN – GERZurück nach obenFrits van Eeden wurde 1944 in Tilburg geboren und verbrachte seine Jugend in Den Haag. Seine berufliche Ausbildung absolvierte er in Den Haag und Amsterdam. Nachdem er 3 Jahre in London gearbeitet hatte, ging er in die USA. Hier bekam er nach einer "Best of Show"-Veranstaltung vom "Brevard Art Centre and Museum"-Kunstzentrum in Melbourne (Florida) viel Anerkennung für sein Werk. Denn als erster Preis winkte ihm nicht nur eine Solo-Ausstellung im Museum sondern auch einen Job als Lehrer an der Kunstakademie. 1966 wurde er arbeitendes Mitglied des Haager "Pulchri Studio"-Künstlervereins. Van Eeden arbeitet noch immer als Kunstmaler und Bildhauer. Wegen seiner Bildhauerei hat auch seine Malerei einen deutlch merkbaren, dreidimensionalen Aspekt erhalten. Seine Arbeiten waren auf vielen Ausstellungen in den Vereinigten Staaten, Singapur, England und Frankreich (St. Tropez) zu sehen. » Eerdmans, JohannesJOHN EERDMANS – NLTerug naar bovenJohannes Eerdmans werd op 15 oktober 1950 te Sneek geboren en groeide op in Bolsward. De Fries heeft een stijl ontwikkeld, die sterk doet denken aan de Romantische school. Hij interesseerde zich al van kinds af aan voor het tekenen van klein formaat zeilschepen. Hij volgde enige tijd de opleiding aan de Leeuwarder kunstacademie “Vredeman de Vries Stichting”, maar kwam daar snel tot de ontdekking dat het werken in groepen en het maken van abstracte kunst hem in het geheel niet lag. Johannes Eerdmans volgde vanaf die tijd zijn eigen weg en bleef tekenen en schilderen naar eigen inzicht. Zijn voorkeur gaat uit naar het schilderen van stillevens, maar ook schildert Eerdmans stadsgezichten, scheepjes en ijs- en zomerlandschappen. Hoe langer Eerdmans schildert, des te meer waardering krijgt hij voor de oude meesters. Zonder overigens een bepaalde voorkeur te hebben. De inspiratie is duidelijk aan het werk van Johannes Eerdmans af te zien. Kenners roemen zijn bijzondere sfeer die uit gaat van zijn schilderijen. JOHN EERDMANS – ENGBack to TopJohannes Eerdmans was born on October 15, 1950 in Sneek, and grew up in Bolsward. The Fries has developed a style that is very reminiscent of the Romantic school. He was interested in all of childhood for drawing small size sailing ships. He took some time training at the Art Academy in Leeuwarden "Vredeman de Vries Foundation", but it soon came to the conclusion that working in groups and making abstract art was not him at all. Johannes Eerdmans followed from then on its way and continued drawing and painting at their discretion. His preference for painting still lifes, but also paints Eerdmans cityscapes, ships and ice and summer landscapes. The longer Eerdmans paints, the more appreciation he gets for the old masters. Without however having. A certain preference The inspiration is clearly seen at work. Johannes Eerdmans off Connoisseurs boast its special atmosphere that goes out of his paintings. JOHN EERDMANS – GERZurück nach obenJohannes Eerdmans wurde am 15. Oktober 1950 in Sneek (Friesland) geboren und wuchs auf in Bolsward. Der friesische Maler hat einen Stil entwickelt, der Anklang findet bei der romantischen Schule. Er interessierte sich bereits als Kind für das Zeichnen kleinformatiger Segelschiffe. Johannes Eerdmans liess sich zuerst einige Zeit an der "Vredeman de Vries Stichting"-Kunstakademie in Leeuwarden ausbilden. Doch dort entdeckte er bereits relativ rasch, dass das Arbeiten in Gruppen und die Anfertigung abstrakter Kunst ihm absolut nicht behagten. Johannes Eerdmans ging ab da seinen eigenen Weg und malte und zeichnete ganz nach eigenem Befinden. Seine Vorliebe hat dabei das Malen von Stillleben aber er malt auch gerne Stadtansichten, kleine Schiffe sowie Eis- und Sommerlandschaften. Je länger Eerdmans malt, um so mehr Respekt entwickelt er für die alten holländischen Meister. Ohne übrigens eine bestimmte Vorliebe zu haben. Seine diesbezügliche Inspiration ist in seinem Werk jedoch deutlich herauszulesen. Kenner rühmen die besondere Atmosphäre, die von seinen Gemälden ausgeht. » ElephantParadeBack to Top» Elfring, GerdaGERDA ELFRING – NLTerug naar bovenLandschappen en dieren, dat zijn de voornaamste uitgangspunten van de schilderijen van Gerda Elfring (Haaften, 1956). Met ferme kwaststreken, een sterke penseelvoering en sprekende kleuren zet ze haar onderwerpen krachtig op het doek. Onder andere het rivierenland waar ze geboren is, vertaalt ze in lyrisch-abstracte werken. Datgene wat haar boeit komt in grote kleurvlakken en nauwelijks gedetailleerde onderdelen op haar doeken, waarin emotie van de beleving belangrijker is dan de exacte weergave van het onderwerp. Gerda Elfring schildert vooral kleuren en vormen; in krachtige composities en met persoonlijke kleuren geeft ze haar beleving van de werkelijkheid weer. Het gevolg is dat de composities van Gerda een gevarieerd eindresultaat laten zien: soms figuratief en herkenbaar, dan weer sterk geabstraheerd met de nadruk op doorleving. In de natuur gemaakte schetsen en foto's worden in het atelier uitgewerkt, waarbij de kleuren intuïtief op het doek komen en de schets alleen het handvat is. De werkelijkheid is voor Gerda de aanleidingtot zeer persoonlijke schilderijen. Aan het eind van haar opleiding aan de Nieuwe Academie voor Beeldende Kunsten te Utrecht hield Gerda zich hoofdzakelijk bezig met het schilderen van tulpen, aansluitend daarop volgden de eerste landschappen waarvoor de schilders van het abstract expressionisme de basis legden. Het grote gebaar, de eigen kleurkeuze en de krachtige hantering van de kwast kenmerken niet alleen deze stroming, maar ook het werk van Gerda Elfring. Gerda Elfring exposeert sinds 1995 vijf à zes keer per jaar; niet alleen in haar woonplaats Zaltbommel maar ook in andere steden, zoals het gemeentehuis van Doesburg (1998), de Holland Art Fair in Den Haag (1998), het stadhuis van Gorinchem (1999), kasteel Ammersoyen in Ammerzoden (1999) en Galerie 1C te Den Haag (2000). GERDA ELFRING – ENGBack to TopLandscapes and animals, which are the main principles of the paintings by Gerda Elfring (Haaften, 1956). With firm brushstrokes, strong brushwork and vivid colors she puts her subjects firmly on the canvas. Include the rivers where she was born, translates them into lyrical-abstract works. What fascinates her comes in large areas of color and hardly detailed sections on her canvases in which emotion of the experience is more important than the exact representation of the subject. Gerda Elfring mainly paints colors and shapes, in powerful compositions and colors she gives her personal perception of reality. The result is that the compositions of Gerda varied final result show: sometimes figurative and recognizable, sometimes highly abstracted with a focus on by society. Be worked out in the studio, where the colors intuitively come to the canvas and sketch the handle only. Naturally made sketches and photos The reality for the Gerda aanleidingtot very personal paintings. At the end of her training at the New Academy of Fine Arts in Utrecht Gerda mainly focused on painting of tulips, then followed the first landscapes to which the painters of abstract expressionism laid the foundation. The grand gesture, the own color choice and powerful handling of the brush characteristics not only this movement, but also the work of Gerda Elfring. Gerda Elfring exhibits since 1995, five or six times a year, not only in her hometown Zaltbommel but also in other cities, such as the town of Doesburg (1998), the Holland Art Fair in The Hague (1998), the town hall of Gorinchem (1999 ), castle Ammersoyen in Ammerzoden (1999) and Galerie 1C, The Hague (2000). GERDA ELFRING – GERZurück nach obenLandschaften und Tiere sind die wichtigsten Bezugspunkte in den Gemälden der 1956 in Haaften geborenen Malerin Gerda Elfring. Mittels kräftiger Pinselstriche, einer starken Pinselführung und "sprechender Farben" stellt sie ihre Motive auf die Leinwand. So beispielsweise die "Rivierenland"-Landschaft, in der sie aufgewachsen ist .Diese wird von ihr umgesetzt in lyrisch-abstrakte Bilder. Das was sie fesselt kommt in grossen Farbflächen und kaum detaillierten Bestandteilen auf ihre Leinwände. Hierbei ist ihr die erlebnisorientierte Emotion wichtiger als die exakte Wiedergabe des Motivs. Gerda Elfring malt vor allem Farben und Formen: Mittels kräftiger Kompositionen und persönlicher Farben zeigt sie uns Ihr Erleben der Wirklichkeit. Die Folge ist, dass die Elfring-Kompositionen ein sehr variiertes Endresultat zeigen: Manchmal figurativ und erkennbar, dann wieder stark abstrakt gestaltet mit der Betonung auf das Erleben. In der Natur gemachten Skizzen und Fotos werden im Atelier ausgearbeitet, wobei die Farben intuitiv auf die Leinwand kommen und die Vorlagen nur als Anker dienen. Die Wirklichkeit ist für Gerda Elfring Anlass zu sehr persönlich komponierten Gemälden. Am Ende ihrer Ausbildung an der Utrechter "Nieuwe Academie voor Beeldende Kunsten"-Akademie hat sie sich hauptsächlich beschäftigt mit dem Malen von Tulpen. Anschliessend legte sie sich zu auf erste Landschaftsbilder auf der Basis abstrakt-expressionistischer Vorlagen. Die grosse Geste, die eigene Farbwahl und der kräftige Pinselstrich kennzeichnen nicht nur diese Kunstrichtung an sich sondern insbesondere auch das darauf abzielende Werk der Gerda Elfring. Gerda Elfring stellt seit 1995 fünf bis sechs Mal im Jahr Ihre Arbeiten aus .Und dies nicht nur in ihrem Wohnort Zaltbommel sondern auch in anderen Städten. Wie 1998 im Rathaus von Doesburg und auf der Haager "Holland Art Fair"-Messe, 1999 im Rathaus von Gorinchem und im Schloss Ammersoyen (Ammerzoden) sowie 2000 in der 1C-Galerie in Den Haag. » Engel, NissanNISSAN ENGEL – NLTerug naar bovenNissan Engel is geboren in 1931. De eigentijdse printmaker en schilder studeerde kunsttechnieken in Jeruzalem aan de academie Beaux-Arts Bezalel van 1952 tot 1956. Hierna studeerde hij theater en kostuumontwerp in Straatsburg aan het Centre Dramatique de l'Est. Rond 1960 verhuisde Engel naar Parijs waar hij meerder exposities had in Galerie Weil. De grafische techniek van Engel is constant in ontwikkeling. De vroege prints drukken sterke expressieve vormen uit met contrasterende vlakken in ruimte en kleur. De latere prints zijn meer abstract. De collagetechniek die Engel dan gebruikt beïnvloedde deze latere prints. Deze werken zijn een combinatie van kleuretsen en reliëfs. NISSAN ENGEL – ENGBack to TopNissan Engel was born in 1931. The contemporary printmaker and painter studied art techniques in Jerusalem at the Bezalel Academy Fine Arts from 1952 to 1956. After this he studied theater and costume design in Strasbourg at the Centre Dramatique de l'Est. Around 1960 Angel moved to Paris where he had several exhibitions at Galerie Weil. The graphical technique of Angel is constantly evolving. Early prints express strong expressive forms with contrasting surfaces in space and color. The later NISSAN ENGEL – GERZurück nach oben» Engels, AstridASTRID ENGELS – NLTerug naar bovenDe kunstwerken van Astrid Engels (17 maart 1941) ontstaan uit haar fascinatie voor- en enorme kennis van oude volkeren en culturen. Engels studeerde na haar middelbare schoolopleiding Italiaans in Utrecht. Als beeldend kunstenaar is zij autodidact. In 1965 werkte Astrid Engels mee aan televisieprogramma's over het oude Egypte en in het bijzonder farao Toetanchamon. Gedurende de periode 1984 tot 1999 exposeerde zij in binnen- en buitenland. Zij won in 1992 de Movado Museum Prijs. Op 17 mei 2009 werd Astrid Engels onderscheiden tot Ridder in de Orde van Oranje-Nassau. Vanaf 2000 toont ze haar nieuwste werk uitsluitend via haar website en opent Astrid Engels haar eigen studio in Huizen voor bezichtiging en/of opdrachten. ASTRID ENGELS - ENGBack to TopThe works of Astrid English (March 17, 1941) arose from her fascination for and vast knowledge of ancient peoples and cultures. English studies after high school Italian in Utrecht. As an artist she is self-taught. In 1965 Astrid English worked on television programs about ancient Egypt and in particular pharaoh Tutankhamun. During the period 1984 to 1999 she exhibited at home and abroad. She won in 1992, the Movado Museum Prize. On May 17, 2009 Astrid English was awarded a knighthood in the Order of Orange-Nassau. From 2000, she shows her latest work exclusively through its website and opens her own studio in English Astrid Houses for viewing and / or assignments. ASTRID ENGELS – GERZurück nach obenDie Kunstwerke der am 17. März 1941 geborenen Astrid Engels entstehen aus ihrer Faszination für und ihrem enormen Wissen von den alten Völkern und Kulturen. Engels studierte nach der mittleren Schulausbildung in Utrecht Italienisch. Als bildende Künstlerin ist sie allerdings autodidakt. 1965 arbeitete sie mit an diverse Fernsehprogramme über das alte Ägypten und insbesondere über den Pharao Tutanchamun mit. In der Zeit zwischen 1984 und 1999 machte sie Ausstellungen im In- und Ausland und gewann 1992 den "Movado Museum"-Preis. Am 17. Mai 2008 erhielt Astrid Engels die königliche "Ritter in de Orde van Oranje-Nassau"-Unterscheidung. Ab 2000 zeigt sie ihre neuesten Arbeiten allerdings nur noch auf ihrer Website. In Huizen hat sie ein eigenes Studio eröffnet, dass auch besichtigt werden kann oder wo Aufträge besprochen werden können. » Essen, Tonnis vanTONNIS VAN ESSEN – NLTerug naar bovenNa een opleiding aan de DEVA (later opgegaan in de AKI) gevolgd te hebben, verbleef hij enige jaren in Frankrijk, waar hij zich verder specialiseerde in de schilderkunst. Verdere studies volgden in Mexico, Australië en Nieuw-Zeeland, evenals in Griekenland. Zijn olieverfschilderijen vallen op door veelzijdigheid en techniek. De confrontatie tussen krachtige, primaire kleuren en subtiele pasteltinten leidt in zijn werk tot een dynamische wisselwerking. (1946-2010) TONNIS VAN ESSEN - ENGBack to TopAfter training at the DEVA (later merged into the AKI) have followed, he spent some years in France, where he continued to specialize in painting. Further studies followed in Mexico, Australia and New Zealand, as well as in Greece. His oil paintings are characterized by versatility and technology. The confrontation between the powerful primary colors and subtle pastels leads in his work a dynamic interaction. (1946-2010) TONNIS VAN ESSEN – GERZurück nach obenTonnis van Essen (1946-2010) absolvierte seine Ausbildung an der DEVA-Akademie (später aufgegangen in die AK). Anschliessend hielt er sich einige Zeit in Frankreich auf, wo er sich weiter in der Kunstmalerei spezialisierte. Weitere Studien folgten in Mexico, Australien, Neu-Seeland und Griechenland Seine Ölgemälde fallen auf durch ihre Vielseitigkeit und ihre Technik. Die gewollte Konfrontation zwischen kräftigen Primärfarben und subtilen Pastelltönen verleihen seinen Arbeiten eine überaus dynamische Wechselwirkung. » Etoundi Essamba, AngeleANGELE ETOUNDI ESSAMBA – NLTerug naar bovenAngèle Etoundi Essamba geboren in Douala, Kameroen. De fotografe is opgegroeid in Parijs waar ze met haar familie woonde vanaf haar tiende levensjaar. In 1982 verhuisde ze naar Amsterdam. Daar heeft ze de Neder- landse Fotovakschool afgerond en be- gon ze aan haar carrière als fotografe. Het werk van Etoundi Essamba laat zien dat het mogelijk is om krachtige emotionele en spirituele waarden over te brengen op de beschouwer door middel van formele esthetische kwaliteit. Haar foto’s laten dialogen zien tussen mannen en vrouwen, vorm en inhoud, lichaam en geest en Afrika en de wereld. Haar werk biedt een tijdloze visualisatie van universele symbolen en wijsheden. Bij het creëren van haar werk wordt ze gedreven door haar geschiedenis, culturele invloeden, diverse perspectieven en een persoonlijk gevoel voor esthetiek. Etoundi Essamba heeft internationale erkenning gekregen met solo- en groeps- exposities. Sinds haar eerste expositie in 1985 in Maison Descartes in Amsterdam, zijn er veel gevolgd in Afrika, Europa, en de Verenigde Staten. Het werk van Angèle Etoundi Essamba is tevens vertegenwoordigd in veel publieke en privé collecties. Ze woont en werkt tegenwoordig nog steeds in Amsterdam. ANGELE ETOUNDI ESSAMBA - ENGBack to TopAngèle Etoundi Essamba born in Douala, Cameroon. The photographer grew up in Paris, where she lived with her family since she was ten. In 1982 she moved to Amsterdam. There she has the Dutch Fotovakschool completed and be-gon them to her career as a photographer. The work of Etoundi Essamba shows that it is possible to bring the viewer through formal aesthetic quality. Powerful emotional and spiritual values Her pictures show dialogs seen between men and women, form and content, body and spirit, and Africa and the world. Her work offers a timeless visualization of universal symbols and wisdom. In creating her work, she is driven by its history, cultural influences, diverse perspectives, and a personal sense of aesthetics. Etoundi Essamba has received international recognition with solo and group exhibitions. Since her first exhibition in 1985 at Maison Descartes in Amsterdam, there are many followed in Africa, Europe, and the United States. The work of Angèle Etoundi Essamba is also represented in many public and private collections. She lives and today still works in Amsterdam. ANGELE ETOUNDI ESSAMBA – GERZurück nach oben» Faber, LiesbethBack to Top» Fairchild, Roy» ROY FAIRCHILD – NLTerug naar boven» ROY FAIRCHILD – ENGBack to TopRoy Fairchild-Woodard Artist Roy Fairchild-Woodard is particularly influenced by the painters of the Renaissance. Fairchild visits Italy in particular to study frescos, tapestries and paintings, to see for him the techniques with which they were executed. Fairchild's vision is colored by his immersion in the past. His surfaces are rich and sumptuous. He uses varied interwoven elements such as fabrics and flowers in his work. The crumbling plaster works of ancient frescos are, also alluded to in his use of plaster, as a base for acrylic and oil over-painting. Roy Fairchild-Woodard eventually gained sufficient financial security to be able to give up his commercial illustrations and return full time to his own painting and printmaking which he does under his family name, Fairchild. As a print-maker, Roy Woodard Fairchild has found most enjoys serigraphy where the rich, opaque colors of his work is furthered by the medium, As for his figure drawings, he still prefers to translate those images into etchings. » ROY FAIRCHILD – GERZurück nach oben» Felix, FeliciaFELICIA FELIX – NLTerug naar bovenIn de bronzen beelden van Felicia Felix is de klassieke schoonheid een thema dat steeds terugkeert. Schoonheid in zijn zuiverste vorm in voornamelijk man- en vrouwfiguren. Figuren die altijd gevangen zijn in een spanning en beweging waarin de emotie tastbaar wordt. Felicia Felix (1947) is afgestudeerd aan de kunstacademie van Breda en is nu meer dan twintig jaar actief als zelfstandig beeldend kunstenaar. Hiervoor was zij werkzaam als tandtechnicus waar zij de basis legde voor haar verfijnde techniek, hoge kwaliteit van afwerking en haar bijzondere patina's geven de bronzen beelden van Felicia Felix de voor haar zo karakteristieke uitstraling en unieke signatuur. Naast de talrijke bronzen en stenen beelden die de basis zijn van het vrije oeuvre van Felix Felix, werkt zij ook veel in opdracht van particulieren, bedrijven en gemeentes zoals bijvoorbeeld gemeente Welsum aan de Gelderse IJssel met een monument. In het eigen atelier heeft zij de unieke mogelijkheid om vanaf het ontwerp tot en met het afwerken in patina bronzen beelden te maken inclusief het gieten in eigen gieterij. "Het scheppen is mijn grote passie. De klassieke schoonheid en eeuwigheid van brons geeft hij de ruimte om vanuit de techniek vorm te geven aan de mystiek, emotie en beweging die voor mij bepalend zijn voor het leven." "Mijn werk ontwikkelt zich iedere dag, jaar na jaar, en loopt synchroon met een werkwijze die past bij deze tijd. Emotie voor het creatieve deel en wetenschap voor de techniek. Deze twee ingrediënten maken het vak van beeldhouwer tot een genot van werken." "Mijn passie is om mensen deelgenoot te maken van mijn visualisaties die illusie en werkelijkheid verbeelden. Verstilde bewegingen vatten in materialen die na mijn tijd nog steeds dat ene moment uitstralen." FELICIA FELIX - ENGBack to TopThe bronze statues of Felicia Felix is the classic beauty a theme that recurs. Beauty in its purest form in predominantly male and female figures. Figures that are always caught in a tension and movement in which the emotion is palpable. Felicia Felix (1947) graduated at the Art Academy in Breda and is now more than twenty years as an independent artist. Previously, she worked as a dental technician where they laid the foundation for its sophisticated technology, high-quality workmanship and its special patina give the bronze statues of the Felicia Felix for its characteristic appearance and unique signature. Besides the numerous bronze and stone sculptures that are the basis of the free work of Felix Felix, she also works on behalf of individuals, businesses and municipalities such as municipal Welsum to the Gelderland IJssel with a monument. Highly skilled she has the unique ability to finishing in patina make including casting foundry. Bronzes from the design "The job is my passion. Classic beauty and eternity of bronze he gives space to give to the mystique, emotion and movement which for me are decisive for life. Shaped by the technology" "My work is evolving every day, year after year, and is synchronized with a method that fits this time. Emotion for the creative part of science and technology. These two ingredients make the profession of sculptor a pleasure to work." "My passion is to make my visualizations that depict illusion and reality. Hushed movements summarize materials that still maintain that one moment after my time. Humans share" FELICIA FELIX – GERZurück nach obenIn den Bronzeskulpturen der Felicia Felix ist die klassische Schönheit eine der immer wiederkehrenden Themen. Es ist diese eine Schönheit in ihrer reinsten Form mit hauptsächlich Mann- und Frau-Darstellungen. Figuren, die immer eingefangen sind zwischen Spannung und Bewegung und die eine starke Emotion fühlbar werden lassen. Felicia Felix (1947) hat die Kunstakademie in Breda absolviert und ist jetzt mehr als zwanzig Jahre als selbständige, bildende Künstlerin aktiv tätig. Davor arbeitete sie als Zahntechnikerin, wo die Grundlage gelegt wurde für ihre ausgefeilte Technik. Eine hohe Qualität der Vollendung und ihre besonderen Patinastrukturen verleihen die Bronzen der Felicia Felix die für sie so typische Ausstrahlung und einzigartige Signatur. Ihre zahlreichen bronzenen und steinernen Skulpturen bilden die Basis des freien Arbeitens der Felicia Felix N.B.: in NL-tekst niet "Felix Felix" maar "Felicia Felix" Aber sie arbeitet auch viel im Auftrag von Privatpersonen, Betrieben und Gemeinden. .Wie beispielsweise für die Gemeinde Welsum am IJssel-Fluss mit einem Monument. In ihrem eigenen Atelier verfügt sie über die einmalige Möglichkeit ihre Bronzen vom Entwurf bis zum endgültigen Patinaüberzug ganz in eigener Regie herzustellen, inklusive des Giessens in ihrer eigenen Giesserei. "Das Kreieren ist meine grösste Passion .Die klassische Schönheit und die bronzene Ewigkeit geben den Raum mittels Technik die Möglichkeit die Mystik, Emotion und Bewegung des Lebens zu erfassen bzw. in Form zu bringen", sagt Felicia Felix hierzu selbst. Und weiter: "Mein Werk entwickelt sich von Tag zu Tag, von Jahr zu Jahr und verläuft synchron mit einer Arbeitsweise, die in diese Zeit passt. Emotion für den kreativen Teil sowie die Wissenschaft für die Technik. .Diese beiden Bestandteile machen den Beruf des Bildhauers zu einem echten Genuss". Sowie: "Meine Leidenschaft ist es die Menschen Teil werden zu lassen von einem Visualisierungsprozess, der Illusion und Wirklichkeit zusammenführt. Verträumte Bewegungen umzusetzen in Materialien, die nach meiner Zeit noch immer diesen einen Moment ausstrahlen werden". » Fortgens, RobbertROBBERT FORTGENS – NLTerug naar bovenUtrecht (NL) 1960, Robbert Fortgens is geboren in Utrecht en studeert na zijn middelbare schooltijd enige jaren aan de Rietveldacademie in Amsterdam. Fortgens werkt op verschillende locaties; hij had een atelier in het Nederlandse IJmuiden, in Frankrijk en in Spanje. Op elke plek ervaart hij andere visuele indrukken en sferen die hij beeldend wil vertalen. Momenteel werkt en woont de schilder in Antwerpen. Aanvankelijk wordt Fortgens sterk aangetrokken tot de fotografisch realistische fijnschilderkunst en het is met name de Israëlische schilder Meir Salomon (1947) die hem onderwijst in deze techniek. Zijn artistieke houding neemt echter een grote wending, wanneer hij in 1988 het werk ziet van de Nederlands-Amerikaanse schilder Willem de Kooning (1904-1997) op een tentoonstelling in het Stedelijk Museum Amsterdam. Vanaf dat jaar tonen zijn werken grote abstract-expressionistische composities, die in weinig meer lijken op het figuratieve werk van daarvoor. Hij laat zich nu leiden door het spontane schilders gebaar dat vanuit een leeg gemaakte geest lijkt voort te komen. Beelden dringen zich aan hem op, als een residu van opgedane visuele indrukken. De fotografie had altijd een grote aantrekkingskracht op Robbert Fortgens; wanneer hij niet kon schilderen zocht hij de beelden door middel van de camera. Op het ogenblik zijn deze fotografische beelden een dialoog aangegaan met zijn schilderijen. Sinds enige tijd maakt hij duo-schilderijen: werken die bestaan uit een geschilderde abstracte voorstelling, niet zelden monochromen, waarin het pasteuze gebaar van de kwast onderwerp lijkt te zijn, en daaraan gekoppeld foto’s waarin de gelaagdheid zich moet uiten in het waargenomen beeld. Deze foto’s tonen vaak scenes en stills die, doordat de lens heeft opengestaan, een gestolde dynamiek uitstralen. Vaak worden deze foto’s ook nog sterk bewerkt met lagen transparante olieverf. Hierdoor ontstaat er nog meer spanning in de dialoog met de doeken, die soms weer een gladde smoothness hebben door de zich streng afstekende verfstreek. Robbert Fortgens exposeert in verschillende Europese landen en in de Verenigde Staten. ROBBERT FORTGENS - ENGBack to TopUtrecht (NL) 1960, Robbert Fortgens was born in Utrecht and studying after high school for several years at the Rietveld Academy in Amsterdam. Fortgens working in different locations, he had a studio in the Dutch IJmuiden, in France and in Spain. At each place he feels other visual impressions and atmospheres that he wants to translate. Visual Currently the artist lives and works in Antwerp. Initially Fortgens is strongly attracted to the photographically realistic fine painting and it is particularly the Israeli artist Meir Solomon (1947) who teaches him in this technique. However, his artistic attitude takes a big turn when he sees the work of the Dutch-American painter Willem de Kooning (1904-1997) at an exhibition at the Stedelijk Museum in Amsterdam in 1988. From that year, his works show great abstract expressionist compositions, which in little more like the figurative work before. He let himself be guided by the painters spontaneous gesture that seems to emanate. From a mind emptied Images occur to him, as a residue of acquired visual impressions. Stock photography always had a great attraction for Robbert Fortgens, when he could not paint, he sought the images through the camera. At the moment, these photographic images in a dialogue with his paintings. For some time he makes duo paintings: works that consist of a painted abstract representation, often monochromes, which the pasty gesture of the brush issue seems to be, and linked photos in which the stratification must express itself in the observed image. These pictures often depict scenes and stills, radiating a solidified dynamics because the lens is left open. These pictures are often also highly decorated with layers of transparent oil paint. This creates more tension in the dialogue with the paintings, which sometimes turn a slick smoothness by themselves have severely contrasting brushstroke. Robbert Fortgens exhibited in several European countries and in the United States. ROBBERT FORTGENS – GERZurück nach oben» Furlan, WalterBack to Top» Gaveau, ClaudeCLAUDE GAVEAU – NLTerug naar bovenCLAUDE GAVEAU - ENGBack to TopClaude Gaveau was born in Neuilly-sur-Seine, France on December 5, 1940. Gaveau was almost born into art, as his grandfather was the creator of the green houses of the Jardin des Plantes in Paris. One of his uncles, Emile, was a painter and another, Marcel a cabinetmaker. At the age of five he remembers the morning when Uncle Marcel put an easel, a canvas and a box of colors in his hands and together they both painted the landscape around geysers. Claude Gaveau seems to talk about birth date as it was from that day on, when painting became a necessity for him. He thus he entered the School of Applied arts in Paris where he studied for five years specializing in mural art: stained glass, tapestry, mosaic and fresco. The following six years included attending the National Superior School of Les Beaux Arts in Paris. To this multimedia experience Gaveau will owe the independence of his style. While he recognizes the influence of the great masters Cezanne, Braque and Duffy, Gaveau is also inspired by music and lyricism which is always present in the best of French painting from Poussin to Fernand Leger. Gaveau’s talent was soon recognized and in 1963 he received hi first award and scholarship from the Antwerp Academy, which enables him to study the Flemish painting in Brussels. In 1965, hardly 25 years old, Gaveau had his first individual exhibition at the Angle Aigu Gallery in Paris. But the real starting point of his career dates from 1968 when Gaveau was nominated for the Critics Prize sponsored by the Saint Placide Gallery in Paris. Gaveau held his first individual Parisian exhibition in 1971 at La Belle Gabrielle Gallery. At the end of the 1970’s Gaveau talent was discovered in America. His travels have led his artistic transformations and broadened his palette incorporating the shadows of the white walls of Moroccan villages, the warm light of Venice, and the architecture and décor of California into his artwork. Claude Gaveau is an internationally acclaimed master celebrated for his nudes and still life compositions. His works are harmonious with a brilliant palette of vibrant colors that seem to be overlaid with silk giving a soft and subtle result. Gaveau’s art has been described by many critics and fellow artists as “Symphonic” orchestrating the elements to create perfectly balanced compositions that are withdrawn from reality yet not quite abstract offering a sense of mystery rather than a clear definition. His works capture the beauty and innocence of flowers and the female form he paints with his brush. Gaveau has created a style all his own that is immediately identifiable and enjoyable. American Fine Art Editions, Inc. is pleased to represent the original paintings, and limited editions of this internationally acclaimed painter. In addition to Claude Gaveau, the gallery hosts a variety of other renowned masters including: Pablo Picasso, Andy Warhol, Joan Miro, Andrew Wyeth, LeRoy Neiman, Salvador Dali, Marc Chagall, and more. Visit our 12,000 sq. ft. showroom in Scottsdale, AZ or call today. Our website is offered only as a limited place to browse or refresh your memory and is not a reflection of our current inventory. If you need to learn more about collecting, pricing, value or any other art information your International Art Consultant will assist you and give you the one on one attention you deserve. We hope you find our website helpful and look forward to seeing you in Scottsdale soon. CLAUDE GAVEAU – GERZurück nach oben» Gennisse, RonRON GENNISSE – NLTerug naar bovenRON GENNISSE – ENGBack to TopThe works created by Dordrecht artist Ron Gennisse (1955) are primarily graphics. His almost abstract-expressionistic graphics are built up out of quick notations that are printed colour by colour in separate printings. It is a relaxed way of working, but not free of obligations. Developments in society, his encounters with refugees in the church, relationships among people, and his impressions from visiting various countries: all are to be found in his work, which in spite of this, has not become bogged down in illustration. He sees his art as a "reaction" to the impressions of life. He interprets these reactions by means of pieces of lithography that in his mind are "mature" only when he can present them as independent artworks. By this, Gennisse means that for him, a work of art is unsatisfactory if it presents a recognisably illustrated theme. Instead, he wants the total composition of lines, shapes and colours to be so aesthetically pleasing in itself that even someone who does not recognise the theme will be able to enjoy the beauty of the artwork. Gennisse graduated from the Grafische School in Utrecht where he had specialised in aesthetics. He is a member of several artists' associations: Dordrecht's Teekengenootschap Pictura, the Dordrecht art foundation known as the VBKD, the Dutch association for professional visual artists known as the BBK, and an association devoted to graphics known as the Vereniging voor Originele Grafiek. His name and works are included in the documentation file for visual artists kept by the Cultural Council of the Province of South Holland. As a graphic artist, Gennisse enjoys a considerable reputation. Last year, he participated in the Province of South Holland's graphics event in The Hague. This spring, he exhibited in a gallery located in the Province of South Holland's provincial government building, also located in The Hague. His work can be obtained on a rental basis from eighteen lending centres for visual art. RON GENNISSE - GERZurück nach oben» Gerlofsma, JeroenJEROEN GERLOFSMA – NLTerug naar bovenJeroen Gerlofsma’s interesse om te experimenteren op een plat vlak met vormen van herkenbaarheid begon al vroeg. “Verschrikkelijk veel eilanden zijn er te zien, altijd en overal. Eilanden van vorm, maar ook van kleur. Ze zijn bijna niet meer weg te denken, ze zijn ontstaan door de manier van werken, mijn manier.” Een grafische aanpak is voor Gerlofsma (1974) altijd belangrijk geweest, grootste vormen zetten de toon, al dan niet omgeven met een strakke doch gevoelige lijn. Altijd op zoek naar duidelijkheid en het zoveel mogelijk weglaten van, in zijn ogen, al die absoluut tot niets leidende en het alleen maar afleidende detail. Gerlofsma’s beelden moeten een volstrekt eigen verhaal vertellen, vrij van allerlei vaste patronen. Een uitgebalanceerde vorm is essentieel. In veel kunst van nu herkent hij dezelfde wil om een eigen gebruik te maken van dingen, materialen en beelden die ‘elders’ in solide betekenissen zijn verankerd. Gerlofsma voltooide de Academie van beeldende kunsten te Rotterdam in de richting Illustratie (1995-2000) Vanaf 2000 is hij werkzaam geweest als freelance illustrator bij tijdschriften als: Psy, Pt-industrie, Chemisch2Weekblad, De Nieuwe, Palet, Hypothese, CAD-magazine, Automatisering Gids, Roteb. En is als vakkracht tekenen en schilderen voor kinderen bij stichting Disck in Rotterdam (2001-2002) Als beeldend kunstenaar exposeerde Gerlofsma op verschillende plaatsen waaronder winkels, galerieën en beurzen. JEROEN GERLOFSMA - ENGBack to TopJeroen Gerlofsma's interest to experiment on a flat surface with forms of recognition began early. "Horrible many islands are there to see, anytime, anywhere. Islands form, but also in color. They are almost impossible to stay, they are caused by the way we work, my way." A graphical approach for Gerlofsma always been important, (1974) greatest forms set the tone, whether or not surrounded by a tight but delicate line. Always looking for clarity and omitting, in his eyes, all of which absolutely nothing leading up to and just distracting detail as possible. Gerlofsma's pictures to tell a completely unique story, free of all fixed patterns. A balanced form is essential. In many art he now recognizes same will to make things, materials and images that 'elsewhere' are anchored. Meanings in solid private use Gerlofsma completed the Academy of Fine Arts in Rotterdam toward Illustration (1995-2000) he worked as a freelance illustrator for magazines such as From 2000: Psy, Pt industry, Chemisch2Weekblad, New, Palette, Hypothesis, CAD magazine, Automatiseringsgids, Roteb. And as a skilled worker drawing and painting for children Disck Foundation in Rotterdam (2001-2002) As a visual artist exhibited Gerlofsma in different places including shops, galleries and exhibitions. JEROEN GERLOFSMA – GERZurück nach obenDie Passion Jeroen Gerlofsmas begann schon sehr früh mit Experimentieren auf einer flachen Ebene mit Formen der Erkennbarkeit. "Schrecklich viele Inseln gibt es zu sehen, immer und überall. Forminseln aber auch Farbinseln. Sie sind fast nicht mehr wegzudenken, sie sind entstanden aus der Arbeitsweise meines ganz eigenen Schaffens". Eine grafische Komposition ist für Gerlofsma (1974) immer wichtig gewesen. Die grössten Formen dominieren, manchmal umrahmt von straffen aber empfindlichen Linien, manchmal aber auch nicht. Immer auf der Suche nach Klarheit und einem soviel wie möglich Weglassen von Details. Denn diese führen absolut zu nichts und verwirren nur. Gerlofsmas Bilder sollen eine komplett eigene Geschichte erzählen und sind frei von allerhand möglichen, festen Mustern .Eine ausbalancierte Formgebung ist aber essentiell im Ganzen. In vielen derzeitigen Kunstäusserungen erkennt Gerlofsma den gleichen Willen einen ganz eigenen Gebrauch zu machen von Gegenständen, Materialien und Bildern, die anderswo in festen Formaten verankert sind. Gerlofsma beendete seine Ausbildung an der "Academie van Beeldende Kunsten"-Akademie in Rotterdam (1995-2000) mit einem Abschluss in der Fachrichtung Illustration. Ab 2000 ist er tätig gewesen als Freelance-Illustrator für Zeitschriften wie Psy, "Chemisch Weekblad" N.B.: in NL-tekst "2" weg? "De Nieuwe", Palet, Hypothese, CAD-Magazine, "Automatisering Gids", Roteb usw.. Er war von 2001 bis 2002 Fachkraft für Zeichnen und Kunstmalerei speziell für Kinder an der "Stichting Disck"-Schule. Als bildender Künstler hat Gerlofsma an verschiedenen Orten Ausstellungen gemacht: vielfach auch in Ladenlokalen und natürlich in Galerien sowie auf Messen. » Geurts, ArieARIE GEURTS – NLTerug naar bovenArie Geurts is geboren in 1957 te Rutten (Noordoostpolder). Arie schildert veelal abstract. Hij wil de toeschouwer laten dromen, associëren en zich laten verrassen in de schilderijen. ARIE GEURTS - ENGBack to TopArie Geurts was born in 1957 in Rutten (the Northeast). Arie paints mostly abstract. He wants the viewer to dream, to associate and be surprised in the paintings. ARIE GEURTS – GERZurück nach oben» Goselink, JanJAN GOSELINK – NLTerug naar bovenJan Goselink (1928) nam tekenlessen na zijn onderwijsopleiding en behaalde de L.O.-akte tekenen. Hij is echter altijd werkzaam geweest als docent wiskunde en heeft zijn tekeningen, etsen, aquarellen, gouaches en olieverfschilderijen in zijn vrije tijd gemaakt. Hij heeft een voorkeur voor onderwerpen dicht bij huis en vooral de natuur, dier en plant, is voor hem een inspiratiebron. Voor het werk van de schilder en illustrator Anton Pieck heeft hij grote bewondering en dat heeft invloed gehad op zijn werk. Het Noord Veluws Dagblad schreef op 19 maart 1983: De kunst van Jan Goselink is bescheiden en ongecompliceerd. Hij werkt vanuit een intuïtieve gevoeligheid voor hogere waarden in de dingen om ons heen, hogere waarden die alleen zichtbaar zijn voor hen die met schoongewassen ogen het leven tegemoet treden. Vooral in zijn etsen blijft het bij een afbeelding, sfeervol, maar te weinig verbijzonderend. Het onderwerp presenteert zich niet als iets nieuws. Jan Goselinks kunst is bezinnend, niet overredend, meer uit het hart dan uit het hoofd geboren. JAN GOSELINK - ENGBack to TopJan Goselink (1928) took drawing lessons after his education and training achieved the LO deed signs. He has always worked as a teacher of mathematics and his drawings, etchings, watercolors, gouaches and oil paintings in his spare time. He has a preference for subjects close to home, and especially the nature, animals and plants, is for him a source of inspiration. For the work of the painter and illustrator Anton Pieck he has great admiration and that has influenced his work. The North Veluws newspaper wrote on March 19, 1983: The Art of Jan Goselink is modest and straightforward. He works from an intuitive sensitivity to higher values in the things around us, higher values that are only visible to those with eyes washed life confront. Especially in his etchings remains at an image, pleasant, but too little differentiation office. The subject does not present itself as something new. Jan Goselinks art is contemplating, not persuasive, born more from the heart than from the head. JAN GOSELINK – GERZurück nach oben» Graaf, Jochem deJOCHEM DE GRAAF – NLTerug naar bovenSchilder Jochem de Graaf werd in 1954 geboren en woont inmiddels in Amersfoort (omgeving), waar hij tevens werkt. De autodidacte Jochem de Graaf heeft één grote passie: "Schilderen". Zoals iedere schilder heeft ook Jochem de Graaf een inspiratiebron, namelijk de mens! Jochem de Graaf zet de mens enigzins abstract neer op zijn doeken. De manier van werken gecombineerd met het materiaalgebruik geven de schilderijen van Jochem de Graaf een speciale dimensie. Het reliëf geeft een enorme dieptewerking! Door middel van lichtinval en schaduwwerking wordt dit nog eens benadrukt. Jochem de Graaf schildert ook graag bloemen. Met name rozen, zonnebloemen en tulpen. Jochem de Graaf schildert vooral met volle, warme kleuren. Regelmatig vormt ook een landschap een aanleiding voor nieuwe ideeën. Daarnaast wil Jochem de Graaf ook nog wel eens een abstract schilderij uitwerken. JOCHEM DE GRAAF - ENGBack to TopPainter Jochem de Graaf was born in 1954 and now lives in Amersfoort (environment), where he also works. The self-taught Jochem de Graaf has a great passion: "Painting". As every painter has Jochem de Graaf an inspiration, namely, man! Jochem de Graaf put the little man down on his abstract paintings. The way of working combined with the use of materials give the paintings Jochem de Graaf a special dimension. The relief provides a huge depth! Through light and shadow that is emphasized. Jochem de Graaf also likes to paint flowers. Especially roses, sunflowers and tulips. Jochem de Graaf paints mainly with rich, warm colors. Regularly is also a landscape a response to new ideas. In addition, Jochem de Graaf would also sometimes develop an abstract painting. JOCHEM DE GRAAF – GERZurück nach obenDer Maler Jochem de Graaf wurde 1954 geboren und wohnt und arbeitet inzwischen in der Umgebung der Stadt Amersfoort, Der Autodidakt de Graaf hat nur eine grosse Leidenschaft: "Die Malerei". Wie jeder Kunstmaler hat auch Jochem de Graaf eine Quelle der Inspiration. Es ist dies der Mensch! Den er jedoch ziemlich abstrakt auf die Leinwand stellt. Seine Arbeitsweise, in Kombination mit dem Materialgebrauch, verleihen seinen Gemälden eine ganz spezielle Dimension. Das Relief erzeugt eine enorme Tiefenwirkung und mittels Lichteinfall und Schattenwirkung wird das Ganze nochmals extra betont. Jochem de Graaf malt auch gerne Blumen, speziell Rosen, Sonnenblumen und Tulpen. Er malt vor allem mit vollen, warmen Farben und regelmässig gibt auch eine besondere Landschaft Anlass zu neuen Ideen. Zudem strebt Jochem de Graaf danach auch ab und zu ein abstraktes Gemälde zu konzipieren bzw. auszuarbeiten. » Groenhuizen, RobROB GROENHUIZEN – NLTerug naar bovenRob Groenhuizen is zijn carrière begonnen als illustrator en fotograaf. Volgde de grafische opleiding in Amsterdam en daarna "Ars Eamula Natura" een teken en schilders opleiding. Met leraren als gerenommeerde schilders de Wit en Hakkaart te Leiden. Als reclame fotograaf met een professionele opnamestudio ontwierp en realiseerde hij zijn gespoten of geschilderde decors voor een breed scala aan opdrachten, waaronder modedecors voor Wehkamp. Als illustrator manifesteerde Rob zich als airbrush-specialist op het hoogste niveau en leverde menig product voor de internationale reclamemarkt. Ook in zijn decorschilderingen wordt de airbrush techniek nog vaak gehanteerd. Na jaren van stilleven- en portretschilderen heeft Rob zich toegelegd op ook groter werk zoals decoratieschilderingen in bedrijven, muurschilderingen en decoraties op panelen. Verschillende schilderstijlen zoals 17e eeuws, surrealistisch of eigentijds realisme rolt uit zijn penseel. Naast schilderen en ontwerpen houdt Rob zich bezig met het 'stylen', kleuradvies en inrichten van woningen en bedrijven. Schilderen doet Rob over het algemeen in opdracht. ROB GROENHUIZEN - ENGBack to TopRob Green Houses began his career as an illustrator and photographer. Followed the graphic training in Amsterdam and then "Ars Natura Eamula" sign painters and training. With teachers as the renowned painters White and Hakkaart Leiden. As a commercial photographer with a professional recording studio he designed and realized sprayed or painted backdrops for a variety of tasks, including fashion sets for Wehkamp. As an illustrator Rob manifested as airbrush specialist at the highest level and produced many products for the international advertising market. In his paintings, the decor airbrush technique often used. After years of still life and portrait painting, Rob focused on even greater work in companies such as decoration paintings, murals and decorations on panels. Different painting styles such as 17th century, surreal or contemporary realism rolls out his brush. In addition to painting and designing Rob is concerned with the 'styling', color advice and design of homes and businesses. Painting does Rob generally commissioned. ROB GROENHUIZEN – GERZurück nach obenRob Groenhuizen begann seine Karriere als Illustrator und Fotograf. Es folgte in Amsterdam eine grafische Ausbildung und dann an der "Ars Eamula Natura"-Schule in Leiden eine Zeichen- und Kunstmalerei-Ausbildung. Mit renommierten Künstlern wie de Wit und Hakkaart als Lehrer .Als Werbefotograf mit einem professionellen Fotostudio entwarf und realisierte er seine gespritzten oder gemalten Hintergründe als Basis für vielerlei Aufträge, darunter u.a. Dekorationen für Wehkamp-Modefotos. Als Illustrator manifestierte Ron Groenhuizen sich auch als Airbrush-Spezialist auf höchstem Niveau. Er belieferte damit den internationalen Werbemarkt und setzte diese Airbrush-Technik auch ein für seine Hintergrundmalereien. Nach etlichen Jahren des Malens von Stilllebens und Porträts hat sich Rob Groenhuizen jetzt auch zugelegt auf grössere Arbeiten wie Dekormalereien in Betrieben und sowie Mauer- und Paneelmalereien. Er ist imstande diverse Malstile mit seiner Pinsel zu gestalten: "Gouden Eeuw", surrealistisch oder zeitgenössisch-realistisch .Neben seiner Kunstmalerei und seinen Designarbeiten beschäftigt Ron Groenhuizen sich auch mit "Styling"-Beratung bezüglich Farbe und Einrichtung für Privatwohnungen und Betriebe. Seine Kunstmalerei betreibt er allerdings nur noch im Auftrag. » Groot, Annemarie deANNEMARIE DE GROOT – NLTerug naar bovenAnnemarie de Groot begon haar carrière nadat zij was afgestudeerd aan de Academie voor Beeldende Kunst 'Minerva' in Groningen. Al haar hele leven is zij gefascineerd door het circus, theater, cabaret en festivals. Deze thema's komen vaak terug in haar werk door middel van clownachtige figuren, dieren en ballerina's. Het feit dat er vaak muziekinstrumenten in haar schilderijen te zien zijn komt omdat Annemarie deelneemt aan het Haydn Jeugd Strijkorkest. 'Muziekinstrumenten creëren een bepaalde atmosfeer. Ik hou van werken met nostalgische en theatrale elementen, soms in de sfeer van de jaren '20.' Naast de circus schilderijen schildert Annemarie graag naakten, landschappen en stillevens. Ze definieert haar stijl als expressionistisch. Voor musicals van Joop van den Ende maakte zij drieluiken. De drieluiken uit de musical 'The Phantom of the Opera' worden op de cd van het Haydn Jeugd Strijkorkest van 1999. Ondanks het feit dat ze de voorkeur geeft aan grote doeken maakt Annemarie ook kleinere schilderijen. Ze krijgt opdrachten vanuit de handelindustrie, zowel voor het verfraaien van kantoren als voor labels voor wijn en verpakkingen. Vanaf 1997 organiseert Annemarie ook workshops voor bedrijven. Op Teleac heeft zij een schildercursus gegeven dat in haar studio werd opgenomen. Annemarie heeft in New York, Zweden, België, Duitsland en Nederland geëxposeerd. In Groningen heeft zij haar expositieruimte aan de Ossenmarkt. ANNEMARIE DE GROOT - ENGBack to TopAnnemarie de Groot began her career after she graduated from the Academy of Fine Arts 'Minerva' Groningen. All her life she is fascinated by the circus, theater, cabaret and festivals. These themes recur frequently in her work through clown-like figures, animals and ballerinas. The fact that there are often musical to see in her paintings is because Annemarie participating in the Haydn Youth String Orchestra. 'Musical create a certain atmosphere. I love working with nostalgic and theatrical elements, sometimes in the atmosphere of the '20s. " In addition to the circus paintings Annemarie likes to paint nudes, landscapes and still lifes. She defines her style as expressionistic. For musicals of Joop van den Ende she made triptychs. The three parts of the musical "The Phantom of the Opera" are on the CD of Haydn Youth String Orchestra in 1999. Despite the fact that she prefers large canvases Annemarie also makes smaller paintings. She gets orders from the trading industry, both for decorating offices and for wine labels and packaging. From 1997 Annemarie also organizes workshops for businesses. On Teleac she has a painting course data that was recorded. In her studio Annemarie has exhibited in New York, Sweden, Belgium, Germany and the Netherlands. In Groningen issued its exhibition space to the Ossenmarkt. ANNEMARIE DE GROOT – GERZurück nach oben» Gubitz, JuliaJULIA GUBITZ – NLTerug naar bovenJulia Gubitz bouwt met de vrije hand kleisculpturen op in de vorm van huizen. De architectuur die ze uitbeeldt heeft een ancestrale uitstraling. Haar opleiding en ervaring in de schilderkunst en in de textieltechnologie verlenen aan haar bouwstructuren duidelijk symptomen van textuur en lijnenspel die lijken op gedrapeerd versteend textiel, waarop een sober koloriet is afgezet. Een schrale toepassing van glazuren en engobes laat de kleimaterie zichtbaar en voelbaar. Glanzende glazuren worden zelden gebruikt terwijl subtiele lijnen en kleuren van pastelstiften hun sporen lijken na te laten. Het gevoelsmatige van de vrouwenhand is hier duidelijk aanwezig. Kleine vensteropeningen en deurgaten doen dan weer denken aan de grotbewoners van Capadocie of aan de leemarchitectuur van Mali. JULIA GUBITZ - ENGBack to TopJulia Gubitz build with freehand clay sculptures in the shape of houses. The architecture that she represents has an ancestral character. Her training and experience in painting and textile technology services to its constructions obvious symptoms of texture and lines that resemble petrified draped fabric, which a sober coloring is deposited. A poor application of glazes and engobes let the clay material visible and palpable. Glossy glazes are rarely used, while subtle lines and colors of pastels seem to leave their mark. The emotional woman's hand is evident here. Small window openings and door holes do but think back to the cave dwellers of Capadocie or the mud architecture of Mali. JULIA GUBITZ – GERZurück nach obenJulia Gubitz baut freihändig Tonskulpturen in Häuserform. Die von ihr ausgebildete Architektur verfügt über eine altehrwürdige Ausstrahlung. Ihre Ausbildung und Erfahrung in der Kunstmalerei aber auch in der Textiltechnologie verleihen ihren baulichen Strukturen bezüglich Form und Linienspiel eine deutliche Ausdrucksweise in Richtung drapierter, versteinerter Stoff. Mit darauf wieder einfache Farbenspiele aufgetragen. Eine dürftige Anwendung von Glasuren und Engoben machen die Tonmaterie sichtbar und fühlbar. Glänzende Glasuren werden nur selten verwendet während die subtile Linienführung und die Pastellfarben (mit Stiften aufgetragen) künstlerischen Sporen versuchen nachzuziehen. Das Einfühlungsvermögen einer Frauenhand ist hier deutlich spürbar. Kleine Fensteröffnungen und Türdurchbrüche lassen an die Kappadokien-Grottenbewohner in Anatolien N.B.: in NL-tekst Cappadocie met 2 x "p" oder an die Lehmarchitektur Malis denken. » GuillaumeBack to Top» Haeken, JosJOS HAEKEN – NLTerug naar bovenHet zoeken naar balans is een belangrijk onderdeel van het werk van Jos Haeken. Of dit nu ontstaat in chaos of in harmonie het is steeds een proces van zoeken. Tijdens deze zoektocht laat hij zich inspireren door een viertal uitgangspunten: vorm (compositie), kleur (en lichtval), structuur (materiaalkeuze), verhoudingen (vorm in de ruimte). Jos Haeken heeft zich als doel gesteld om veelzijdig te blijven werken en zichzelf zodoende op een breed vlak te blijven ontwikkelen. Dit betreft ook zijn keuze voor materiaal en techniek. Hij is een bewonderaar van grote kunstenaars als Ossip Zadkine, Henry Moore, Pablo Picasso en William Turner. JOS HAEKEN- ENGBack to TopThe search for balance is an important part of the work of Jos Haeken. Whether this occurs in chaos or harmony is always a process of searching. During this quest, he is inspired by four principles: form (composition), color (and lighting), structure (material), relationships (shape in space). Jos Haeken has set a goal to continue working versatile and thus to continue to develop. Himself at a broad level This includes his choice of material and technique. He is an admirer of great artists such as Ossip Zadkine, Henry Moore, Pablo Picasso and William Turner. JOS HAEKEN – GERZurück nach obenDie Suche nach Balance ist ein wichtiger Bestandteil in den Arbeiten Jos Haekens. Ob dies nun sein Ursprung findet in Chaos oder in Harmonie, es ist immer ein Prozess des Suchens. Während diese Entdeckungsreisen lässt Jos Haeken sich dabei von vier Ausgangspunkten führen: Form (Komposition), Farbe (Lichteinfall), Struktur (Materialauswahl) und Verhältnis (räumliche Darstellung). Jos Haeken hat sich zur Aufgabe gemacht möglichst vielseitig zu arbeiten und sich breitflächig weiter zu entwickeln. Dies betrifft vor allem seine Wahl der zu verwendenden Materialien und der dazu erforderlichen Techniken. Er ist ein Bewunderer solcher grosser Künstler wie Ossip Zadkine, Henry Moore, Pablo Picasso und William Turner. » Hagen, EspenESPEN HAGEN – NLTerug naar bovenEspen Greger Hagen (Trondheim, Noorwegen, 1964 - 2008). Een groot deel van zijn jeugd brengt hij door in Tanzania. In 1980 volgt hij een studie tekenen in zijn geboorteplaats Trondheim en aansluitend volgt hij een studie schilderen en beeldhouwen aan het Emily Carr College van Vancouver. Na zijn studie in Vancouver volgt Hagen een studie schilderen en beeldhouwen aan de Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam waar hij in 1990 afstudeert. Tijdens, en na, zijn studie heeft het buitenland altijd aan Espen Hagen getrokken. Met regelmaat maakt hij lange trektochten door Noord Amerika en Mexico. Gedurende deze reizen maakt Espen portretten van de markante Noord Amerikaanse Indianen en de inheemse Mexicaanse bevolking. De opvallende en sprekende stijl van werken en de manier waarop Espen Hagen door de combinatie van verschillende technieken het "karakter" van zijn personages weet vast te leggen blijft niet onopgemerkt. Er volgen vele exposities, waaronder in Vancouver, Oslo, Kroatië, Massachusetts, Keulen en in Trondheim. In Amsterdam alleen al in onder meer het Vondelpark, Galerie Donkersloot, Beurs van Berlage, Het Magazijn en Hotel Okura, maar ook in Den-Haag (Hotel Des Indes), Maastricht en Naarden (het Arsenaal). Vanaf halverwege de 90-er jaren werkt Espen Hagen nauw samen met zijn vriend Herman Brood. Espen exposeert twee keer in Café Dante, waarvan één maal samen met Brood. In 1997 exposeren ze ook weer samen, dit keer in het Arsenaal van Jan des Bouvrie te Naarden. Door hun regelmatige gezamenlijk optreden en de vele doeken die zij samen produceerden wordt Espen Hagen vaak de protégé / opvolger van Herman Brood genoemd. Espen Hagen wordt heden tegenwoordig gezien als de "coming man" in de Nederlandse schilderskunst. Dankzij de veelvuldige exposities in zowel binnen- als buitenland en zijn regelmatige televisieoptredens is de ster van deze getalenteerde kunstenaar sterk reizende. Espen Greger Hagen is op donderdag 10 april overleden aan een hartstilstand. ESPEN HAGEN - ENGBack to TopEspen Greger Hagen (Trondheim, Norway, 1964-2008). A large part of his youth he lived in Tanzania. In 1980 he takes a drawing in his hometown Trondheim and then he studies painting and sculpture at the Emily Carr College of Vancouver. After studying in Vancouver Hagen is a study painting and sculpture at the Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam, where he graduated in 1990. During and after his studies abroad has always drawn Espen Hagen. He regularly makes long treks through North America and Mexico. During these trips Espen makes portraits of prominent North American Indians and the indigenous Mexican population. The striking and speaking style of work and the way Espen Hagen through the combination of different techniques "character" of his characters do capture does not go unnoticed. There followed numerous exhibitions, including Vancouver, Oslo, Croatia, Massachusetts, Cologne and in Trondheim. In Amsterdam alone include Vondelpark, Donkersloot Gallery, Beurs van Berlage, The Warehouse and Hotel Okura, but also in The Hague (Hotel Des Indes), Maastricht and Naarden (Arsenal). From the mid 90's Espen Hagen works closely with his friend Herman Brood. Espen exhibited twice at Cafe Dante, which once together with bread. In 1997 she exhibited together again, this time in the Arsenal of Jan des Bouvrie Naarden. Through their regular joint action and the many paintings they produced together Espen Hagen is often called the protege / successor of Herman Brood. Espen Hagen is present now seen as the "coming man" in Dutch art painter. Thanks to the many exhibitions both at home and abroad, and his regular television appearances is the star of this highly talented artist traveling. Espen Greger Hagen on Thursday, April 10th deceased cardiac arrest. ESPEN HAGEN – GERZurück nach obenEspen Greger Hagen (1964-2008) wurde in Trondheim (Norwegen) geboren. Einen grossen Teil seiner Jugend verbrachte er in Tansania. 1980 belegte er einen Zeichenkurs in seinem Geburtsort Trondheim und anschliessend studierte er Kunstmalerei und Bildhauerei an der "Emily Carr College"-Akademie in Vancouver. Anschliessend ging er zur "Gerrit Rietveld"-Akademie in Amsterdam, wo er 1990 abstudierte. Auch während und nach seinen Studien hat es ihm immer ins Ausland gezogen. Regelmässig machte er lange Wanderungen durch Nord-Amerika und Mexico. Während dieser Reisen machte Espen Hagen seine markanten Porträts der nordamerikanischen Indianer und der einheimischen Bevölkerung Mexicos. Sein auffälliger und ausdrucksvoller Arbeitsstil und die Art und Weise wie er durch die Kombination unterschiedlicher Techniken den "Charakter" seiner abgebildeten Personen festzulegen vermag, blieben nicht unbemerkt. Es folgten viele Ausstellungen u.a. in Vancouver, Oslo, Kroatien, Massachusetts, Köln und Trondheim. Auch In Amsterdam hat er an vielen Orten ausgestellt: Vondelpark, Galerie Donkersloot, Beurs van Berlage, Het Magazijn und Hotel Okura. Und auch in den übrigen Niederlanden wie in Den Haag (Hotel des Indes), in Maastricht und in Naarden (Het Arsenaal) .Ab Mitte der achtziger Jahre arbeitet Espen Hagen auch zusammen mit seinem Freund Herman Brood. Er macht zwei Ausstellungen im Café Dante, davon eine mit Herman Brood zusammen. 1997 stellen beide zusammen aus in Naarden im "Jan des Bouvrie-Arsenaal"-Haus. Wegen des regelmässigen, gemeinsamen Auftretens beider Künstler und der vielen Arbeiten, die sie zusammen produzieren, wird Espen Hagen oft den Schützling / Nachfolger von Herman Brood genannt. Espen Hagen wurde damals als "coming man"-Figur in der niederländischen Malerei betrachtet. N.B.: "heden" en "tegenwoordig" in NL-tekst is niet juist (is immers dood). Heb daarom uit "wordt" "werd" gemaakt en ook zo vertaald. Dank seiner vielfachen Ausstellungen im In- und Ausland und seiner häufigen Fernsehauftritte stieg der Bekanntheitsgrad diese talentierten Künstlers in jenen Jahren stark an N.B.: ook hier is in den NL-tekst "is" niet juist maar "was" Leider verstarb Espen Greger Hagen am 10. April 2008 er bij an einem Herzstillstand. » Hamann, ThomasTHOMAS HAMANN – NLTerug naar bovenThomas Hamann is geboren in Stuttgart in 1955. In 1975 studeerde hij Kunst en Design in Aken aan de Universiteit van Technologie. In 1979 ging hij naar de Academie voor Toegepaste Kunsten in Maastricht en ging daar aan de slag met schilderen. In 1983 maakte hij zijn eerste reis naar Centraal Afrika, dat al snel de basis vormde voor zijn toekomstige werk. Hamann heeft onder andere geëxposeerd in Duitsland, Portugal, Zwitserland, Spanje, de Verenigde Staten, Libanon en Frankrijk. THOMAS HAMANN - ENGBack to TopThomas Hamann was born in Stuttgart in 1955. In 1975 he studied Art and Design at the Aachen University of Technology. In 1979 he attended the Academy of Applied Arts in Maastricht and went to work painting. In 1983 he made his first trip to Central Africa, which soon became the basis for his future work. Hamann has exhibited in Germany, Portugal, Switzerland, Spain, the United States, Lebanon and France. THOMAS HAMANN – GERZurück nach obenThomas Hamann wurde 1955 in Stuttgart geboren. Im Jahre 1976 studierte er Kunst und Design an der RWTH Aachen Universität, Abteilung Technologie. N:B:: "Universiteit van Technologie" is niet juist 1979 wechselte er an die Maastrichter "Academie Beeldende Kunsten"-Akademie und studierte dort Kunstmalerei. N.B.: in NL-tekst is "toegepaste" niet juist 1983 machte er seine erste Reise nach Zentral-Afrika, welcher Teil Afrikas bereits rasch die Basis für seine künftige Arbeit werden sollte. Hamann hat u.a. ausgestellt in Deutschland, in Portugal, in der Schweiz, in Spanien, in den Vereinigten Staaten, in dem Libanon und in Frankreich. » Hansse, TolTOL HANSSE – NLTerug naar bovenTol Hansse (pseudoniem van Johannes Adrianus (Hans) van Tol, Amsterdam, 3 april 1940 - Heerhugowaard, 29 april 2002), was een Nederlands zanger, componist, muzikant, liedjesschrijver, cabaretier en kunstschilder. Hij verwierf grote bekendheid met zijn singles "Big City" (1977) en "Achter de Rhododendron" (1978), beide afkomstig van het album Tol Hansse Moet Niet Zeuren. "Big City" stond in 1978 twaalf weken genoteerd in de hitparade, en de single werd bekroond met goud. De LP Tol Hansse Moet Niet Zeuren behaalde de eerste plaats in de albumlijst en werd platina. In hetzelfde jaar ontving hij een Zilveren Harp. Het handelsmerk van Hansse is een combinatie van factoren: een ijzersterk gevoel voor metrum als tekstschrijver, Clous van Mechelens door saxofoonspel gedomineerde arrangementen, zijn nasale stemgeluid en kurkdroge humor in de veelal anekdotische teksten. Hansse was tevens kunstschilder. Hij begon zijn carrière echter als cabaretier. Zijn albumhoezen zijn ontleend aan de schilderijen van zijn hand. Tussen oktober 1997 en december 1999 schreef hij ook nog in totaal 56 columns in het Noordhollands Dagblad, die hij "Tollums" noemde. Tol Hansse was een zoon van de tekstschrijver Jacques van Tol. Tol studeerde trompet en piano aan het conservatorium in Amsterdam, en maakte samen met saxofonist en componist Clous van Mechelen deel uit van de rockgroep The Sharks. Daarnaast begeleidde hij cabaretier Tom Manders (alias Dorus) op trompet. In 2002 overleed hij op 62-jarige leeftijd aan longkanker. TOL HANSSE - ENGBack to TopToll Hansse (pseudonym of Johannes Adrianus (Hans) van Tol, Amsterdam, April 3, 1940 - Heerhugowaard, April 29, 2002) was a Dutch singer, composer, musician, songwriter, comedian and artist. He gained fame with his singles "Big City" (1977) and "Behind the Rhododendron" (1978), both from the album Tol Hansse Should Not Whine. "Big City" was recorded in 1978, twelve weeks in the charts, and the single was awarded gold. The LP Toll Hansse Should Not Whine won first place in the album charts and went platinum. In the same year he received a Silver Harp. The trademark of Hansse is a combination of factors: a strong sense of meter as a lyricist, Clous van Mechelen's dominated play saxophone arrangements, his nasal voice and bone-dry humor in the mostly anecdotal texts. Hansse was also a painter. However, he began his career as a comedian. His album covers are derived from the paintings of his hand. Between October 1997 and December 1999, he also wrote a total of 56 columns in the Noordhollands newspaper, which he called "Tollums". Tol Hansse was a son of the writer Jacques van Tol. Tol studied trumpet and piano at the Conservatory of Amsterdam, and together with saxophonist and composer Clous van Mechelen part of the rock band The Sharks. In addition, he led comedian Tom Manders (aka Dorus) on trumpet. In 2002 he died at age 62 from lung cancer. TOL HANSSE – GERZurück nach oben» Harpenau, PattyPATTY HARPENAU – NLTerug naar bovenPatty Harpenau (Amsterdam, 1959) voltooide haar kunstopleiding aan de Kunstacademie Betzahel in Jeruzalem. Ze exposeerde in Jeruzalem en Tel Aviv en keerde terug naar Nederland waar haar internationale carrière begon. Ze startte met een expositie in het Hilton Hotel, waarna ze al snel bekendheid verwierf en exposities in binnen- en buitenland volgden. Twee jaar later kwam een droom voor haar uit en opende zij haar eerste expositie in het hart van de kunstwereld, de Spiegelstraat in Amsterdam. In datzelfde jaar opende Harpenau ook een expositie in Atlanta (USA). De Telegraaf kreeg haar in het vizier en wijdde in een weekendbijlage een groot artikel aan haar: Bijstandsmoeder schildert zich rijk. Het effect van deze publicatie liet niet lang op zich wachten. Harpenau was maanden erna nog onderwerp van talrijke artikelen en gast in diverse talkshows op de televisie. "Vanaf die dag," vertelt ze zelf, "veranderde mijn leven. Wat ik nooit voor mogelijk had gehouden, gebeurde." Haar carrière ontwikkelde zich snel. Waar in 1991 haar schilderijen werden gedomineerd door primaire kleuren en duidelijke composities, waarbij de achtergrond duidelijk ondergeschikt was aan het beeld, zo bleek in 1993 dat haar werk duidelijk was geëvolueerd. In dat jaar opende zij haar expositie in Blaricum met het thema 'Back to Basics' waarin zij haar verhaal vertelde hoe zij onder de druk van het succes op zoek was gegaan naar verdieping in zowel zichzelf als in haar schilderijen. Harpenau, die aanvankelijk naam had gemaakt met de bijna neo-Cobra-achtige en soms naar popart neigende werken, waarin zij op zoek ging naar het kind in de kunstenaar, raakte gaandeweg geïnspireerd door het aspect 'vrouw achter kunstenaar' getuige haar volgende expositie 'Anima Mundi'. In 1994 schreef Patty Harpenau haar eerste boek. Tegelijkertijd schilderde zij haar expositie met het thema 'Drowning by Numbers' waarin zij op zoek gaat naar de perfecte eenvoud. In 1995 valt haar werk op door verdere verdieping. Het bijna naïeve, speelse karakter van weleer heeft plaats gemaakt voor een volwassen, volstrekt eigen signatuur. In ditzelfde jaar vierde Patty Harpenau haar lustrumjubileum als zelfstandig kunstenaar en dit was voor haar reden voor het uitbrengen van een zeefdruk, getiteld 'L'enfant du Soleil'. Patty Harpenau vertelt: "Ik ben altijd een kind van de zon gebleven, dit schilderij is mijn verhaal als kunstenaar." Later dat jaar was er een succesvolle expositie met als titel 'Tarot en verder'. De kritieken waren lovend, zo noemde het kunstblad Tableau haar werk veelbelovend en volwassen. Patty Harpenau heeft voor verschillende bedrijven opdrachten vervaardigd, waaronder ABN-AMRO, Amnesty International, Gamma en World Online. Haar werk is over de hele wereld te zien (geweest), zo heeft zij exposities gehad in Israël, Duitsland, Amerika en Nederland. PATTY HARPENAU – ENGBack to TopPatty Harpenau (Amsterdam, 1959) completed her art studies at the Art Academy in Jerusalem Betzahel. She exhibited in Jerusalem and Tel Aviv and returned to the Netherlands began her international career. They started with an exhibition at the Hilton Hotel, after which she gained fame quickly and exhibitions at home and abroad followed. Two years later, a dream came true for her and she opened her first exhibition in the heart of the art world, the mirror in Amsterdam. In the same year Harpenau also opened an exhibition in Atlanta (USA). The Telegraph got her in sight, and in a weekend supplement devoted a long article to her: Wellfare paints himself rich. The effect of this publication was not long in coming. Harpenau months after it was still the subject of numerous articles and featured on several talk shows on television. "From that day," she tells himself, "changed my life. What I had never thought possible happened." Her career developed rapidly. Where in 1991, her paintings were dominated by primary colors and bold compositions, in which the background was clearly subordinate to the image, as it appeared in 1993 that her work had clearly evolved. In that year she opened her exhibition in Blaricum with the theme "Back to Basics" in which she told her story of how she had gone to the floor in both herself and in her paintings. Looking under the pressure of success Harpenau, who initially had made with the almost neo-Cobra-like and sometimes pop-leaning works, which she started looking for the child in the artist name became gradually inspired by the aspect of 'woman behind artist' witness her next exhibition ' Anima Mundi. In 1994 Patty Harpenau wrote her first book. At the same time she painted her exhibition with the theme "Drowning by Numbers" in which she goes in search of the perfect simplicity. In 1995, her work is characterized by further deepening. It almost naive, playful character of yesteryear has given way to a mature, completely unique signature. In the same year Patty Harpenau celebrated its jubilee anniversary as an independent artist, and this was her reason for releasing a silkscreen titled "L'enfant du Soleil. Patty Harpenau says: "I've always been a child of the sun, this painting is my story as an artist." Later that year there was a successful exhibition entitled "Tarot and beyond." The critics were enthusiastic, so calling it art magazine Tableau her work promising and mature. Patty Harpenau has made orders for various companies, including ABN-AMRO, Amnesty International, and Gamma World Online. Her work can be seen (been) all over the world as she has had exhibitions in Israel, Germany, America and the Netherlands. PATTY HARPENAU – GERZurück nach oben» Hart, Gerard tGERARD ‘T HART – NLTerug naar bovenGerard 't Hart (1933) is een reiziger in de meeste pure zin van het woord; een reiziger die onbekende gebieden en andere culturen ontdekt om op die manier de essentie van de andere werelden te ervaren. Dit avontuur resulteert in een zoektocht naar iemands ziel en emotie. In zijn studio in Den Haag worden zijn kleurrijke, dynamische, semi-abstracte schilderijen gemaakt, omringd door de souvenirs van zijn reizen. Gerard 't Hart is opgeleid aan de Vrije Academie in Den Haag. Hij werd internationaal bekend om zijn papierscheursels. Hij slaagt erin de toeschouwer te raken met de kracht van de unieke kleuren, zowel de diepte en het ritme van de compositie en de monumentale structuur. Naast de papierscheursels maakt Gerard ook krijttekeningen en schilderijen in acryl en olieverf. Dit werk is minder abstract maar losjes en meer direct. Door de manier waarop Gerard 't Hart boeddhistische kloosters, hindoeïstische tempelfestivals en inheemse Amerikaanse ceremoniële dansen uitbeeld worden deze voorstellingen zelf monumenten. Deze zijn opgericht om de andere cultuur te eren, vanwege het belang van het landschap en de mystieke rituelen. GERARD ‘T HART - ENGBack to TopGerard 't Hart (1933) is a traveler in the purest sense of the word, a traveler unfamiliar areas and discover other cultures to experience the essence of other worlds that way. This adventure resulted in a search for a person's soul and emotion. In his studio in The Hague are colorful, dynamic, semi-abstract paintings are created, surrounded by souvenirs from his travels. Gerard 't Hart was educated at the Vrije Academie in The Hague. He became internationally known for its paper crack spreads. He manages to hit with the power of the unique colors, both the depth and rhythm of the composition and the monumental structure the spectator. In addition to the paper crack spreads Gerard makes chalk drawings and paintings in acrylic and oil. This work is less abstract and more direct but loosely. By the way Gerard 't Hart Buddhist monasteries, Hindu temple festivals and Native American ceremonial dances portrays these performances are themselves monuments. These were established to honor, because of the importance of the landscape and the mystical rituals. GERARD T HART – GERZurück nach obenGerard 't Hart (1933) ist im reinsten Sinne des Wortes ein Reisender: Ein Reisender, der unbekannte Gebiete und andere Kulturen entdecken möchte um auf dieser Weise die Essenz anderer Welten zu erfahren. Dieses Abenteuer resultieren in einer Suche nach Seele und Emotionen des Menschen. In seinem Studio in Den Haag, umgeben von den Souvenirs seiner Reisen, entstehen seine farbintensiven, dynamischen semi-abstrakten Gemälde. Gerard 't Hart wurde an der "Vrije Academie"-Akademie in Den Haag ausgebildet und ist international bekannt geworden wegen seiner Papierfetzenbilder. Heute gelingt es ihm den Zuschauer zu berühren mit der Kraft seiner einmaligen Farben, mit der Tiefe und dem Rhythmus seiner Kompositionen und mit der monumentalen Struktur seiner Werke. Ausser seinen Papierfetzenbilder macht Gerard 't Hart auch Kreidezeichnungen sowie Acryl- und Ölgemälde. Diese Arbeiten sind weniger abstrakt und eher etwas lockerer und direkter. Durch die Art 't Harts buddhistische Kloster, hinduistische Klosterfeste und indianische Zeremonientänze abzubilden, werden diese einheimischen Äusserungen selbst zu Monumenten. Die auch deshalb von ihm errichtet wurden um diese anderen Kulturen in Hinblick auf die Wichtigkeit der Landschaften und der darin eingebetteten mystischen Rituale.zu ehren. » Hasegawa, ShoichiSHOICHI HASEGAWA – NLTerug naar bovenShoichi Hasegawa is geboren in Yaizu in Japan in 1929. Zijn eerste expositie hield hij op 28-jarige leeftijd in 1957. In 1961 ging hij op 32-jarige leeftijd naar Frankrijk om daar de technieken van het houtblokprinten te leren in Atelier17. Hij werkte daar onder Stanley Hayter. In 1972 won hij de Young Contemporary Print Artist Award in Tokyo, onderdeel van The Third Culture International Print Exhibition. Later had hij ook exposities in Parijs, Brussel, Straatsburg, Tokyo, Kobe, Nagoya en Duitsland. In Parijs leerde Shoichi Hasegawa ook de techniek van het kleuretsen en aquatinten. Musea in Frankrijk en de Verenigde Staten ontdekten een eenheid in oosterse en westerse expressie in zijn collectie. Dit dualisme staat symbool voor al zijn werk. SHOICHI HASEGAWA - ENGBack to TopShoichi Hasegawa was born in Yaizu in Japan in 1929. His first exhibition he held at the age of 28 in 1957. In 1961 he went to the age of 32 to France to learn Atelier17. Techniques of woodblock printing He worked there under Stanley Hayter. In 1972 he won the Young Artist Award in Tokyo Contemporary Print, part of The Third Culture International Print Exhibition. Later he also had exhibitions in Paris, Brussels, Strasbourg, Tokyo, Kobe, Nagoya and Germany. In Paris, Shoichi Hasegawa also learned the technique of color etchings and aquatints. Museums in France and the United States discovered a unit in eastern and western expression in his collection. This dualism is a symbol for all his work. SHOICHI HASEGAWA – GERZurück nach obenShoichi Hasegawa wurde 1929 in Yaizou (Japan) geboren. Seine erste Ausstellung hatte er 1957 im Alter von 28 Jahren. 1961ging er im Alter von 32 Jahren nach Frankreich um dort im Pariser "Atelier17"-Studio die Technik des Holzblockdruckes zu erlernen. Hier war Stanley Hayter sein Lehrmeister. 1972 gewann er die "Young Contemporary Print Artist"- (Award-)Auszeichnung im Rahmen des "The Third Culture International Print Exhibition"-Festivals. Später hatte er noch Ausstellungen in Paris, in Brüssel, in Strassbourg, in Tokio, in Kobe, in Nagoya und in Deutschland. In Paris erlernte Shoichi Hasegawa auch die Techniken der Farbradierund und der Aquatinta. Museen in Frankreich und in den Vereinigten Staaten entdeckten in seinen Arbeiten eine einheitliche Ausdrucksweise im orientalischen und westlichen Verständnis .Dieser Dualismus ist für sein Gesamtwerk als symbolisch einzustufen. » Hassel, Ad vanAD VAN HASSEL – NLTerug naar bovenAd van Hassel (Roosendaal, 1953) volgde zijn opleiding tot beeldend kunstenaar in het atelier van Maarten Krabbe. Daar ontwikkelde hij vaardigheden in verschillende technieken. Stadsgezichten, landschappen en bloemstillevens zijn vaak het thema van zijn werk. Zijn stadsgezichten getuigen van een buitengewoon scherp inzicht in ruimtelijk perspectief. Met name in zijn etsen wordt met gevoel voor detail en haast moeiteloze trefzekerheid een perspectivisch lijnenspel afgebeeld. In 1985 werd dan ook een ets van hem opgenomen in het Rijksprentenkabinet van het Rijksmuseum in Amsterdam. Tussen 1981 en 1986 had Ad van Hassel zijn eigen kunsthandel. Maar ondanks het zakelijke succes heeft zijn werk als kunstenaar steeds meer de overhand gekregen en heeft hij zich een aantal jaren geleden opnieuw als vrij kunstenaar gevestigd. Werkte hij voorheen voornamelijk naar de werkelijkheid, nu laat hij zijn fantasie de vrije loop en concentreert hij zich op het zeefdrukken, waarin zijn voorkeur voor kleurenspel alle ruimte krijgt. "Voortgang op een ingeslagen weg is belangrijk. Ontwikkeling in plaats van stilstand. Alleen dan is verjonging het resultaat van het voortschrijden van de tijd, om R. Tagore (1895) te citeren: "Man is like a born child. His power is the ability to grow. AD VAN HASSEL - ENGBack to TopAd van Hassel (Roosendaal, 1953) was trained as a visual artist in the studio of Martin Krabbe. There he developed skills in various techniques. Cityscapes, landscapes and flower still lifes are often the subject of his work. His cityscapes reveal a extraordinarily keen understanding of spatial perspective. Particularly in his etchings with attention to detail and almost effortless accuracy is a perspective lines shown. In 1985 was therefore an etching by him entered in the Print Room of the Rijksmuseum in Amsterdam. Between 1981 and 1986, Ad van Hassel had his own gallery. But despite the commercial success as an artist, his work has increasingly gained the upper hand and he has established a few years ago, again as an independent artist. He previously worked mainly to reality, now he lets his imagination run wild, and he focuses on screen printing, which are preferably given room for iridescence. "Progress on a path is important development rather than halt only rejuvenation is the result of the passing of time, to quote R. Tagore (1895):.." Man is like a born child. His power is the ability to grow. " AD VAN HASSEL – GERZurück nach obenAd van Hassel wurde 1953 in Roosendaal geboren .Er liess sich ausbilden zum bildenden Künstler im Atelier von Maarten Krabbe .Dort erlernte er Fertigkeiten in unterschiedlichen Techniken. Stadtansichten, Landschaften und Blumenstillleben sind oft das Thema seiner Arbeiten .Seine Stadtansichten zeigen ein aussergewöhnliches Einfühlungsvermögen in räumliche Perspektiven. Besonders in seinen Radierungen wird mit viel Gefühl für Detaitreue und fast mühelose Treffsicherheit ein gelungenes perspektives Linienspiel entwickelt. 1985 wird gar eine Radierung des Künstlers aufgenommen in die "Rijksprentenkabinet"-Sammlung des Amsterdamer Rijksmuseums. In den Jahren 1981-1986 hatte Ad van Hassel einen eigenen Kunsthandel. Aber trotz des wirtschaftlichen Erfolges hat sein künstlerisches Wirken dennoch immer mehr und stärker die Oberhand gewonnen .Sodass er sich vor einigen Jahren erneut als bildender Künstler etablierte. Hatte er sich früher mehr an die Wirklichkeit orientiert, so lässt er jetzt seine Fantasien freien Lauf. Und hat er sich konzentriert auf den Siebdruck, in dem seine Vorliebe für Farbspiele viel Platz bekommt. Ad van Hassel sagt hierzu: "Fortgang auf einem eingeschlagenen Weg ist wichtig. Fortschritt statt Stillstand. Nur dann ist Verjüngung das Resultat des Fortschreitens der Zeit. Oder um Tagore zu zitieren: "Man is like a born child. His power is the ability to grow"". » Heck, EdED HECK – NLTerug naar bovenFris, vet & boeiend! Deze woorden komen vaak op als je de illustraties van kunstenaar Ed Heck bekijkt. Men wordt onmiddellijk ontwapend door de naïeve charme van de felgekleurde werken op papier en doek. Ed Heck's raadselachtige doeken werden voor het eerst tentoongesteld in New York city in 1999 en waren meteen een hit. De reacties van de kijkers waren overweldigend, ze varieerden van verrassend tot puur genot. Zijn illustraties trekken een gevarieerd publiek van nieuwkomers in de kunst, tot serieuze verzamelaars. De eclectische stijl combineert "animatie als onderwerp" met een "suggestief gebruik van kleur", gekoppeld een wrang gevoel voor humor met een gulle doses van ironie. Dit klinkt als een bijzonder recept ! Ed's beelden leiden ons naar een unieke plaats, gevuld met rare en wonderlijke personages, oneven landschappen en een eigenzinnig visueel punt van weergave. Welkom in de wereld van Ed Heck, exclusief voor Nederland bij IQ ! ED HECK - ENGBack to TopFresh, bold and exciting! These words often come up when you look at the illustrations by artist Ed Heck. One is immediately disarmed by the naive charm of the brightly colored works on paper and canvas. Ed Heck's enigmatic canvases were exhibited for the first time in New York City in 1999 and was an instant hit. The reactions of the viewers were overwhelming, they ranged from surprise to pure pleasure. His illustrations attract a diverse audience of newcomers to the art, to serious collectors. The eclectic style combines "animation subject" with an "evocative use of color", coupled with a wry sense of humor with a generous dose of irony. This sounds like a special recipe! Ed's images lead us to a unique place, filled with weird and wonderful characters, odd landscapes and a quirky visual point of view. Welcome to the world of Ed Heck, except for the Netherlands at IQ! ED HECK – GERZurück nach oben» HegelschrikBack to Top» Heidweiller, GeorgeGEORGE HEIDWEILLER – NLTerug naar bovenEen van de mogelijke redenen waarom het werk van Heidweiller zo aanspreekt, is dat het een verraderlijk heldere beeldtaal heeft en een contrastrijke gelaagdheid, in zowel vorm als techniek. Met uiterst vitale beelden van thema’s als reizen, culturen, media en psycho-activa lokt Heidweiller je naar zijn collages. Zijn composities, waarin fragmenten door elkaar zijn gemonteerd, doen denken aan de popartstroming uit de jaren vijftig en zestig. Dit komt niet alleen vanwege de aangehaalde thematiek, maar ook door het gebruik van uiteenlopende technieken als zeefdruk, krijt, verf, airbrush, inkt, fotografie en digitale bewerkingen. Heidweiller’s montagetechniek sluit naadloos aan bij het actuele kunstbeeld, waarin oude, nieuwe en van elkaar verschillende elementen binnen één concept worden geïntegreerd. Denk aan muzieksamples, de ‘mix and match’ hype of de fusionkeuken. Denk ook aan Tarantino. Naast zijn fascinatie voor geweld en popcultuur, bewondert Heidweiller de ‘cut and paste’-methode van deze Amerikaanse regisseur, waarbij scènes en karakters uit andere films in nieuwe producties worden hergebruikt. Ook George mixt fragmenten van verschillende herkomst. Zo zie je bijvoorbeeld een foto van zijn roadtrip van Las Vegas naar Reno uit 2005 naast een Japans kauwgumplaatje, dat hij in 1988 ergens op straat vond. Een scheiding tussen een tastbare werkelijkheid en een fantastische wereld is er voor Heidweiller niet. Dat zijn stijl aansluit bij de tijdgeest van nu ervaart Heidweiller wel als prettig, al gaat hij er niet anders door schilderen. “Vergeet niet dat mijn actuele werk het resultaat is van een langdurig onderzoek naar het combineren van technieken en grafische elementen.” Heidweiller begint zijn onderzoek in 1981 aan de Koninklijke Academie in Den Haag, waar hij 1 jaar schilderen en 3 jaar grafische vormgeving studeert. Hij loopt stage bij Freek Henkes. Een vliegende start met aankoop van werken door de gemeente Den Haag brengt hem naar het Amsterdamse galerie circuit en vanaf 1987 bouwt hij gestaag aan zijn oeuvre met afwisselend solo- en groepsexposities. Naast zijn schilderwerk begint hij met het ontwerpen van t-shirts, runt hij een uitgeverij van kunst en bladen, opent hij een cultuurpand en is lange tijd directeur van een zeefdrukkerij, waarin hij zijn eigen werk drukt en dat van kunstenaars als Peter Klashorst, Paul Blanka en Herman Brood. Ondertussen assisteert hij Herman Brood bij het maken van diens achtergronden. “Omdat we een totaal verschillende stijl hadden, konden we goed samenwerken. Herman was mijn leermeester wat betreft de verkoop. Subsidiekunst, daar konden we beiden niet goed tegen.” Heidweiller’s spontane manier van werken heeft meerdere raakvlakken met zijn leermeester. In zijn atelier werkt hij aan 5 tot 10 doeken tegelijk. “Ik verander vaak van kleur of concept, vlak grote gedeeltes weg en begin dan weer vanuit heel andere structuren, laag over laag.” In een soort trance wisselt hij van doek naar doek. Het gaat om de beweging, om het moment. Hij heeft geen opzet of plan. Er is slechts een mantra die hem voort stuwt. Als hij uit zijn trip stapt, staan er weer 10 opzetten -vol druipers, contrasten en laklagen- klaar. In zijn actuele werk verbeeldt Heidweiller alle prikkels en sensaties, die je binnen de fractie van 1 seconde kunt ervaren. Zo kun je op straat lopen en een gesprek voeren middels je mobiele telefoon terwijl je een sigaret rookt, stadsmeubilair ontwijkt en glimlacht naar een willekeurige passant. Daarbij zie je, voel je en ruik je dingen, en kun je aan iets heel anders denken. “Het gaat mij om de dynamiek van het moment, die ik met een radicale mix op één doek probeer te vangen. Omdat je op zijn doeken veelal westerse straatbeelden, oosterse iconen en Zuid-Amerikaanse landschappen naast elkaar ziet, krijg je het gevoel dat je op wereldreis bent. De beelden die je ziet zijn helder, maar dat is verraderlijk. Want net als je denkt dat je alles hebt gezien, ontdek je nieuwe plekken en verbanden, die je voorheen niet had gezien. Heidweiller blijft je verrassen. Let’s get lost! GEORGE HEIDWEILLER - ENGBack to TopOne of the possible reasons why the work of Heidweiller so appealing is that it is an insidious clear imagery and has a high-contrast layering, in both form and technique. With extremely vital images of themes such as travel, culture, media and psychological assets Heidweiller lures you into his collages. His compositions, which fragments are assembled together reminiscent of the pop art movement of the fifties and sixties. This is not only because of the themes mentioned, but also through the use of various techniques such as screen printing, chalk, paint, airbrush, ink, photography and digital operations. Heidweiller's assembly technology fits perfectly with the current art image, which are integrated. Old, new and diverse elements within a concept Think of music samples, the 'mix and match' hype or fusion cuisine. Consider also Tarantino. In addition to his fascination with violence and pop culture, Heidweiller admires the 'cut and paste' method of this American film director, with scenes and characters from other movies are reused. In new productions George also mixes fragments of various origins. For example, you can see a picture of his road trip from Las Vegas to Reno from 2005 next to a Japanese gum picture, he found somewhere on the street in 1988. A separation between a tangible reality and a fantastic world is there for Heidweiller not. That fits his style in the spirit of now Heidweiller experience as pleasant, though he is no different from painting. "Remember that my current work is the result of a lengthy investigation into combining techniques and graphics." Heidweiller began his research in 1981 at the Royal Academy in The Hague, where he is painting one year and three years studying graphic design. He runs an internship at Freek Henkes. A flying start with the purchase of works by the Hague brings him to the Amsterdam gallery circuit and from 1987 he is steadily building his work with alternating solo and group exhibitions. In addition to his painting, he started designing t-shirts, he runs a publishing house of art and magazines, he opens a cultural property and has long been a director of a screen printing, in which he expresses his own work and that of artists such as Peter Klashorst, Paul Blanka and Herman Brood. Meanwhile, he assists Herman Brood in making his backgrounds. "Because we had a totally different style, we could work well together. Herman was my teacher in terms of sales. Grant Arts, where we both could not cope." Heidweiller's spontaneous way of working has several similarities with his teacher. In his studio he works from 5 to 10 canvases simultaneously. "I often change color or concept, large surface areas and start over again from all other structures, layer upon layer." In a trance, he changes from canvas to canvas. It is the movement for the moment. He has no intention or plan. There is only one mantra that propels him forward. When he gets out of his trip, there are another 10 set-full drips, contrasts and clear coat ready. In his current work Heidweiller represents all stimuli and sensations you can experience within the group. 1 second So you can walk down the street and make a call using your cell phone while you smoke a cigarette, street furniture dodges and smiles to any passer-by. You, taking you see feel and smell things, and you think of something completely different. "It's going to catch me. Dynamics of the moment, I'm trying a radical mix on a cloth Because you are canvases mostly western streetscapes, oriental icons and South American landscapes look next to each other, you get the feeling that you are on a world tour. The images you see are clear, but it is insidious. Because just when you think you've seen everything, you discover new places and relationships that you had not seen before. Heidweiller continues to surprise you. Let's get lost! GEORGE HEIDWEILLER – GERZurück nach obenEine der Möglichkeiten, weswegen das Werk Heidweillers den Betrachter so intensiv anspricht, dürfte wohl die verräterisch klare Bildsprache sein sowie der kontrastreiche Aufbau in Form und Technik. Mittels äusserst vitaler Bilder von solchen Themen wie Reisen, Kulturen, Medien und psychischen Stimulanzen lockt Heidweiller den Betrachter zu seinen Collagen .Seine Kompositionen mit durcheinander montierten Fragmenten rufen Erinnerungen auf an die Pop-Art-Strömungen der fünfziger und sechziger Jahre. Dies geschieht nicht nur wegen seiner thematischen Ansätze sondern auch wegen des Gebrauchs unterschiedlichster Techniken wie Siebdruck, Kreide, Airbrush, Tinte, Fotografie und digitale Bearbeitung. Heidweillers Montagetechnik schliesst nahtlos an auf das aktuelle Kunstverständnis, in welchem alte, neue und von einander unterschiedlichen Elemente innerhalb eines Konzepts integriert werden. Hierbei ist zu denken an Musiksamples, an den "mix and match"-Hype oder gar an die Fusionsküche. Aber auch an Quentin Tarantino. Neben dessen Faszination für die Gewalt und die Popkultur bewundert Heidweiller auch die "curt and paste"-Methode dieses amerikanischen Regisseurs, wobei Szenen und Charaktere aus anderen Filmen in neue Produktionen eingebaut werden. Auch George Heidweiller mixt Fragmente unterschiedlcher Herkunft. So ist beispielsweise ein Foto einer "roadtrip".Reise von Las Vegas nach Reno im Jahre 2005 neben einem Kaugummibildchen montiert, dass er irgendwo auf der Strasse gefunden hatte. Eine Trennlinie zwischen einer fühlbaren Realität und einer fantastischen Welt gibt es für Heidweiller nicht. Dass sein Stil anschliesst auf den Jetzt-Zeitgeist erfährt der Künstler als angenehm aber deswegen wird er sich nicht anders aufstellen. Er sagt hierzu: "Vergessen Sie bitte nicht, dass mein aktuelles Werk das Resultat einer langwierigen Suche nach möglichen Technik- und Grafik-Kombinationen darstellt". Hardweiller beginnt seine Recherchen 1981 an der Königlichen Akademie in Den Haag, wo er ein Jahr Kunstmalerei und drei Jahre grafische Formgebung studierte. Ein Praktikum absolvierte er bei Freek Henkes. Ein fliegender Start hat er mit dem Ankauf einiger Arbeiten durch die Stadt Den Haag und dies wiederum führt ihn in die Galerieszene Amsterdams .Ab 1987 baut er hier allmählich an sein Werk mittels Solo- und Gruppenausstellungen. Neben der Kunstmalerei beginnt er mit dem Entwerfen von T-Shirts, führt er eine Druckerei für Kunst und Medien, eröffnet er ein Kulturhaus und ist er längere Zeit Direktor einer Siebdruckfirma. Hier druckt er nicht nur seine eigenen Werke sondern auch die von Künstlerkollegen wie Peter Klashorst ,paul Blanka und Herman Brood. Inzwischen assistiert er auch Herman Brood bei dessen Hintergrundmalereien. "Weil wir beide unseren unverwechselbaren eigenen Stil hatten, konnten wir gut zusammmenarbeiten. Herman war mein Lehrmeister beim Verkauf. Subsidiierte Kunst mochten wir nicht leiden". Heidweillers spontane Arbeitsweise hat mehrere Berührungsflächen mit seinem grossen Lehrmeister. So arbeitet er in seinem Atelier an 5 bis 10 Kreationen gleichzeitig. Er sagt hierzu: "Ich ändere oft die Farbe oder das Konzept, entferne manchmal grosse Teilbereiche und fange dann aus einer anderen Perspektive wieder neu an. Manchmal geht dies über ganz anders geschichtete Strukturen". In einer Art Trance wechselt er von Bild nach Bild, wobei es ihm um die Bewegung, um den Moment geht. Ein Konzept oder einen Plan hat er nicht. Es ist sein Mantra, das ihn immer weiter treibt. Wenn er dann aus seinem Trip wieder herausfindet, stehen erneut 10 Kreationen mit triefenden Farben, ungeahnten Kontrasten und vielfachen Lackschichten vor ihm. In seinen aktuellen Arbeiten stellt Heidweiller sämtliche Prickeln und Sensationen dar, die man innert einer Sekunde erfahren kann. So kann man auf der Strasse gehen und ein Gespräch führen oder mit dem Mobiltelefon Kontakt aufnehmen, während man eine Zigarette raucht, Stadtmobiliar ausweicht oder einem zufälligen Passanten anlächelt. Dabei sieht man, fühlt man und riecht man Dinge, während man an ganze andere Sachen denkt. Heidweiller sagt hierzu: "Es geht mir um die Dynamik des Moments, die ich mit einem radikalen Mix in einer ganz bestimmten Bildkreation einzufangen versuche". Weil man auf seinen Bildern vielfach westliche Strassenszenen, orientalische Ikonen und südamerikanische Landschaften nebeneinander sieht, entsteht das Gefühl sich auf einer Weltreise zu befinden. Die Bilder sind klar und deutlich aber das ist nur ein verräterischer Eindruck. Denn gerade wenn man meint nun alles gesehen zu haben entdeckt man neue Orte und Strukturen, die vorher nicht beachtet wurden. George Heidweiller bleibt uns überraschen ."Let's get lost!" » Heijman, HansHANS HEIJMAN – NLTerug naar bovenHans Heijman is een kunstenaar die jarenlang werd geïnspireerd door het Hollandse Landschap met zijn water, dijken en rivieren. Nog altijd beschouwt hij het landschap als zijn uitgangspunt voor zijn kleurrijke grafiek, hoewel zijn werk zich momenteel meer en meer afspeelt op het grensvlak tussen abstractie en figuratie. Landschappelijke elementen zijn samengevoegd met oertekens, geabstraheerde partijen en tekenachtige lijnen wisselen elkaar af. Dit alles, gecombineerd met de volle diepe kleuren die Heijman in zijn werken gebruikt maakt dat zijn werken je uitdagen en fascineren tegelijkertijd. Hans Heijman legt veel symboliek in zijn werk, waarvan hij de gevoelswaarde aan de kijker overlaat. HANS HEIJMAN - ENGBack to TopHans Heijman is an artist who for years was inspired by the Dutch landscape with its water, dikes and rivers. He still sees the landscape as his starting point for his colorful graphics, although his work is currently increasingly operates on the border between abstraction and figuration. Landscape elements are merged with trigrams, abstracted parties and drawing-like lines alternate. All this, combined with the full deep colors Heijman used in his works is that you have to work challenging and fascinating at the same time. Hans Heijman puts a lot of symbolism in his work, which he leaves the emotional value to the viewer. HANS HEIJMAN – GERZurück nach obenHans Heijman ist ein Kunstmaler, der sich jahrelang hat inspirieren lassen von der typisch-holländischen Landschaft mit Wasser, Deichen und Flüssen. Noch immer betrachtet er diese Landschaft als Ausgangspunkt für seine farbenreichen Grafikarbeiten, obwohl sich die sich momentan immer mehr auf der Grenzfläche zwischen der abstrakten und der figurativen Darstellung ansiedeln lassen. Landschaftliche Elemente werden abwechslungsreich zusammengefügt mit Ursymbolen, abstrahierten Teilflächen und zeichenartigen Linienführungen. Das Ganze, kombiniert mit den vielen tiefwarmen Farben, die Heijman verwendet, führen dazu, dass seine Werke Dich gleichzeitig herausfordern und faszinieren. Hans Heijman verwendet viel Symbolik in sein Werk und überlässt dem Betrachter das dazupassende Gefühlserlebnis. » Heinhuis, CorrieBack to Top» Heyboer, AntonANTON HEYBOER – NLTerug naar bovenAnton Heyboer is bij de meeste Nederlanders bekend als de excentriekeling, die er in zijn boerderijtje ergens in de polder vier vrouwen op na houdt. En inderdaad, polygamie is voor deze kunstenaar de normaalste zaak van de wereld, terwijl de meeste 'medelanders' deze vorm van samenleven als iets verderfelijks zien. Waarschijnlijk zijn er maar weinig mensen die dat nu nog weten, maar Heyboer is niet door zijn `uitspattingen' bekend geworden. Zijn beroemdheid dankt hij aan zijn artistieke kundigheden. Heyboers werk wordt gekenmerkt door min of meer gestileerde tekeningen. Veelal niet meer dan de omtrek van een figuur. Een techniek die je vaak tegenkomt bij primitieve volkeren en kinderen. Aan de meer traditionele schilderkundige middelen als perspectief en detaillering wordt door Heyboer over het algemeen niet veel aandacht geschonken. ANTON HEYBOER - ENGBack to TopAnton Heyboer is most known as the eccentric Dutch, who keeps on following in his farmhouse somewhere in the polder four women. And indeed, polygamy is for the artist the most normal thing in the world, while most 'medel different "this form of living together as see something pernicious. There are probably few people who still know but Heyboer is known for his 'excesses'. His fame lies in his artistic attainments. Heyboer's work is characterized by more or less stylized drawings. Usually no more than the outline of a figure. A technique that is common with primitive peoples and children. On the more traditional painterly resources perspective and detailing donated by Heyboer generally not paying attention. ANTON HEYBOER – GERZurück nach obenAnton Heyboer ist den meisten Niederländern bekannt als ein Exzentriker, der sich auf seinem kleinen Bauerhof irgendwo in der Polderlandschaft vier Frauen hält. Und in der Tat ist die Polygamie für diesen Künstler das normalste der Welt. Während die meisten "Mitländer" diese Form des Zusammenlebens als verwerflich ansehen. Wahrscheinlich ist dies heute nur noch wenigen Menschen bewusst, denn der Kunstmaler Anton Heyboer ist wahrlich nicht durch seine "Ausschweifungen" bekannt geworden.. Denn seine Berühmtheit verdankt er in erster Linie seinen künstlerischen Fähigkeiten. Heyboers Gesamtwerk wird dabei gekennzeichnet von mehr oder weniger stilisierten Zeichnungen. Vielfach ist es nicht mehr als ein Umriss einer Figur. Eine Technik, die man auch oft bei primitiven Völkern und Kindern feststellen kann. Den mehr traditionellen, malerischen Stilmitteln wie Perspektive und Detailgenauigkeit werden von Heyboer im Allgemeinen nur wenig Aufmerksamkeit entgegengebracht. » HohlerBack to Top» Holterman, WillemienWILLEMIEN HOLTERMAN – NLTerug naar bovenWillemien Holterman maakt de laatste 20 jaar als zelfstandig beeldend kunstenaar kleuretsen. De techniek van het etsen geeft haar veel mogelijkheden om de diverse onderwerpen die haar aanspreken uit te beelden en in een redelijk beperkte oplage zelf te drukken. Ze werkt met realistische weergaven van bloemen, landschappen, stadsgezichten, menselijke figuren en voorwerpen die ze in haar omgeving waarneemt. Recent werkt ze ook met meer abstracte vormen en beelden in een duidelijke kleurstelling. Hierbij bewerkt ze zinkplaten en drukt deze af, in meerdere lagen over elkaar heen. Hierdoor ontstaan bijzondere transparanten en kleurovergangen. Inmiddels ontwikkelt het werk van Willemien zich ook in ruimtelijke zin. Daarbij worden haar eigen afdrukken geknipt en/of gescheurd en tezamen met andere materialen opnieuw samengesteld tot driedimensionale beelden. Ze gebruikt daarbij naast papier ook diverse andere materialen voor het uitbeelden van haar onderwerpen. Op deze wijze ontstaan verrassende ruimtelijke beelden. Het werk van Willemien Holterman was aanvankelijk een weergave van zichtbare en tastbare vormen, waarbij de keuze van de etsplaat voor de basis(tekening) op voorhand vaststond. Tegenwoordig gaat ze vaker uit van de grootte en de vorm van min of meer toevallig aanwezig materiaal, waardoor ze zich laat inspireren. Bij dit alles blijft Willemien haar eigen techniek van het grafisch werk trouw, waarbij ze haar werkwijze steeds verder ontwikkelt en aanpast. De technieken die ze gebruikt zijn: kleuretsen, lino en houtsneden, deze soms in combinatie met monotypes. Ze werkt in verschillende formaten variërend van groot naar klein. WILLEMIEN HOLTERMAN - ENGBack to TopWillemien Holterman makes the last 20 years as an independent artist color etchings. The technique of etching gives her many opportunities to the various topics that appeal to her images and printing. Within a reasonably limited edition itself She works with realistic representations of flowers, landscapes, cityscapes, human figures and objects that she sees in her surroundings. Recently she also works with more abstract shapes and images in a plain color. Here she worked zinc plates and prints in multiple layers over each other. This creates special transparencies and gradients. Meanwhile, the work of Willemien also develops in a spatial sense. In addition, her prints are cut and / or torn, and together with other materials reconstituted three-dimensional images. She uses paper besides various other materials to depict her subjects. In this way, surprising spatial images arise. The work of Willemien Holterman was initially a representation of visible and tangible form, wherein the choice of the etching plate for the base (drawing) was fixed in advance. Today they are more often the size and shape of more or less accidentally present material, so they are inspired. In all this Willemien continues her own technique of graphics fidelity, which she continues to develop its processes and adapts. The techniques she uses are: color etchings, linocuts and woodcuts, these are sometimes combined with monotypes. She works in a variety of sizes ranging from large to small. WILLEMIEN HOLTERMAN – GERZurück nach oben» Hoofd, Rene van derRENE VAN DER HOOFD – NLTerug naar bovenIn 2002 - 2004 ontstond een aantal reeksen met basisvormen. Ovaal, driehoek, zandloper en trechtervorm. Deze basis heeft geen vast karakter in de vorm van symbolen. Keer op keer doe ik ingrepen om de taal bloot te leggen. De taal van de materie, die ik probeer te onderscheppen en duidelijk te maken. Het is de alchemie, die tot een waarheid gemaakt moet worden. Het opsporen van elementen, die ontdaan zijn van de materialistische buitenwereld. Het ervaren van de elementaire waarde van de natuur waarin ikzelf centraal sta. Daar binnen vind ik de sporen van heden en verleden die, zich samenvoegen, in een niet aflatende beeldenstroom. Binnen het veld van de schildering zijn diverse processen gaande. Toevoegen en weghalen volgen elkaar op in een dialoog binnen het kader. Alles diep binnen laten dringen. Loslaten en afstand nemen, kijken en noteren. Tekstfragmenten maken deel uit van de beeldtaal en verbinden zich onlosmakelijk met elkaar. Waar zand, vilt en andere materialen elkaar ontmoeten en een verbinding aangaan, met de vorm. Innerlijke schoonheid, van denken en voelen. Het moet zijn beeld te buiten gaan, en niet beperkt zijn binnen zijn afmeting. RENE VAN DER HOOFD - ENGBack to Top. Several sets of basic shapes created 2004 - 2002 Oval, triangle, hourglass and funnel shape. This base has no fixed character in the form of symbols. Time after time I do interventions to the language. Expose The language of the matter, I am trying to intercept and to make clear. It is Alchemy, which should be made. To a truth Detecting elements, stripped of the materialistic outside world. Experiencing the basic value of nature in which I stand in the middle. In there I find the traces of past and present, join together in a relentless stream of images. Within the field of the painting are several processes going on. Add and remove follow each other in a dialogue within the framework. All deep to penetrate. Letting go and take away, watch and record. Excerpts are part of the visual language and undertake inextricably. Where sand, felt and other materials meet and bind with the form. Inner beauty, of thinking and feeling. It must go beyond his image, and not limited in its size. RENE VAN DER HOOFD – GERZurück nach obenRene van der Hoofd: "In den Jahren 2002-2004 ist eine Anzahl Serien mit ganz bestimmten Basisformen (Oval, Dreieck, Sandläufer und Trichter) entstanden. Diese Grundformen haben aber keinen charakteristischen sondern einen symbolischen Wert. Von Mal zu Mal mache ich Eingriffe um die Sprache zu entblössen. Es ist die Sprache der Materie, die ich versuche einzufangen und zu verdeutlichen. Es ist die Alchemie, die zur Wahrheit umgeformt werden muss. Es ist das Suchen nach Elementen, die von der materialistischen Aussenwelt befreit sind .Es ist das Erfahren der natürlichen Elementarwelt, in der ich selber zentral stehe. In diesem Rahmen finde ich die Spuren von heute und gestern, die sich zusammenfügen zu einem nicht nachlassenden Bilderstrom". "In der Fläche der malerischen Darstellung laufen diverse Prozesse ab. Zufügen und wegmachen folgen auf einander im Rahmen eines Dialogs innerhalb derselben. Alles tief eindringen lassen. Loslassen und Abstand nehmen, zuschauen und festhalten. Textfragmente gehören zu dieser Bildsprache und verbinden sich unauflöslich miteinander. Wo sich Sand, Filz und anderen Materialien begegnen und eine Verbindung mit der Form eingehen. Die innere Schönheit des Denkens und Fühlens soll sich aus dem Bild hervorarbeiten und sich nicht auf die Abmessungen begrenzen". » Hoog, Petra deBack to Top» Horst, Frits van derVAN DER HORST FRITS – NLTerug naar bovenFrits van der Horst is geboren in Pijnacker. Hij woont en werkt in Dordrecht en studeerde aan de Koninklijke Academie voor Beeldende Kunst in Den Haag. VAN DER HORST FRITS - ENGBack to TopFrits van der Horst was born in Pijnacker. He lives and works in Dordrecht and studied at the Royal Academy of Art in The Hague. VAN DER HORST FRITS – GERZurück nach oben» Houten, Caspar vanBack to Top» Huf, PaulBack to Top» Innemee, HansHANS INNEMEE – NLTerug naar bovenHans Innemée is geboren in Tilburg (1951). In zijn geboortestad volgde hij ook een opleiding aan de Academie voor Beeldende Kunsten. Hans Innemée is een schilder met een bijzondere stijl. Hij schildert mensen, dieren en objecten zoals kinderen die zouden kunnen tekenen. Althans zo lijkt het. Zijn werk heeft een humoristische ondertoon en roept vertedering op. "Ik ben eigenlijk tekenaar, geen schilder", zegt Hans Innemée over zichzelf. Hij is vooral bekend geworden door de figuur van de kip, die in veel van zijn werken terugkomt. "Ik heb die kip, nu zo'n beetje tien jaar geleden, gepromoveerd tot hoofdfiguur in mijn werk. Ik wilde het meest voorkomende en tegelijkertijd meest gewone huisdier in Nederland gebruiken om te communiceren. Die kip heeft een enorme beeldende zeggingskracht gekregen. Mijn dieren 'zijn'. Via hen kan ik communiceren." De laatste jaren treden overigens steeds vaker ook andere dieren naar voren in Innemée's werk. "De worm is de laatste jaren heel belangrijk. In vond het een uitdaging om met zo'n lullig, tot de lagere diersoorten behorend diertje toch iets uit te drukken. Mijn hart heeft jaren in de muziek gelegen, maar als je deel uitmaakt van een band ben je erg afhankelijk van de andere bandleden, of van de andere ego's als je het zo wilt noemen. Als beeldend kunstenaar ben ik de baas over mijn eigen beestenspul. Ik creëer een decor waar een bepaalde scene zich afspeelt en ik regisseer die scene. De techniek die Hans Innemée gebruikt is door hemzelf ontwikkeld. Hij maakt monotype tekeningen op vloeipapier, die geplakt worden op handgeschept Thaïs papier. Die worden vervolgens op houten panelen gekleefd en ingekleurd met oliepastels. Hans Innemée is zeer kritisch als het om zijn eigen kunstwerken gaat. Het hele proces heeft hij in eigen beheer. Kwaliteit boven kwantiteit is een motto dat duidelijk zichtbaar is in de kunst van Hans Innemée. HANS INNEMEE - ENGBack to TopInnemée. Hans Innemee was born in Tilburg (1951). In his hometown, he studied at the Academy of Fine Arts. Hans Innemee is a painter with a particular style. He paints people, animals and objects such as children who could draw. At least so it seems. His work has a humorous undertone and calls on endearment. "I'm actually a draftsman, not a painter," says Hans Innemee about themselves. He is best known for the figure of the chicken, which in many of his works back. "I got the chicken, now almost ten years ago, promoted to main character in my work. I wanted to use the most common and most common pet while in the Netherlands to communicate. Hen who has been given a huge visual expressiveness. My animals being. Through them I can communicate. " Moreover, in recent years increasingly come to the fore in other animals Innemee's work. "The worm is very important in recent years. The challenge was to still express. Anything with such a silly, animals belonging to the lower animal My heart is located in the music years, but if you are part of a band you are very dependent on the other band members, or the other egos if you want to call it that. As an artist, I am the master of my own beast stuff. I create a setting where a scene takes place, and I direct that scene. The technique used was developed by Hans Innemee himself. He monotype drawings on tissue paper that are stuck on handmade paper Thaïs. Which are then glued on wooden panels and colored with oil pastels. Hans Innemee is very critical when it comes to his own works. The whole process has in-house. Quality over quantity is the motto that is evident in the art of Hans Innemee. HANS INNMEE – GERZurück nach obenInnemée. Hans Innemée wurde 1951 in Tilburg geboren. In seiner Geburtsstadt absolvierte er eine Ausbildung an der dortigen "Academie voor Beeldende Kunsten"-Akademie. Er ist ein Kunstmaler mit einem ganz besonderen Stil. Er malt Menschen,Tiere und Gegenstände so wie Kinder die auch zeichnen würden. So sieht es wenigstens aus. Seine Arbeiten haben einen humoristischen Unterton und wirken irgendwie anrührend. "Ich bin eigentlich Zeichner und nicht Maler", sagt Innemée von sich selbst. Er ist vor allem bekanntgeworden durch das Huhn, das in vielen Arbeiten aus seiner Hand immer wieder zurückkommt. "Ich habe dieses Huhn vor etwa zehn Jahren kreiert und zur Hauptfigur in mein Werk hochstilisiert. Ich wollte das meist vorkommende und gleichzeitig meist normale Haustier in den Niederlanden verwenden um zu kommunizieren. Dieses Huhn hat eine enorme Aussagekraft bekommen: Meine Tiere sind einfach da und über sie kann ich mich mitteilen" N.B.: in de NL-tekst moet nog wat achter "zijn" .Heb vertaald met "zijn er gewoon" In den letzten Jahren treten in Innemées Werk auch immer mehr andere Tiere in Erscheinung. Er sagt hierzu: "Der Wurm ist in den letzten Jahren sehr wichtig geworden. Ich erfahre es als eine Herausforderung mit einem solchen albernen Tierchen aus niederen Tierarten doch etwas auszudrücken. Mein Herz hat jahrelang der Musik gehört aber als Teil der Band ist man immer abhängig von den anderen Bandmitgliedern. Oder von deren Egos, wenn man das dann so bezeichnen möchte. Als bildender Künstler herrsche ich über meine eigene Menagerie. Ich kreiere eine Kulisse, wo sich eine bestimmte Szene abspielen soll. Und dort bestimme ich die Regeln. Die von Hans Innemée verwendete Technik ist von ihm selbst entwickelt worden. Er macht monotypische Zeichnungen auf Löschpapier, die dann auf handgeschöpftes Paper aus Thailand geklebt werden. Das Ganze wird anschliessend wiederum auf Holzpaneele geklebt und eingefärbt mit Ölpastellfarben. Hans Innemée ist sehr kritisch wenn es um seine eigenen Kunstwerke geht. Der gesamte Fertigungsprozess wird von ihm persönlich kontrolliert. Qualität statt Quatität ist sein Motto, das für sein Gesamtwerk dann auch deutlich im Vordergrund steht. » IvanovBack to Top» Jansen, Geert JanGEERT JAN JANSEN – NLTerug naar bovenGeert Jan Jansen (1944), vervalser van 'ik zeg niet hoeveel' kunstwerken, is eigenlijk tegen frauderen. Of je moet het goed doen, op een niveau dat de meester zelf het onechte werk goedkeurt. Het gebeurde meermalen met een Appel van zijn hand. Enkele fragmenten uit het boek 'Magenta. Avonturen van een meestervervalser': 'Dus als je met Pasen een kruisje op het voorhoofd hebt, krijg je een nieuwe fiets van meneer pastoor? Wanneer het houtskool was zou het niet zo moeilijk zijn. Eén verticaal streepje en één horizontaal. 'Het was mijn eerste vervalsing, een askruisje', zegt Jansen, van huis uit on- en zelfs anti-godsdienstig. Ik word in voorlopige hechtenis genomen, verdacht van het verkopen van schilderijen waarvan de echtheid wordt betwijfeld. Iedereen noemt me Jan van Gogh. 'Vergeleken met de anderen werd ik in het Franse huis van bewaring heel bevoorrecht behandeld. De directie vroeg me meteen om een paar Picasso's te maken. De rechtszaak ging niet door, omdat er zich geen slachtoffers meldden. Ze zeiden lachend: je hebt zeker alleen tevreden klanten gehad.' 'De wereld is rond. Wanneer je alsmaar verder de verkeerde kant opgaat, kom je toch weer goed uit. 'Hij aarzelt het een leefregel te noemen. 'Ik ben er natuurlijk niet voor om met een wapen te gaan lopen zwaaien. Mijn gevaarlijkste wapen was de puntenslijper. Maar een wet is niet van bovenaf gegeven. Mensen moeten snappen dat er soms situaties zijn, waarin het niet goed is haar toe te passen.' Begin er niet aan, geeft de meestervervalser op een terras aan een Amsterdamse gracht als tip. Niet dat hij de moralist wil uithangen. 'Ik heb met plezier werk zoals ik het noem bijgeproduceerd. Maar je bouwt er geen oeuvre mee op. De schilderijen gaan de deur uit en je moet hopen dat je ze niet meer terugziet. Gebeurt dit wel, dan is er meestal een probleem. Vooral als je het werk op het politiebureau terugziet. Dat is bij mij een paar keer gebeurd.' De eerste keer: het leek of alle ogen op hem gericht waren. Tijdens een inboedelveiling van De Zon bracht Jansen een portret in. Geschilderd op oud papier, gedateerd 1951 en gesigneerd K. Appel. 'Ik begon uit bozigheid met Appel, ik had toen weinig respect voor hem.' Het werk werd afgeslagen op 2600 gulden. De koper bleek de architect Aldo van Eyck. 'Buiten hoorde ik hem tegen een kunsthandelaar zeggen, dat hij het schilderij ooit zelf op het atelier van Appel had zien staan. Ik dacht: als het zo makkelijk gaat.' Het was een noodsprong. 'Het plezier zat hem niet in het bedriegen. Ik ben ook tegen vervalsen, of het moet goed gedaan zijn. Bij mij kwam het door geldgebrek. Toen ik een galerie had, waren deurwaarders en lichtafsluiters mijn beste klanten. Ik wilde niet uit de winkel gezet worden.' Als student kunstgeschiedenis ontdekte Jansen, dat er vaak een luchtje zit aan 'echte' schilderijen. 'Terwijl ik kon verdedigen dat een bepaalde aankoop een goede belegging was, zag ik allerlei oneerlijke onzin om me heen.' Zijn tekentalent deed de rest. 'Heel veel', schat Jansen het aantal kunstwerken, dat hij met een andere naam signeerde. 'Zolang er een procedure tegen me loopt, kan ik niet zeggen hoeveel.' 'Ik heb het hele alfabet aan kunstenaars van de vorige eeuw afgewerkt: Appel, Chagall, De Kooning, Matisse. De sport was een kunstenaar onder de knie te krijgen. Lastig waren vooral die kunstenaars, van wie Jan met de Pet zegt: Dat kan mijn zoontje van vijf ook. Miro: dat is een paar strepen en een bal, drie minuten werk. Appel, ik ben hem gaan bewonderen: Je smijt wat potten verf tegen het doek en smeert het door elkaar. Vergeet het maar, het wordt bruine poep. Het was elke keer weer een jacht op een nieuw probleem.' 'De kick kwam vooral van het toverstafeffect: Zet je de juiste signatuur van een bekende kunstenaar op de juiste plek, dan gaan opeens alle deuren open. Dat vond ik fenomenaal. Het avontuur om die kwaliteit en dat niveau te bereiken. Het misleiden van experts in Parijs en Londen. De verkoop van het werk. Het gekke was dat ik zelf vond dat ik een echte Picasso maakte. Ik wist wel dat het bij de wet verboden was. Maar als er nu in catalogi bij mijn werk staat: goedgekeurd door de kunstenaar...' 'Een groot percentage kunst is onecht. Het hypocriete van de kunsthandel is, dat niet ??n handelaar dit toegeeft. Er wordt heel veel aan elkaar doorverkocht. Een schilderij krijgt zo een herkomst: hoe vaker verkocht, hoe echter. Er is niemand die zegt: het is vals maar het verkoopt toch wel. Ze hebben het over werk van eerste, tweede en derde kwaliteit. Vergist een handelaar zich, dan zet hij het een paar jaar weg of brengt het ergens anders in op een veiling. Niemand doet iets in de prullenbak. Experts spelen het spel mee, vooral in Frankrijk waar ze een percentage van de koopsom krijgen. Ze kijken alleen of er geen gedonder komt van de verkoop.' Galeriehouders liegen ook over het aantal exemplaren, dat van een litho of zeefdruk is gemaakt. 'Dat is pure geldmakerij. Terwijl grafiek juist tot doel heeft kunst voor mensen met weinig geld betaalbaar te maken, drijf je de prijs op door in een beperkte oplage te drukken. Wie is nu de echte boef?' Jansen vermenigvuldigde werk van Appel en Cobra bij honderden tegelijk. 'Kochten mensen maar een schilderij, omdat ze het mooi vinden. Maar ze willen er een met een belangrijk signatuur. Geweldig een Andy Warhol aan de muur. Daar begint de ellende, want er zijn er altijd te weinig van.' Hoelang zal dit door kunnen gaan? 'Je kunt de situatie vergelijken met de relikwie‘nhandel in de Middeleeuwen. Van de splinters van het kruis waaraan Jezus hing, kon je een hele vloot bouwen. Totdat men begon te ontdekken, dat het allemaal gebakken lucht was. Zoiets verwacht ik ook in de kunsthandel.' Jansen kreeg de vaste behandeling van een klokkenluider. Zijn boek ('een probleem was dat de realiteit de fictie passeert') gaf geen aanleiding schoon schip te maken in de kunsthandel, maar werd de grond ingestampt. De verklapper verbrak een erecode en wordt niet meer geaccepteerd in de kunsthandel. 'Ze zijn bang voor me. Als ik door de Spiegelstraat loop, gaan de rolluiken naar beneden. Alleen al dat ik de winkel binnenstap, mag de buurman niet zien.' Met bijproduceren is Jansen gestopt. 'Ik heb het vijfentwintig jaar gedaan en wil wat anders in mijn leven.' Al kriebelt het af en toe nog wel. 'Het is moeilijk om iets waar je goed in bent niet meer te doen. Ik zit in mijn afkickperiode.' Daarmee ben je een imago van vervalser nog niet kwijt. 'Ik had een schilderij van een Utrechtse kunstenaar en wist zeker dat het echt was. Alleen was het met potlood gesigneerd. De tijd was echter voorbij, dat ik het er beter op zette. Het werk stond exact zo in een boek afgedrukt. Het duurde even, maar toen ze bij Christie's doorhadden dat ik de inbrenger was, wilden ze het niet hebben. Dat ze van mij zenuwachtig worden en alles drie keer controleren, okee. Maar doe wel deskundig onderzoek.' Schilderen doet Jansen nu onder eigen naam, maar hij overweegt bij veel tegenwerking een pseudoniem. Aan allerlei 'onzinnigheden' om door te breken begint hij niet. 'Het helpt wel, je benen eraf laten ploffen of van het Hilton afspringen. Maar ik vind dat ik al genoeg bokkensprongen hebt gemaakt.' GEERT JAN JANSEN - ENGBack to TopGeert Jan Jansen (1944), forger of "I do not say much" art is actually against fraud. Whether you should do well, at a level that the master himself approves the mock job. It happened several times with an apple from his hand. Some excerpts from the book 'Magenta. Adventures of a master forger ":" So if you have a cross on the forehead with Easter, you get a new bike parson? When the charcoal it will not be difficult. A vertical line and a horizontal. "It was my first fake, a cross of ashes," says Jansen, from home online and even anti-religious. I am taken into custody, suspected of selling paintings whose authenticity is questioned. Everyone calls me Jan van Gogh. "Compared to the others I was treated very privileged in the French house of detention. The management asked me right away to make a few. Picasso's The lawsuit was canceled because there are no reported casualties. She laughed, and said you've certainly had only satisfied customers. " "The world is round. If you ever further in the wrong direction, you still get good again. He hesitates to call it. A regimen "I'm obviously not going to walk waving with a weapon. My most dangerous weapon was the sharpener. But a law is not given from above. People need to understand that sometimes there are situations where it is not good to use her. " Do not start going on, give the master forger on a terrace at an Amsterdam canal as a tip. Not that he wants to hang out. The moralist "I work with pleasure as I call it bijgeproduceerd. But you do not build it at work. The paintings go out the door and you have to hope you do not look back. If they are, then there is usually a problem. Especially when you see the work back at the police. That happened a few times with me. " The first time it seemed that all eyes were on him. During a furniture auction Sun Jansen brought a portrait. Painted on paper, signed and dated 1951 K. Apple. "I started out with angrily of Apple, when I had little respect for him." The work was sold for 2600 guilders. The buyer turned architect Aldo van Eyck. "Outside I heard him say to an art dealer, that he had seen the painting. Ever own in the studio of Apple I thought, if it is so easy. " It was a poor one. "The pleasure was not him cheating. I am also against tampering, or it must be done. For me it was because of lack of money. When I had a gallery, bailiffs and light valves were my best customers. I did not put out the store. " As a student of art history Jansen, discovered that there is often a smell of 'real' paintings. "While I could argue that a particular purchase was a good investment, I saw all kinds of dishonest nonsense to me." His drawing talent did the rest. "Very much," Jansen estimates the number of works of art, which he signed with a different name. "As long as there is a case against me is, I can not say how much." "I've got the whole alphabet to artists of the last century finished: Apple, Chagall, de Kooning, Matisse. The sport was to get an artist. Mastered Harassing were mainly those artists, whose Joe average says: That may be my five year old son too. Miro: that's a few stripes and a ball, working three minutes. Apple, I admire him, you throw some pots of paint to the canvas and lubricates it together. Forget it, it is brown poop. It was every time a hunt for a new problem. " "The kick came mainly from the wand effect: Put your proper signature of a famous artist in the right place, then all doors will suddenly open. I thought that was phenomenal. The quest to achieve that quality., And that level Misleading experts in Paris and London. The sale of the work. The funny thing was that I found myself that I made a real Picasso. I knew it was forbidden by law. But if there is now in catalogs at my work approved by the artist... " "A large percentage of art is unreal. The hypocrisy of the art trade is not? N trader admits this. There is lots sold together. A painting gets an origin: the more sold, the more real. There is no one who says it is false, but it sells anyway. They talk about work of the first, second and third grade. Mistake a trader, he put it a few years away, or take it somewhere else in an auction. Nobody does anything in the trash. Experts play the game, especially in France where they get a percentage of the purchase price. They only check if no thunder comes from the sale. " Gallery owners also lie about the number of copies that a litho or screen printing is made. "That is pure moneymaking. While graph precisely aims to make art for people with little money you affordable driving the price up by pressing. Limited edition Who's the real villain? Jansen multiplied work of Appel and Cobra in the hundreds. "People Bought a painting, because they like it. But they want one with a key signature. A great Andy Warhol on the wall. Since the misery begins because there are always too little. " How long this will continue to? "You can compare the situation with the relikwie'nhandel in the Middle Ages. The splinters of the cross on which Jesus was, you could build a whole fleet. Until they began to discover that it was all hot air. Something I expect in the art trade. " Jansen got the permanent treatment of a whistleblower. His book (one problem was that the reality of the fiction passes') gave to the art market, no need clean sweep but was crushed compacted. The verklapper broke a code of honor and is no longer accepted in the art trade. "They are afraid of me. When I walk through the Spiegelstraat, the shutters go down. I step inside the store, alone, may not see the neighbor. " With bijproduceren Jansen is stopped. "I've done it twenty-five years and do something else in my life." Already. Itches occasionally even "It's hard not to do. Something you're good at I sit in my rehab period. " That you are an image forger lost. Yet "I had a painting of Utrecht artist and was sure it was real. Only it was signed in pencil. But the time had passed, that I better put it. The work was exactly as printed in a book. It took a while, but then they realized at Christie's that I was the introducer, they did not have it. They are nervous of me and check everything three times, okay. But do it expert opinion. " Painting does Jansen now under his own name, but he considers making much opposition a pseudonym. To all kinds of 'madness' to break through, he does not begin. "It helps you let off legs or popping of the Hilton jump off. But I think I have enough antics have already made. " GEERT JAN JANSEN – GERZurück nach obenGeert Jan Jansen, Fälscher von vielen Kunstwerken (wie viel kann er nicht sagen) ist eigentlich gegen das Fälschen .Oder man muss es richtig machen, auf einem derartigen Niveau, dass der Meister gar das unechte Werk gut heisst. Dies geschah beispielsweise mehrmals mit einem Appel von seiner Hand. Nachfolgend einige Zitate aus seinem Buch "Avonturen van een Meestervervalser": "Wenn Du also zu Ostern ein Kreuzchen auf die Stirn hast, bekommst Du ein neues Rad vom Herrn Pastor? Wenn es Holzkohle war würde es nicht so schwierig sein. Ein vertikales Strichlein. Und ein horizontales. Es war dies mein erstes Aschekreuzchen", sagt Jansen, der von Haus aus nicht sehr religiös veranlagt war. "Ich wurde mal in vorläufige Haft genommen wegen des Verdachts Gemälde verkauft zu haben, deren Echtheit angezweifelt wurde. Jedermann nannte mich Jan van Gogh. Im Vergleich mit den anderen Häftlingen wurde ich im "Franse Huis"-Gefängnis sehr bevorzugt behandelt .Die Direktion bat mich sogleich einige Picassos für sie zu malen. Der Prozess fand jedoch nicht statt da sich keine Opfer meldeten. Es wurde lachend gesagt: "Du hast sicherlich nur zufriedene Kunden gehabt"". "Die Welt ist rund. Wenn Du immer weiter in die falsche Richtung gehst kommt es doch wieder gut." Er zögerte dies als Lebensregel zu nennen. "Ich bin nicht dafür mit einer Waffe herumzuwedeln. Meine gefährlichste Waffe war immer der Bleistiftspitzer. Aber ein Gesetz steht nicht einfach für sich alleine da..Die Menschen müssen verstehen, dass es manchmal Situationen gibt, wo es nicht gut ist das Gesetz anzuwenden" "Beginne nicht damit etwas zu fälschen", sagt mir der Meisterfälscher auf einer Amsterdamer Grachtenterrasse. Nicht dass er den Moralisten geben möchte. "Ich habe mit grossem Spass meine Werke, wie ich es ausdrücke, "beiproduziert". Aber Du kannst Dir keinen Namen damit aufbauen. Die Gemälde gehen die Tür aus und Du musst hoffen, dass sie nicht zurückkehren. Wenn doch, dann gibt es meistens ein Problem. Vor allem wenn Du Deine Arbeit bei der Polizei zurücksiehst. Das ist mir einige Male passiert.". Das erste Mal sah es so aus als wären alle Augen auf ihn gerichtet. Das war als Jansen auf einer Auktion ein Porträt anbot, gemalt auf Altpapier, datiert aus 1951 und mit der Signatur K.Appel versehen. "Ich habe aus Frust mit Appel angefangen und ich hatte wenig Respekt vor ihm. Das Gemälde wurde verkauft für 2600 Gulden. Es stellte sich heraus, dass der Käufer der Architekt Aldo van Eyck war. Draussen sagte dieser zu einem befreundeten Kunsthändler, dass er das werk einst in Appels Atelier hatte stehen sehen. Ich hatte nicht gedacht dass es so leicht gehen würde. Ich brauchte dringend Geld. Der Spass am Ganzen war aber nicht der Betrug. Denn eigentlich bin ich gegen das Fälschen, es sei denn es wird sehr gut gemacht. Bei mir war Geldmangel der Auslöser. Als ich damals eine eigene Galerie mal, waren Gerichtsvollzieher und Lichtabschliesser meine besten Kunden. Ich wollte nicht aus meinem Laden gesetzt werden". Bereits als Kunstgeschichtestudent entdeckte Janssen, dass "echte Gemälde" oft gar nicht so echt waren. "Während ich immmer darauf hinweisen konnte, dass ein Ankauf immer auch eine gute Geldanlage war, sah ich um mich herum viel Unehrlichkeit und Unwahrheit". Sein Zeichentalent gab den Ausschlag. "Sehr viele", sagt Janssen bezüglich der Anzahl Kunstwerke, die er im Laufe der Zeit unter anderem Namen angefertigt hat. "Solange noch ein Prozess gegen mich im Gange ist, kann ich nicht sagen wie viel Gemälde dies insgesamt sind". "Ich habe das ganze Künstleralphabet des vergangenen Jahrhunderts abgearbeitet: Appel, Chagall, De Kooning, Matisse usw. Die Herausforderung war jedes Mal den Künstler in den Griff zu kriegen. Lästig waren immer die Maler, von denen es heisst, dass ein jeder so malen kann. Miro beispielsweise ist ganz einfach in 3 Minuten zu malen mit einigen Streifen und einem Ball. Appel dagegen hat mir Bewunderung abgenötigt. Denn das ist nicht ganz so einfach diverse Töpfe Farbe gegen die Leinwand zu schmeissen und einfach durcheinander zu schmieren .Denn das Resultat ist dann garantiert eine braune Brühe. Es war jedes mal wieder die Jagd auf eine neues Problem, doch der Kick kam vor allem durch den Zauberstabeffekt: Wenn Du die richtige Signatur eines bekannten Malers an die genau richtige Stelle anbringst, öffnen sich auf einmal alle Türen. Und das fand ich in meinen Augen ein geradezu phänomenales Abenteuer, die gewünschte Qualität und das erforderliche Niveau zu erreichen, die Experten in Paris und London hinters Licht zu führen und den Verkauf des Werkes ablaufen zu sehen. Das verrückte war, dass ich selber glaubte einen echten Picasso zu malen. Ich wusste, dass es gesetzlich verboten war. ,Aber was ist denn, wenn in Katalogen steht: "vom Meister anerkannt"? Ein grosser Prozentsatz der Kunst ist übrigens nicht echt. Die Verlogenheit des Kunsthandels besteht vor allem auch darin, dass dies kein einziger Kunsthändler zugeben wird. Es wird sehr viel aneinander weiterverkauft. Ein Gemälde bekommt auf dieser Weise eine Verkaufsgeschichte: Je öfter es verkauft worden ist, je echter es gilt. Es ist niemand da, der sagt: "Es ist zwar nicht echt aber es wird sich trotzdem verkaufen". Sie reden zudem selbst von Werken erster, zweiter und dritter Qualität . Und hat sich ein Händler beim Ankauf täuschen lassen, dann stellt er es einige Jahre zur Seite und verkauft es anschliessend weit weg auf einer Auktion. Kein Kunsthändler schmeisst etwas weg. Und die Experten spielen brav mit, besonders in Frankreich wo sie am Verkaufspreis beteiligt werden. Sie schauen alle nur, dass es kein "Spektakel" gibt bei einem Verkauf". Galeristen lügen auch bezüglich der Anzahl Exemplare, die von einer Lithographie oder einem Siebdruck angefertigt worden sind. Das ist reine Geldmacherei. Während gerade die Grafik bezwecken sollte, die Kunst auch für Menschen mit wenig Geld bezahlbar bzw. zugänglich zu machen, wird mittels einer absichtlich beschränkten Auflage der Preis hochgetrieben. Wer ist nun der echte Verbrecher?". Jansen vervielfachte Arbeiten von Appel und Cobra-Künstlern zu Hunderten. "Würden die Menschen bloss ein Gemälde kaufen, weil sei es schön finden .Aber sie wollen partout ein Gemälde mit einer wichtigen Signatur. Riesiges Gefühl: ein echter Warhol an der Mauer. Denn damit fängt das Elend ja an, weil es zu wenig Warhols gibt. Wie lange wird dies noch so weiter gehen können? Du kannst die Situation vergleichen mit dem Reliquienhandel im Mittelalter. Denn von der Splittern des Holzkreuzes, an welchem Jesus hing, konnte man eine ganze Flotte bauen. Bis man plötzlich entdeckte, dass alles nur heisse Luft war. So etwas steht uns auch im Kunsthandel bevor". Jansen bekam die Behandlung eines Unglückspropheten. Sein Buch, dessen Problem war, dass die Realität die Fiktion schon passiert hatte, wurde nicht zum Anlass endlich aufzuräumen. Im Gegenteil, es wurde in den Boden gestampft. Denn der Verräter hatte einen Ehrenkodex gebrochen und wurde nicht mehr akzeptiert bzw. respektiert "Sie haben Angst vor mir. Wenn ich durch die Spiegelstrasse laufe, gehen die Rolläden nach unten. Schon wenn ich einen Laden betrete, darf es der Nachbar bloss nicht erfahren". Mit dem "Beiproduzieren" ist Jansen inzwischen gestoppt. "Ich habe es fünfundzwanzig Jahre lang gemacht und jetzt möchte ich etwas anderes. Auch wenn es manchmal noch irgendwie verräterisch kribbelt. Denn es ist recht schwierig etwas zu unterlassen, das man eigentlich gut kann. Ich befinde mich derzeit sozusagen im Abkickstadium. Auch ist es nicht so einfach das Fälscherimago los zu werden. Ich hatte mal ein Gemälde eines Utrechter Künstlers und wusste mit Sicherheit, dass es echt war. Nur war es mit Bleistift signiert. Diese Zeit war aber vorbei, sodass ich die Signatur etwas ausbesserte. Das Werk stand genauso in einem Katalog abgebildet doch als man bei Christie's mitbekam, dass ich es eingeliefert hatte, wollten sie es nicht haben. Dass sie nervös von mir werden und alles drei Mal kontrollieren. Gut aber dann muss dabei immer ein Sachverständiger beigezogen werden". Malen will Jansen jetzt unter seinem eigenen Namen. Wenn aber zu viel Schwierigkeiten entstehen sollten, überlegt er sich unter einem Pseudonym zu arbeiten. Nochmals allerhand "Unsinn" zu veranstalten um wieder hochzukommen, nein das möchte er nicht mehr. Und das braucht er auch nicht mehr. Zudem findet er, dass er in seinem Leben schon zu viel "grosse Sprünge" gemacht hat. » Jeune, Frank LeBack to Top» Jong, Cor deCOR DE JONG – NLTerug naar bovenCor de Jong (1950) heeft zijn onderwijs genoten aan de Vrije Academie te Den Haag, specialisatie grafische techniek lithografie. Hij maakt op een spontane en directe manier gemengde technieken op papier en litho's die elk op zichzelf staan, zonder een vast thema. Op het eerste gezicht lijkt zijn werk abstract maar wanneer men goed kijkt zitten er allerlei figuratieve elementen in. Ook geeft hij zijn werk mooie titels mee, zoals "Verdeeld hart", "De voorspelling" of "Het voorteken". COR DE JONG - ENGBack to TopCor de Jong (1950) has enjoyed teaching at the Free Academy in The Hague, specializing in graphic art lithography. He makes a spontaneous and direct way mixed media on paper, lithographs, each stand alone, without a constant theme. At first glance his work appears abstract, but when you look closely, there are all kinds of figurative elements. He also gives his work beautiful titles, such as "Divided Heart", "The prophecy" or "The omen". COR DE JONG – GERZurück nach obenCor de Jong (1950) wurde an der "Vrije Academie"-Akademie in Den Haag unterrichtet. Dort spezialisierte er sich auf die grafische Technik in der Lithographie. Er mischt spontan und direkt unterschiedliche Techniken auf Papier und macht Lithographien, die aus sich selbst sprechen, ohne festes Thema. Auf den ersten Blick erscheint sein Werk abstrakt aber wenn man etwas genauer hinschaut, entdeckt man allerlei figurative Elemente. Auch gibt er seinen Arbeiten schöne Titel mit wie "Geteiltes Herz", "Die Vorhersage" oder "Das Vorzeichen". » Jong, Dineke deBack to Top» Kanev, KantchoKANTCHO KANEV – NLTerug naar bovenKantcho Kanev Geboren te Obretenik (1957), Bulgarije, woont en werkt in den Haag sinds 1990 in Nederland. Zijn werk wordt breed gewaardeerd en hangt in internationale musea en collecties. Behalve een Bulgaarse prijs voor zijn gehele oeuvre, kreeg hij in 1995 de prestigieuze eerste prijs van de Tokyo Print Triennale. Kantcho is als beeldende kunstenaar afgestudeerd te Rousse (Bulgarije) een pittoresk stadje aan de Donau. Hij heeft zijn opleiding gevolgd bij professor Kiril Stanchev. Kantcho heeft zich niet alleen in het schilderen bekwaamd, maar werkt ook met hout en keramiek. Tevens maakt hij etsen, zeefdrukken en werken met gemengde techniek. Met name de kleuren van Kantcho’s werken spreken direct aan. Door zijn wijze van werken en symboolgebruik wordt de kijker direct meegetrokken naar Kantcho’s eigen wereld: een mix van het vroegere Bulgarije met het moderne leven in West-Europa. Bij elke observatie wordt iets nieuws ontdekt; zijn werk verveelt daardoor nooit. Kantcho heeft in de periode dat hij in Nederland woont vele prijzen gewonnen en diverse opdrachten ontvangen. De meest bekende daarvan zijn zijn ontwerpen die hij in 1998 en 1999 gemaakt heeft voor Amnesty-International alsmede zijn merkvernieuwing in 1997 voor Douwe Egberts. Begin 2000 verscheen Kantcho’s eerste boek. KANTCHO KANEV - ENGBack to TopKantcho Kanev Born Obretenik (1957), Bulgaria, lives and works in The Hague in the Netherlands since 1990. His work is widely appreciated and is in international museums and collections. Besides a Bulgarian prize for lifetime achievement in 1995, he received the prestigious first prize at the Tokyo Print Triennale. Kantcho as a visual artist graduated to Rousse (Bulgaria), a picturesque town on the Danube. He was educated at Professor Kiril Stanchev. Kantcho has not only skilled in painting, but also works with wood and ceramics. He also makes etchings, serigraphs and working with mixed media. In particular, the colors of Kantcho's works speak directly. By his way of working and symbol use the viewer is immediately pulled to Kantcho's own world: a mix of the former Bulgaria with modern life in Western Europe. At each observation is discovering something new; work therefore never bored. Kantcho in the period that he lives in the Netherlands won many awards and received several orders. The most famous of his designs he made in 1998 and 1999 Amnesty International as well as his trademark renewal in 1997 Douwe Egberts. Early in 2000 appeared Kantcho's first book. KANTCHO KANEV – GERZurück nach oben» KeramiekBack to Top» Kissmer, WilliWILLI KISSMER – NLTerug naar bovenWilli Kissmer is geboren op 24 december 1951 in Duisberg, Duitsland. Zijn creatieve inslag uit zich al op vroege leeftijd. In eerste instantie in de muziekwereld waar hij gitaar speelde in een rockband. Op 20-jarige leeftijd besluit de kunstenaar echter zijn horizon te verbreden en begint hij aan de opleiding Grafische kunst aan de Folkwang Art School. Tijdens zijn opleiding krijgt Kissmer de mogelijkheid een eigen stijl van werken te ontwikkelen en zijn kennis van diverse complexe productietechnieken te verdiepen. Het duurt niet lang of het werk van de bevlogen Duitse kunstenaar valt ook de kunstwereld op en de eerste exposities waarin zijn werk wordt getoond zijn al snel een feit. Willi Kissmer maakt bij de productie van zijn werk vaak gebruik van een combinatie van etstechnieken: aquatint, droogenaald en mezzotint. Het werk van de kunstenaar is doorgaans figuratief en sensueel van aard. Zijn werk kenmerkt zich door een prachtige spanning die de door hem gemanipuleerde lichtval teweegbrengt op zijn object waarbij hij doorgaans het spel van model, lichtval en kledingstukken verkiest boven geheel naakt. Het werk van Willi Kissmer wordt inmiddels geëxposeerd in de meest vooraanstaande galerieën van Europa, America en Rusland. WILLI KISSMER - ENGBack to TopWilli Kissmer was born on December 24, 1951 in Duisburg, Germany. His creative streak manifests itself at an early age. Initially in the music where he played guitar in a rock band. At the age of 20, however, the artist decides to broaden his horizons and he starts training Graphic Arts at the Folkwang Art School. During his training Kissmer will deepen. Opportunity to develop their own style of work and his knowledge of various complex production It is not long before the work of the German artist inspired also includes the art world and the first exhibitions in which his work will be shown soon be a reality. Willi Kissmer makes the production of his work, often using a combination of etching techniques: aquatint, mezzotint and dry needle. The work of the artist is usually figurative and sensual nature. His work is characterized by a wonderful tension that he engineered lighting brings on his property which he usually play model, light and garments prefers completely naked. The work of Willi Kissmer is now exhibited in leading galleries in Europe, America and Russia. WILLI KISSMER– GERZurück nach obenWilly Kissmer wurde am 24. Dezember 1951 in Duisburg (Deutschland) geboren. Seine kreative Begabung wurde bereits früh entdeckt. Zuerst in der Musikwelt, wo er in einer Rockband Gitarre spielte. Im Alter von zwanzig Jahren fing er dann an seinen künstlerischen Horizont zu verbreitern und begann er eine "grafische Kunst"-Ausbildung an der "Folkwang Art School"-Schule. Während der Ausbildung erhielt Kissmer die Gelegenheit einen eigenen Arbeitsstil zu entwickeln und seine Kenntnisse komplexer fertigungstechniken zu vertiefen. Es dauerte dann auch nicht lange bis die Arbeiten des einfallsreichen deutschen Künstlers auch in der Kunstwelt auffielen. Sodass die ersten Ausstellungen bereits rasch unter Dach und Fach waren. Willy Kissmer macht bei der Produktion seiner Entwürfe oft Gebrauch von einer Mischung aus diversen Radiertechniken: Aquatinta, Trockennadel-Tiefdruck sowie Mezzotinto-Schabtechnik. Das Werk des Künstlers hat einen meistens figurativen und sinnlichen Charakter. Es kennzeichnet sich zudem durch eine wunderbare Spannung, die vor allem der von Kissmer manipulierte Lichteinfall auf seinen Objekten erzeugt. Dabei bevorzugt er eher das Zusammenspiel von Modell, Lichteinfall und Kleidungsstücken und weniger die totale Nacktheit. Die Arbeiten Willy Kissmers werden inzwischen in den renommiertesten Galerien, Europas, Amerikas und Russlands ausgestellt » Klaassen, WilBack to Top» Klashorst, PeterBack to Top» Kleinpaste, ArendBack to Top» Klement, FonFON KLEMENT – NLTerug naar bovenAls kunstenaar is de in 1930 in Amsterdam geboren Fon Klement autodidact. Na een korte periode waarin hij als figuratief schilder en houtsnijder aanzien verwierf, kwamen in 1960 de eerste meerkleuren grafiekbladen tot stand in de hem nu zo typerende techniek de hoogdruk boardsnede. Herkenbare vormelementen maakten geleidelijk plaats voor meer abstracte motieven in een sober kleurenprogramma. Een overzicht van dit werk was in 1980 te zien in het Museum van Bommel-Van Dam in Venlo. Deze tentoonstelling was voor Fon Klement mede aanleiding om weer te gaan schilderen en de eerste geheel abstracte schilderijen, met als hoogtepunten Eva en Houie Atlantique waren hier te zien. In de tachtiger jaren doen vegatieve elementen, waarvan vorm en kleur uitbundig zijn, hun intrede. Exponenten uit deze periode zijn: het drieluik Provance en Forme sur fond blue. In september 1990 wordt ter gelegenheid van zijn zestigste verjaardag nieuw werk tentoongesteld in het Singer Museum te Laren. Tegelijkertijd verschijnt een boek met grafiek, schilderijen en tekeningen. Zijn oeuvre is behalve op exposities te zien op reizende grafiektentoonstellingen. Sinds 1961 is Fon Klement lid van Xylon, de internationale vereniging van houtsnijders, die regelmatig grafiek toont in heel Europa. De expositie “Prints today in the USA” met een overzicht van grafiek van Nederlandse kunstenaars, onder wie Fon Klement heeft jarenlang door de Verenigde Staten gereisd. Tijdens de grafiekbiënnale “Grafiek Nu” in Laren in het najaar van 1990, en later op de eerste internationale grafiekbiënnale in Maastricht, die tijdens de zomer van 1993 werd gehouden, wordt aan Fon Klement de Publieksprijs toegekend. In 1992 verscheen een bundel met zeven gedichten van Marion Bloem naast zeven prenten van Fon Klement onder de titel zwartwit in en achter kleuren. Dit album dat als Leporello is vormgegeven is een nieuw hoogtepunt in het grafisch oeuvre van Fon Klement. Klement is in november 2000 overleden. Hij werd gerekend tot een van de succesvolste kunstenaars van zijn tijd al zou hij dit nooit van zich zelf gezegd hebben. FON KLEMENT - ENGBack to TopAs an artist, born in Amsterdam in 1930, Fon Klement autodidact. After a brief period in which he acquired as a figurative painter and carver regard, in 1960 came the first multicolor chart sheets created in him now so typical technique of the high pressure cutting board. Recognizable form elements were gradually replaced by more abstract motifs in a sober color program. A summary of this work was shown at the Museum van Bommel van Dam in Venlo in 1980. This exhibition was Fon Klement of the reasons to start painting again and the first completely abstract paintings, with highlights including Eva and Houie Atlantique were seen here. In the eighties do vegetative elements, shape and color are abundant, their entry. Exponents of this period are: the triptych Provance and Forme sur fond blue. In September 1990, on the occasion of his sixtieth birthday new work exhibited at the Singer Museum in Laren. At the same time a book appears with graphics, paintings and drawings. His work is not only seen on graph traveling exhibitions. Exhibitions on Since 1961, Fon Klement member Xylon, the international association of woodcarvers, who regularly graph shows throughout Europe. The exhibition "Prints today in the USA" with a list of chart of Dutch artists, including Fon Klement has traveled for years by the United States. During the biennial chart "Chart Now" in Laren in the autumn of 1990, and later in the first international biennial graph in Maastricht, which was held during the summer of 1993, is awarded to the Public Fon Klement. In 1992, a collection of seven poems by Marion Bloem appeared alongside seven prints Fon Klement entitled black and back colors. This album is designed as Leporello is a new highlight in the graphic oeuvre Fon Klement. Klement was deceased in November 2000. He was considered one of the most successful artists of his time, he would have never said of himself. FON KLEMENT – GERZurück nach obenDer 1930 in Amsterdam geborene Künstler Fon Klement ist ein Autodidakt. Nach einer kurzen Periode des figurativen Malens und als Holzschneider, in der er bereits auffiel, folgten 1960 seine ersten mehrfarbigen Grafikblätter in der für ihn so typischen Hardboard-Hochdrucktechnik. Erkennbare Formelemente machten allmählich Platz für immer abstraktere Motive innerhalb eines schlichten Farbenprogramms. Eine Gesamtschau dieser Arbeiten gab es 1900 zu sehen im "Museum van Bommel-Van Dam"-Museum in Venlo. Diese Ausstellung war für Fon Klement der Anlass sich wieder auf die figurative Malerei zu konzentrieren und zwar auf seine ersten komplett abstrakten Gemälde. Die Höhepunkte darin waren die Werke "Eva" und "Houie Atlantique" .In den achtziger Jahre kommen dann vegetative Elemente mit übermässigen Farben und Formen hinzu. Herausragende Objekte aus dieser Periode sind das Triptychon "Provence en Forme sur fond bleu" N.B.: moet dat niet Provence (met "e") heten? Ben mij tamelijk zeker vanwege "fond bleu". 1960 findet aus Anlass seines sechzigsten Geburtstags eine Ausstellung im Singer-Museum in Laren statt. Gleichzeitig erscheint ein Buch von ihm mit Grafikarbeiten, Gemälden und Zeichnungen. Sein Gesamtwerk ist jetzt nicht nur in etablierten Ausstellungen sondern auch auf reisenden Grafikausstellungen zu sehen. Seit 1960 ist Fon Klement Mitglied des Xylon-Gildes, eines internationalen Holzschneidervereins, der regelmässig Ausstellungen in ganz Europa organisiert. Die "Prints in the USA"-Wanderausstellung mit Grafiken niederländischer Künstler, darunter auch solchen von Fon Klement, ist jahrelang durch die Vereinigten Staaten gezogen. Auf der Grafik-Biennale "Grafiek Nu" in Laren (Herbst 1990) und später auf der ersten internationalen Grafik-Biennale in Maastricht (Sommer 1993) bekam Fon Klement jedes Mal den Publikumspreis zuerkannt. 1992 erschien der Gedichtbündel "Zwartwit en achter kleuren" mit sieben Gedichten von Marion Bloem und sieben Illustrationen von Fon Klement. Dieses Leporello-Faltbuch bedeutet einen neuen Höhepunkt im grafischen Werk Fon Klements .Der Künstler ist 2000 verstorben. Fest steht dass Fon Klement zu den erfolgreichsten Künstlern seiner Zeit gerechnet werden darf. Obwohl er dies nie von sich selbst gesagt haben würde. » Koch, JanBack to Top» Konkel, PjotrPJOTR KONKEL – NLTerug naar bovenPjotr Konkel werd geboren in Polen in 1963. In 1974 vlucht Pjotr met zijn zus en Nederlandse moeder naar Nederland. In 1980 gaat hij naar de Grafische School in Amsterdam. Twee jaar later vertrekt hij naar Den Haag om daar aan de Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten Grafische Vormgeving te studeren. Pjotr werkt voornamelijk met olieverf en acryl op papier, linnen en paneel. Na zijn grafische opleiding aan de Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten in Den Haag werkt hij een jaar als vormgever bij een reclamebureau in San Francisco. Terug in Nederland gaat hij werken bij Vorm Vijf in Den Haag. Door de beperkte creatieve vrijheid van het vormgeven komen de vormgever en de kunstenaar echter met elkaar in botsing. In 1993 neemt Piotr daarom ontslag en gaat reizen. Eerst naar Italië, daarna naar Amerika. Hij hield verschillende exposities, in meerdere landen: 1987 Coleman Souter Advertising Agency, San Francisco 1988 Vorm Vijf, Grafisch ontwerp buro bNo, Den Haag 1993 Piotr gaat op reis 1996 Art Expo, New York 1997 Art Expo, New York 1998 Solo expositie in De Galerie, Noordeinde, Den Haag PJOTR KONKEL – ENGBack to TopPyotr Konkel was born in Poland in 1963. In 1974 Pyotr flight with his sister and mother to Dutch Netherlands. In 1980 he went to the Graphic School in Amsterdam. Two years later he moved to The Hague to study there. At the Royal Academy of Fine Arts Graphic Design Piotr works primarily in oil and acrylic on paper, canvas and panel. After his graphic training at the Royal Academy of Art in The Hague, he worked for a year as a designer in an advertising agency in San Francisco. Back in the Netherlands, he goes to work in Form Five in The Hague. However, come the limited creative freedom of shaping the designer and artist collide with each other. In 1993 Piotr therefore resigns and traveling. First to Italy, then to America. He held several exhibitions in several countries: 1987 Coleman Souter Advertising Agency, San Francisco 1988 Form Five, Graphic design agency BNO, The Hague 1993 Piotr journey 1996 Art Expo, New York 1997 Art Expo, New York 1998 Solo exhibition at the Galerie Noordeinde, The Hague PJOTR KONKEL – GERZurück nach obenPjotr Konkel wurde 1963 in Polen geboren. 1974 floh er mit seiner Schwester und seiner niedrländischen Mutter in die Niederlande. 1980 geht er auf die "Grafische School"-Schule in Amsterdam und zwei Jahre später beginnt er sein Grafikstudium an der "Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten"-Akademie in Den Haag. Konkel arbeitet hauptsächlich mit Ölfarbe und Acrylfarbe auf Papier, Leinen und Paneelen. Nach seiner Haager Ausbildung arbeitet er anschliessend als Formgeber ein Jahr bei einer Werbeagentur in San Francisco. Zurück in den Niederlanden findet er Arbeit in der "Vorm Vijf"-Agentur in Den Haag. Doch wegen der eingeschränkten Freiheit in der Formgebung kommen Formgeber und Künstler immer mehr miteinander in Konflikt. Er kündigt deshalb 1983 seinen Job und begibt sich auf die Reise, zuerst nach Italien und dann wieder in die USA. Er hat verschiedene Ausstellungen in mehreren Ländern gemacht: 1987 "Coleman Souter Advertisng Agency", San Francisco 1988 "Vorm Vijf Grafisch Ontwerp buro bNO", den Haag 1996 "Art Expo", New York 1997 "Art Expo", New York 1998 "Galerie Noordeinde", Den Haag (Solo-Ausstellung) » Kooij, KeesKEES KOOIJ – NLTerug naar bovenElke kunstenaar heeft zo zijn eigen verhaal over wat hem drijft en wat zijn werk zou kunnen betekenen. Dit kan namelijk in veel gevallen verhelderend werken. Kees Kooij heeft daar zijn eigen opvattingen over. Wat hij creëert moet immers voor zich zelf spreken, aldus Kees. Om de kijker toch niet volslagen blind te laten proeven van het werk van Kees Kooij het volgende over de maker en wat uit zijn handen komt. Als oudste zoon van een boomkweker, was het uiteraard de bedoeling dat hij ooit het bedrijf van zijn vader zou overnemen. Zoals het hoorde ging Kees naar de Rijkstuinbouwschool, maar hij merkte gaandeweg dat dit niet de richting was die hij ambieerde. Zijn hart lag bij het creatief bezig zijn. Het volgen van kunstonderwijs was echter gezien de omstandigheden uitgesloten. Om zijn passie te bevredigen ging Kees werken bij een atelier dat decors maakte voor theaterproducties. Bij dit bedrijf kon Kees zich naar hartelust uitleven. In diezelfde periode ging Kees zich toeleggen op portretschilderen. Daarop volgde een periode van het schilderen van stillevens. Stap voor stap kwam hij terecht op de huidige stijl, het schilderen van landschapsschoon en dorpsgezichten. Wie traditionele landschappen of dorpsgezichten verwacht is bij Kees aan het verkeerde adres. Kees is slechts geïnspireerd door het landschap, doch gebruikt zijn eigen visie op de realiteit. Realistisch dus, niet naturalistisch. Kees schildert de essentie van de dingen zoals waarschijnlijk alleen hij ze ziet. In zijn schilderproces bouwt hij geometrische composities van kleurrijke vlakken met horizontale en verticale lijnen op. In elk schilderij vind je een strijd van de kunstenaar om tot een eigen bevredigend evenwicht te komen. Steeds zoekend naar de volmaakte lijn en naar de meest expressieve kleurcomposities. De kleuren en het lijnenspel die voor Kees zo belangrijk zijn en als het ware het verhaal van de ontdekkingstocht van de kunstenaar door de natuur vertellen. Een verhaal waar je vrolijk van moet worden getuige het zonnetje dat in elk schilderij te zien is. Het zonnetje dat voor Kees geldt als symbool van blijheid. De schilderijen van Kees neigen enigzins naar de naïeve schilderkunst. Bomen zijn bijvoorbeeld geen echte bomen, maar toch herken je ze en accepteer je ze als zodanig. Ditzelfde geldt in feite ook voor zijn kleurgebruik. Hierdoor treedt er dan ook geen vervreemding op voor de toeschouwer. KEES KOOIJ - ENGBack to TopEach artist has his own story about what drives him and what his work might mean. This may be enlightening in many cases. Kees Kooij has his own ideas about. What he creates has to speak for itself, says Kees. In order not to let the viewer completely blind tasting of the work of Kees Kooij the following about the maker and what comes out of his hands. As the eldest son of a nurseryman, it was clearly the intention that he would eventually take over the business. His father As heard Kees went to the National Horticultural but he gradually discovered that this was not the direction he wanted. His heart was in his creative process. Following an art was, however, given the circumstances. To satisfy his passion Kees went to work at a studio that sets for theatrical productions. This company Kees could play to their heart's content. In the same period, Kees began to concentrate on portraiture. There followed a period of painting still lifes. Step by step he arrived at the current style, painting the beauty of landscapes and townscapes. Who traditional landscapes or village scenes is expected to Kees to the wrong address. Kees is only inspired by the landscape, but uses its own vision of reality. Realistic, not naturalistic. Kees depicts the essence of things as perhaps only he sees them. In his painting he builds geometric compositions of colorful faces with horizontal and vertical lines. In each painting contains the artist's struggle to come. Satisfactory balance to a private Constantly searching for the perfect line and for the most expressive color compositions. The colors and the lines that are so important for Kees and tell by nature., As it were the story of the discovery of the artist A story that should make you witness the sun that can be seen in each painting is gay. The sun that Kees is a symbol of happiness. The paintings of Kees tend somewhat to the naive painting. Trees are not real trees, for example, but you recognize them and accept them as such. The same applies in fact for his use of color. This causes there is no alienation of the spectator. KEES KOOIJ – GERZurück nach obenJeder Künstler erzählt so seine eigene Geschichte über das was ihn antreibt oder über das was sein Werk bedeuten könnte. Dies kann zwar in vielen Fällen eine erklärende Funktion haben doch Kees Kooij hat darüber so seine eigene Meinung. Er sagt: "Was ich kreiere muss für sich selbst sprechen". Um den Betrachter nicht im Dunkeln zu lassen bezüglich des Kunstmalers Kees Kooij und seiner Arbeiten nachfolgend einige Informationen über den Künstler. Dieser wurde als ältester Sohn eines Baumgärtners geboren und es war beabsichtigt, dass er den Betrieb seines Vater übernehmen würde. Wie es sich gehörte ging er auf die "Rijkstuinbouwschool"-Schule doch dort entdeckte er allmählich, dass dies nicht die Richtung war die er bevorzugte. Er liebte es kreativ beschäftigt zu sein doch das Absolvieren einer künstlerischen Ausbildung war der Umstände wegen ausgeschlossen. Um seine künstlerische Leidenschaft doch ausleben zu können, sucht er sich Arbeit in einem Atelier, das Kulissen für Theaterproduktionen machte. Hier konnte Kees Kooij sich nach Herzenslust ausleben. In der gleichen Periode fing er an sich zuzulegen auf das Porträtmalen. Anschliessend begann er auch damit Stillleben zu malen. Schritt für Schritt fand er seinen Stil des Malens schöner Landschaften und Dorfansichten. Wer traditionelle Landschaften oder Dorfansichten erwartet ist bei Kees Kooij an der falschen Adresse. Denn der Kunstmaler hat zwar Interesse für das Motiv an sich doch er zeigt seine eigene Vision auf die Realität. Die ist sozusagen realistisch und nicht naturalistisch zu nennen. Kees Kooij malt die Essenz der Dinge wie wahrscheinlich nur er die sieht. In diesem Prozess des Malens baut er geometrische Kompositionen von farbenreichen Flächen mit horizontalen und vertikalen Linien auf. In jedem Gemälde des Künstlers ist der Streit sichtbar zu einem eigenen, befriedigenden Gleichgewicht zu kommen. Immer auf der Suche nach der perfekten Linie und den meist ausdrucksstarken Farbkompositionen. Nach den Farben und dem Linienspiel, die für Kees Kooij so wichtig sind. Und die sozusagen die Geschichte seiner Entdeckungsreisen durch die Natur erzählen. Eine Geschichte, die fröhlich machen soll, nicht zuletzt wegen der kleinen Sonne, die in jedem Gemälde zu sehen ist. Diese kleine Sonne, die für den Künstler als Symbol der Freude gilt. Die Gemälde Kooijs neigen zur Kunstrichtung der naiven Malerei. Seine Bäume beispielsweise sind keine echten Bäume doch man erkennt sie als solche und akzeptiert sie dann so. Das gleiche gilt auch für sein Farbengebrauch, sodass auch diesbezüglich keine Entfremdung für den Zuschauer aufkommen kann. » Kooij, Maike van derMAIKE VAN DER KOOIJ – NLTerug naar bovenMaike van der Kooij woont in ’t Waar en werkt in de stad Groningen. Haar opleiding kreeg zij aan de Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten in haar geboorteplaats Den Haag. Na een aantal jaren als tekendocent in het voortgezet onderwijs werkzaam geweest te zijn is zij vanaf 1983 schilder. Sinds 1987 woont ze in Groningen, daar werd ze direct gegrepen door het wijde imponerende landschap. Vaak werkt ze op locatie, ze neemt daarbij de essentie van het landschap in zich op en legt deze vast in snelle rake schetsen. Daarbij heeft ze oog voor kortstondige momenten die je soms tegenkomt en die verdwenen zijn voor je ernaar kunt grijpen. Deze notities, soms aangevuld met foto’s, worden in haar atelier vertaald in schilderijen. Vanuit de traditie van het noordelijk expressionisme ontwikkelde ze gaandeweg haar specifiek eigen stijl: een bewegelijk handschrift, soms schraal dan weer pasteus geschilderd. De schilderijen worden niet ‘aus einem guss’ gemaakt, maar vinden pas na langere tijd hun definitieve vorm. Dit heeft mede te maken met wat Maike van der Kooij wil tonen: de vormen in het landschap, samen met het contrast van licht en donker en het ritme van diverse landschappelijke elementen. Het geheel ,moet daarnaast de weidsheid en sfeer ademen en het ‘drama’ dat het noordelijk landschap kenmerkt. Een landschap dat eerst moest raken voor het geschilderd kon worden. MAIKE VAN DER KOOIJ - ENGBack to TopMaike van der Kooij live in 't Where and works in the city of Groningen. She received her training at the Royal Academy of Fine Arts in her hometown of The Hague. After several years as having been employed drawing teacher in secondary education from 1983 they painter. Since 1987 she lives in Groningen, there she was immediately captivated by the impressive wide landscape. She often works on location, they will observe the essence of the landscape itself, and records these in quick sketches rake. In addition, she has an eye for fleeting moments that you sometimes encounter and gone before you can grab at it. These notes, sometimes supplemented by photographs, are translated into paintings in her studio. From the tradition of the northern expressionism she gradually developed her own specific style: an agile handwriting, sometimes lean over thickly painted again. The paintings are not made 'aus einem Guss', but their final form. Finding after long time This is partly what Maike van der Kooij want to display: the forms in the landscape, along with the contrast of light and dark, and the rhythm of various landscape elements. The whole, in addition, the vastness and breathe and feel the 'drama' that characterizes the northern landscape. A landscape that was hit first before it could be painted. MAIKE VAN DER KOOIJ – GERZurück nach oben» Kootstra, KeimpeKEIMPE KOOTSTRA – NLTerug naar bovenKeimpe Kootstra studeerde aan de Academie Vredemand de Vries in Leeuwarden tussen 1974 en 1979. Tussen 2005 en 2009 volgde hij een opleiding aan de Klassieke Academie in Groningen. Keimpe is een kunstenaar van de verbeelding, associaties en intuïtie. Zijn werk ontstaat uit ideeën, gevoelend en stemmingen. Hij schildert zijn innerlijke dromen en verlangens. Hij combineert zowel abstracte als figuratieve vormen. Hij voelt zich niet gebonden aan een bepaalde stijl van werken. Alles kan een aanleiding zijn om een schilderij of tekening te maken. Een herinnering, een foto, ontmoeting of gebeurtenis is het startpunt van zijn verbeelding. Het enig wat hem interesseert is het bereiken van een doel, het verkrijgen van een resultaat, het oplossen van een raadsel, het doordringen van een geheim. Enkele exposities van Keimpe Kootstra: 2006 groepstentoonstelling Forma Aktua Groningen 2005 solotentoonstelling Kunstuitleen Amstelveen 2005 groepstentoonstelling A-Kerk Groningen 2004 solotentoonstelling Kunst Rai Amsterdam 2004 groepstentoonstelling Grafiekbiënale Nijmegen 2003 solotentoonstelling TEM Galerie Noordelijke Hogeschool Leeuwarden 2003 groepstentoonstelling Martinikerk Frankeer 2003 solotentoonstelling Kunstruimte Heerenveen 2003 solotentoonstelling Kunst Rai Amsterdam KEIMPE KOOTSTRA - ENGBack to TopKeimpe Kootstra studied at the Academy of Peace Basket de Vries in Leeuwarden between 1974 and 1979. Between 2005 and 2009 he studied at the Classical Academy in Groningen. Keimpe is an artist of imagination, intuition and associations. His work is based on ideas, feelings or moods. He paints his inner dreams and desires. He combines both abstract and figurative forms. He does not feel bound to a particular style of working. Everything can be a reason to. A painting or drawing A memory, a photograph, meeting or event is the starting point of his imagination. The only thing that interests him is to achieve a goal, getting a result, solving a puzzle, penetrating a secret. Some exhibits Keimpe Kootstra: 2006 group exhibition Forma Aktua Groningen 2005 solo exhibition Kunstuitleen Amstelveen 2005 group exhibition A Church Groningen 2004 solo exhibition Art Rai Amsterdam 2004 group exhibition Grafiekbiënale Nijmegen 2003 solo exhibition Gallery TEM NHL University 2003 group exhibition Martini Church Franking 2003 solo exhibition Art Space Heerenveen 2003 solo exhibition Art Rai Amsterdam KEIMPE KOOISTRA – GERZurück nach oben» Koppel, DavidBack to Top» Korab, KarlKARL KORAB – NLTerug naar bovenKarl Korab, geboren op 26 april 1937 in Falkenstein is een Oostenrijkse beeldend kunstenaar. Hij studeerde tussen 1957 en 1964 aan de Academie voor Schone Kunsten in Wenen. Hij had les van onder andere Sergius Pauser. Vanaf 1960 organiseerde hij talloze tentoonstellingen in binnen- en buitenland. Korab is een veelzijdig kunstenaar. Zijn werk bestaat uit olieverfschilderijen, grafiek, collages, zeefdrukken en lithografieën. Hoofdzakelijk zijn het stillevens of landschappen, maar hij maakt ook werken voor op een podium. Karl woont met zijn gezin in Sonndorf nabij Maissau (Oostenrijk). Korab ontving talrijke onderscheidingen en prijzen voor zijn kunst, waaronder de Culturele Prijs van de provincie Neder-Oostenrijk (1972) en de Gouden Medaille voor de diensten aan de provincie Neder-Oostenrijk (1997). Zijn werken bevinden zich in de openbare- en particuliere collecties in binnen- en buitenland. KARL KORAB - ENGBack to TopKarl Korab, born April 26, 1937 in Falkenstein is an Austrian artist. He studied between 1957 and 1964 at the Academy of Fine Arts in Vienna. He was taught by, among others Sergius Pauser. From 1960 he organized numerous exhibitions at home and abroad. Korab is a versatile artist. His work consists of oil paintings, prints, collages, screen prints and lithographs. Mainly, it still lifes or landscapes, but he also does work for a podium. Karl lives with his family in Sonndorf near Maissau (Austria). Korab received numerous honors and awards for his art, including the Cultural Prize of the Province of Lower Austria (1972) and the Gold Medal for services to the province of Lower Austria (1997). His works are in public and private collections at home and abroad. KARL KORAB – GERZurück nach obenKarl Korab ist ein österreichischer Maler, der am 26. April 1937 in Falkenstein geboren wurde. Zwischen 1957 und 1964 studierte er an der "Akademie für Schöne Künste" in Wien. Hier war u.a. Sergius Pauser sein Lehrer. Ab 1960 organisierte er zahllose Ausstellungen im In- und Ausland. Karl Korab ist ein sehr vielseitiger Künstler der Ölgemälde, Grafiken, Collagen, Siebdrucke und Lithographien produziert hat. Hauptsächlich sind dies Stillleben oder Landschaften doch er hat auch Theaterkulissen gemalt. Karl Korab wohnt mit seiner Familie in Sonndorf bei Maissau (Österreich). Er hat zahlreiche Auszeichnungen und Preise für seine Kunst erhalten. Darunter waren u.a. der Kulturpreis der Provinz Nieder-Österreich (1972) und die Goldmedaille für seine Verdienste für die Provinz Nieder-Östereich (1997). Seine Arbeiten befinden sich in öffentlichen und privaten Kollektionen im In- und Ausland. » Koster, TheoTHEO KOSTER – NLTerug naar bovenTheo Koster (Emmeloord, Nederland, 1952) volgde zijn opleiding aan de Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam en aan de Academie voor Beeldende Kunst in Arnhem. Toen al waren zijn schilderijen landschappelijk van aard, zij het ingetogener dan zijn meer recente werk en hij ontwikkelde een eigen beeldtaal die hij tot op de dag van vandaag gebruikt en uitbreidt. Kenmerkend voor zijn werk is de vlakverdeling; grootse luchten boven land of water met een lage horizon en het heldere kleurgebruik is eigentijds. Zijn gevoel voor de juiste kleurkeuze en de dynamische verfbehandeling creëren een specifieke sfeer in elk afzonderlijk schilderij. Verder maakt hij gebruik van grafische - en collagetechnieken. In zijn speelse en verhalende schilderijen heerst gelijkertijd rust, waardoor er bijna als vanzelfsprekend een compositorisch evenwicht ontstaat. In zijn doeken verwerkt hij een thema dat ons collectief bezighoudt: de zingeving van het menselijk bestaan. Tijdens dit proces legt hij de verbinding met zijn eigen leven, zijn persoonlijk engagement en daarbij hanteert hij een symbolische beeldtaal. THEO KOSTER - ENGBack to TopTheo Koster (Emmeloord, Netherlands, 1952) studied at the Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam and at the Academy of Fine Arts in Arnhem. When all his paintings were landscaped in nature, albeit more subdued than his more recent work, and he developed his own visual language that he uses to this day and expands. Characteristic of his work is the surface distribution; vast skies over land or water with a low horizon and the bright colors and contemporary. His feeling for the right color and dynamic handling of paint create a specific atmosphere in each painting. He also makes use of graphics - and collage techniques. In his playful and narrative paintings prevailing same time calm, leaving quite obviously a compositional equilibrium. In his paintings he uses a theme that engages our collective: the meaning of human existence. During this process, he explains the connection to his own life, his personal commitment, while he uses symbolic imagery. THEO KOSTER – GERZurück nach obenTheo Koster wurde 1952 in Emmeloord (Niederlande) geboren. Seine künstlerische Ausbildung erfolgte an der "Gerrit Rietveld"-Akademie in Amsterdam und an der "Academie voor Beeldende Kunst"-Akademie in Arnheim. Bereits damals waren seine Gemälde landschaftlich ausgerichtet, doch sein Stil hat sich immer anspruchsvoller entwickelt. So verfügt Koster über eine ganz eigene Bildsprache, die er bis zum heutigen Tage umsetzt und weiterentwickelt. Kennzeichnend für sein Werk ist die Verteilung der Flächen mit eindrucksvollen Lüften über Land oder Wasser und einem niedrigen Horizont sowie einem zeitgenössischen Farbeinsatz. Sein Gefühl für die richtige Farbabstimmung und das dynamische Auftragen der Farben kreieren eine besondere Atmosphäre in jedem einzelnen Gemälde. Theo Koster macht auch Gebrauch von speziellen Grafik- und Collage-Techniken. Von seinen spielerischen und erzählerischen Arbeiten geht einen grosse Ruhe aus und so entsteht fast wie selbstverständlich eine gleichgewichtige Komposition. In seinen Leinwänden verarbeitet er zudem ein Thema, das uns allen beschäftigt: Den Sinn der menschlichen Existenz. Während des Malprozesses versucht er mittels einer symbolischen Bildsprache sein eigenes Leben und sein persönliches Engagement einzubringen. » Krabbe, JeroenBack to Top» Kracov, DavidDAVID KRACOV – NLTerug naar bovenDavid Kracov, wiens penseel wordt geleid door de steeds veranderende muze van de popcultuur, waarvan de klei wordt gevormd door de geestige woordspelingen van het Engels, en waarvan de ontwerpen zijn tot leven gebracht door zijn literaire dapperheid, heeft zijn onmiskenbare vingerafdruk op de wereld van de moderne kunst gedrukt. Het bouwen van zijn portefeuille vanaf zijn 12e levensjaar, toen hij werd gekenmerkt als een van de jongste artiesten, werd hij gepresenteerd in het Boston Museum of Fine Arts. David ontwikkelde zijn ruwe talent door het ontvangen een diploma van de prestigieuze Rhode Island School of Design. David voegt nu een enkele vlinder voor elk stuk dat hij creëert, soms zichtbaar, soms verborgen. Deze vlinder is een eerbetoon aan de fijnheid en de waarde van leven - is uitgegroeid tot David's handtekening en handelsmerk. Als eerbetoon aan hen die hun leven verloren op 9/11, maakte David het metalen sculptuur 'Reflections' met de skyline van New York, met vlinders die naar de hemel vliegen. Dit kunstwerk siert de muren van een aantal prominente New Yorkse vastgoedmagnaten. David's sculpturen zijn opgenomen in de collecties van een aantal van bekende mensen, waaronder Steven Spielberg, Matt Damon, Judy Sheindlin, Donald Trump, Robert Kiyosaki, Whoopi Goldberg, Joel Silver en Richard Donner. DAVID KRACOV - ENGBack to TopDavid Kracov, whose brush is led by the ever-changing muse of pop culture, whose clay is shaped by the witty puns of the English language, and whose designs are brought to life by his literary prowess, his unmistakable fingerprint on the world modern art printed. Building his wallet from his 12th year of life, when he was featured as one of the youngest artists, he was presented at the Boston Museum of Fine Arts. David developed his raw talent by receiving a degree from the prestigious Rhode Island School of Design. David adds a single butterfly for each piece he creates, sometimes visible, sometimes hidden. This butterfly is a tribute to the fineness and the value of life - has become David's signature and trademark. As a tribute to those who lost their lives on 9/11, David made the metal sculpture 'Reflections' with the New York skyline, with butterflies flying to the sky. This artwork adorns the walls of several prominent New York real estate tycoons. David's sculptures are included in the collections of a number of well-known people, including Steven Spielberg, Matt Damon, Judy Sheindlin, Donald Trump, Robert Kiyosaki, Whoopi Goldberg, Joel Silver and Richard Donner. DAVID KRACOV – GERZurück nach obenTheo Koster wurde 1952 in Emmeloord (Niederlande) geboren. Seine künstlerische Ausbildung erfolgte an der "Gerrit Rietveld"-Akademie in Amsterdam und an der "Academie voor Beeldende Kunst"-Akademie in Arnheim. Bereits damals waren seine Gemälde landschaftlich ausgerichtet, doch sein Stil hat sich immer anspruchsvoller entwickelt. So verfügt Koster über eine ganz eigene Bildsprache, die er bis zum heutigen Tage umsetzt und weiterentwickelt. Kennzeichnend für sein Werk ist die Verteilung der Flächen mit eindrucksvollen Lüften über Land oder Wasser und einem niedrigen Horizont sowie einem zeitgenössischen Farbeinsatz. Sein Gefühl für die richtige Farbabstimmung und das dynamische Auftragen der Farben kreieren eine besondere Atmosphäre in jedem einzelnen Gemälde. Theo Koster macht auch Gebrauch von speziellen Grafik- und Collage-Techniken. Von seinen spielerischen und erzählerischen Arbeiten geht einen grosse Ruhe aus und so entsteht fast wie selbstverständlich eine gleichgewichtige Komposition. In seinen Leinwänden verarbeitet er zudem ein Thema, das uns allen beschäftigt: Den Sinn der menschlichen Existenz. Während des Malprozesses versucht er mittels einer symbolischen Bildsprache sein eigenes Leben und sein persönliches Engagement einzubringen. » Krikhaar, HermanBack to Top» Kuijpers, HenkBack to Top» Kukolev, MichailMIKHAIL KUKOLEV – NLTerug naar bovenMichail Kukolev (Rusland, 1962) slaagde in 1989 voor de opleiding Art and Design aan de Moskouse Textiel Academie. Tegenwoordig speelt zijn artistieke carrière zich hoofdzakelijk af in Praag, waar hij sinds 1990 woont met zijn Tsjechische vrouw en dochter. Naast plaatselijke exposities in onder andere de Celetna galerie, Galerie Rapid en de Praagse Galerie heeft Kukolev ook veel geëxposeerd in het buitenland. MIKHAIL KUKOLEV - ENGBack to TopMichail Kukolev (Russia, 1962) passed in 1989 for training Art and Design at the Moscow Textile Academy. Today, his artistic career is mainly set in Prague, where he lives with his Czech wife and daughter since 1990. Besides local exhibited in the gallery Celetna, Rapid Gallery and the Gallery Prague has Kukolev many exhibited abroad. MIKHAIL KUKOLEV – GERZurück nach oben» Landsaat, HansBack to Top» Lauter, FransFRANZ LAUTER – NLTerug naar bovenFranz L. Lauter (Blomberg, 1947) studeerde aan de Kunstacademie in Thorn (Duitsland). Sinds 1975 werkt hij als zelfstandig kunstenaar. Zijn werk kenmerkt zich niet alleen door sprookjesachtige kleuren; als we iets verder kijken dan dat, ontdek je dramatiek, kwaliteit en een onmiskenbaar intellectuele lading. Inspiratie haalt Franz uit de natuur, bloemen en vrolijke seizoenen. Naast schilderen heeft Lauter nog een andere passie: koken. "Ich bin ein Maler aus Leidenschaft und möchte noch eine neue Strichtechnik entdecken. Ich bin ein Koch aus Überzeugung und möchte noch neue Geschmacksnuancen entdecken." Sinds 1982 heeft Lauter een restaurant in Lünen, Schloss Schwansbell genaamd. De laatste jaren heeft Lauter ook veel bekendheid gekregen als kok voor de sterren, televisiekok en auteur van kookboeken. FRANZ LAUTER - ENGBack to TopFranz L. Lauter (Blomberg, 1947) studied at the Art Academy in Thorn (Germany). Since 1975 he works as an independent artist. His work is characterized not only by fairy-tale colors, if we look a little further than that, you will discover drama, quality and unmistakable intellectual charge. Franz takes inspiration from nature, flowers and cheerful seasons. Besides painting Lauter has another passion: cooking. "Ich bin ein Maler aus Leidenschaft und eine neue möchte nor Strichtechnik entdecken. Ich bin ein aus Überzeugung Koch und neue möchte nor Geschmacksnuancen entdecken." Since 1982 Lauter has a restaurant in Lünen, Schloss Schwansbell called. In recent years, Lauter also received much fame as a cook for the stars, TV chef and author of cookbooks. FRANZ LAUTER – GERZurück nach obenFranz Lauter wurde 1947 in Blomberg (Deutschland) geboren und besuchte die Kunstakademie im polnischen Torun (dem früheren deutschen Thorn). Seit 1975 arbeitet er als selbständiger Künstler. Sein Werk kennzeichnet sich nicht nur durch märchenhafte Farben. Denn wenn man etwas weiter schaut wie dieser erster Eindruck, entdeckt man Dramatik ,Qualität sowie eine unverkennbare Ladung Intellektualität .Seine Inspiration holt Frans Lauter aus der Natur, aus Blumen und aus fröhlichen Jahreszeiten. Ausser der Kunstmalerei verfügt Frans Lauer mit dem Kochen noch über eine weitere Passion .Er sagt von sich: "Ich ein Maler aus Leidenschaft und möchte noch eine neue Strichtechnik entdecken. Ich bin ein Koch aus Überzeugung und möchte noch neue Geschmacksnuancen entdecken". Seit 1982 hat Lauter auch ein Restaurant in Lünen (Westfalen) mit dem Namen "Schloss Schwansbell". In den letzten Jahren hat Frans Lauter auch grosse Bekanntheit erworben als Prominenten- und Fernsehkoch sowie als Autor von Kochbüchern » Leeuwen, Diederik vanBack to Top» Lengvenius, FrankFRANK LENGVENIUS – NLTerug naar bovenFrank Lengvenius is in 1952 geboren te Brunssum. Hij volgde de academie Sint Joost in Breda. Zijn liefde voor het schilderen begint al in zijn kinderjaren. Zelf herinnerd hij zich zijn kunstzinnige impulsen vanuit het Staatsmijnpark, waarin vitrines met schilderijen te bezichtigen waren. En vanuit een houten gebouw, waarin met ijver en selectief vermogen tentoonstellingen werden georganiseerd van actuele kunst, onder regie destijds van Ilse Frankenthal, die Frank later stimuleerde in zijn werk. Na zijn opleiding aan de academie keert Frank Lengvenius terug naar de mijnstreek en vestigt zich daar met zijn atelier in een verlaten melkfabriek en later in een boerderij. Hij heeft een tijd lang in Abdij Rolduc in Kerkrade fresco’s en wandbeschilderingen gerestaureerd, ditzelfde deed hij in Aken. Het werk van Lengvenius is veelal geïnspireerd op het stedelijke leven; huizen, ladders tegen de hemel, bruggen en pijlers. Het hele veld is vol laag over laag geschilderde kleur in uiterst geraffineerde samenstellingen en levendig bewerkt met lineatuur in penseel en wit krijt en zwart. Zijn werk uit eind jaren tachtig is nog voornamelijk grijs en zwart maar gaandeweg wordt het steeds uitbundiger van kleur. Het werk van Frank Lengvenius is te zien (geweest) op vele internationale beurzen in Frankfurt, Gent en Amsterdam en in diverse steden waaronder Eindhoven, Aken en Baden-Baden. FRANK LENGVENIUS - ENGBack to TopLengvenius Frank was born in Brunssum in 1952. He attended the Academy St. Joost in Breda. His love for painting begins in childhood. He himself remembers his artistic impulses from the My State Park, which were on display showcases paintings. And from a wooden building, which selectively with zeal and ability were organized exhibitions of contemporary art, at that time under the direction of Ilse Frankenthal, Frank later encouraged in his work. After graduating from the academy Lengvenius Frank returns to the mining and settled there with his studio in an abandoned milk factory and later in a farm. He has a time in Abbey Rolduc in Kerkrade frescoes and wall paintings restored, he did the same in Aachen. The work of Lengvenius is mostly inspired by urban life, houses, ladders against the sky, bridges and piers. The entire field is filled with layer upon layer of color painted in highly sophisticated compositions and lively edited with rulings in pencil and white chalk and black. His work from the late eighties, is still predominantly gray and black, but gradually becomes more exuberant color. The work of Frank Lengvenius is seen (been) many international trade fairs in Frankfurt, Ghent and Amsterdam, and in several towns including Eindhoven, Aachen and Baden-Baden. FRANK LENGVENIUS – GERZurück nach obenFrank Lengvenius wurde 1952 in Brunssum geboren .Er studierte Kunstmalerei an der "Sint Joost"-Akademie in Breda. Seine Liebe zur Kunst fing schon in seinen Kinderjahren an. Selbst erinnert er sich an künstlerische Impulse aus dem Bunssumer Staatsmijnpark, wo es Vitrinen mit Gemälden zu besichtigen gab. Aber auch an einem Holzgebäude, in welchem von Ilse Frankenbeil mit grosser Eifer und mit beschränkten Mitteln immer wieder Ausstellungen moderner Kunst organisiert wurden. Ilse Frankenbein sollte Frank Lengvenius auch später in seiner Arbeit stimulieren. Nach seiner Ausbildung in Breda kehrte er wieder zurück ins Mijnstreek-Kohlerevier und liess er sich mit seinem Atelier nieder in eine verlassene Milchfabrik. Später folgte ein Umzug auf einem Bauernhof .Eine Zeit lang hat er in der Rolduc-Abtei in Kerkrade Fresken und Wandmalereien restauriert. Die gleiche Arbeit hat er auch in Aachen gemacht. Das Werk Lengvenius' ist häufig inspiriert vom städtischen Leben: Häusern, Leitern gegen den Himmel, Brücken und Pfeilern. Die ganze Leinwandfläche ist aufgefüllt mit vielen Farbschichten übereinander, in äusserst raffinierten Zusammenstellungen und lebendig-vital bearbeitet mit Pinsellinien und weisser und schwarzer Kreide. Seine Arbeiten aus den achtziger Jahren sind noch hauptsächlich grau und schwarz, doch inzwischen wird das Ganze immer farbenfroher. Die Arbeiten von Frank Lengvenius waren vielfach zu sehen auf vielen internationalen Messen in Frankfurt, Gent und Amsterdam sowie auf Ausstellungen in Eindhoven, Aachen und Baden-Baden. » Lewis, BenitoBack to Top» LionelBack to Top» LizBack to Top» Lonsdorf, EvaBack to Top» Mackaay, TheoTHEO MACKAAY – NLTerug naar bovenOp een mooie zondagmorgen in het jaar 1950 werd ik geboren. Na een wat onrustige middelbare school periode ben ik in 1970 met een opleiding tot steenhouwer begonnen, welke ik na een klein jaar succesvol afsloot. Dit was voor mij de basis voor het vak dat ik wilde gaan uitoefenen, namelijk beeldhouwen. Na het toelatingsexamen aan de Gerrit Rietveld Academie was mijn toelating een feit en studeerde ik er van 1972 tot en met 1976 en ik deed in dat zelfde jaar ook eindexamen, dit eigenlijk een jaar te vroeg, maar ik kon toen naar de Rijksacademie voor beeldende kunst, ook in Amsterdam, iets wat ik erg graag wilde, gezien het totaal verschillende karakter van deze opleiding, hier kon ik veel dieper op de materie ingaan en proberen door het schetsmatige van mijn werk heen te komen. Omdat ik al wat meer praktische kanten van het vak beheerste, zoals het steenhouwen en mijn vele werk in de bronsgieterij van Jan Steyleart, leek het de leraren Wong en Rietbroek wel een goed idee om mij dan ook maar een jaar eerder eindexamen te laten doen. Na het examen in 1976 werd ik aangenomen op de rijksacademie, welke ik na drie intensive jaren afsloot onder de bezielende leiding van Prof. Piet Esser. Deze vond mijn boxkampioenschap interessanter denk ik dan het toenmalige niveau van mijn kunstenaar zijn, gelukkig maar, want er konden maar 8 mensen per jaar worden aangenomen voor de monumentale klassen, het voelde alsof er een vogeltje op je hoofd zat! Mijn werk is het best te omschrijven als gedeformeerd figurisme, ik ga dus uit van de bestaande vormen en doe er dan vervolgens iets mee, zodat je deze figuren op straat in ieder geval nooit meer zal tegenkomen, het zijn verwijzigen naar de oervorm en het archetypische. Ik verbaster het geheel dus naar een eigen wereld en zienswijze, dit om zoveel mogelijk de kunstenaarsziel in mij te raken. Mijn eerste opdracht, was de grote prijs van het Nederlandse film festival, het Gouden kalf in 1980 en dit in samenwerking met de toenmalige directeur, initiatiefnemer en filmer, Jos Stelling. Ik heb destijds meerdere ontwerpen in de vorm van tekeningen gemaakt en uiteindelijk is er gekozen voor het meest conventionele ontwerp, nu vele jaren later zie ik er toch veel meer kracht in dan ik toen kon zien en ben ik blij dat het er zo is uitgekomen, het overleeft in ieder geval al 28 jaar filmgala's. Het is een prettige start om iets te maken in opdracht wat ook als zodanig wordt geaccepteerd, dit heeft voor mij de schwung er al die jaren aardig ingehouden. In datzelfde jaar 1980 ben ik ook weer gaan schilderen, iets wat ik al in mijn prille jeugd erg leuk vond en waar ik van kinds af aan dus veelvuldig mee bezig was. Ook dit is uitgemond tot 28 jaar werken met kleur en illusie en nog steeds kan ik er gelukkig van worden als er weer één af is en dit geld natuurlijk voor zowel de beelden als de schilderijen. Ik heb mijn hele leven veel muziek gemaakt, het gitaar spelen en liedjes schrijven ben ik eigenlijk altijd blijven doen, eerst op zeer jeugdige leeftijd, samen met mijn oudste broer in verschillende bandjes en later ook alleen, het was toen moeilijk om een keuze te maken. Ik verhuurde mijn stem in de studio's voor reclame doeleinden en speelde verschillende malen op platen van anderen, meestal werd ik hier ook voor betaald, zo kwam ik in mijn jonge jaren al een beetje aan de kost, later toen ik van de academie kwam verdiende ik mijn geld ook als gitarist oa. in de theatertour van Lenny Kuhr met Dolf Koch, Rene brom en Simon Been, met deze drie ben ik later de Nederlandstalige rockband BRAAK begonnen, aangevuld met Hans Kosterman en Cherry Weidenbosch, samen hebben wij verschillende platen gemaakt. De band was flink links georiënteerd, wij waren in die tijd eigenlijk tegen het protocol, wij wilde het wel anders en lieten dat ook duidelijk merken in onze teksten. Eigenlijk heb ik dat nog een beetje, alles is mij nu, veel te veel georganiseerd, als kunstenaar moet je juist vrij zijn en zelf kunnen beslissen, maar goed genoeg hierover. Vanaf 1982 heb ik rondgedobberd in Italië, veel heb ik er gezien en ik ben geïnspireerd geraakt door de schoonheid van het land en de onbeschrijfelijke kunstschatten, het leek er wel één groot open lucht museum. Mijn ontmoeting met Rinnello Brusi was daar dus een logisch gevolg van, zijn vrouw en kinderen deden het restaurant en mijnheer werkte achter buiten aan zijn marmeren beelden, alles liep op rolletjes, het was goed toeven in een dergelijk milieu, door eerst samen met hem te werken kwam ik zelf ook in de juiste stemming en toen pas begon mijn wereld daar gestalte te krijgen, ik had zo wie zo al iets met het land en Italië maakte zich van mij meester, het kroop als het ware in mijn bloed. Na mijn Italië periode heb ik lange tijd hier in Nederland gewerkt en tevens de grootste basis gelegd voor wat er daarna in mijn werk is gebeurd. Ik heb in die periode allerlei mensen ontmoet, waarvan er een aantal later ook erg belangrijk zijn gebleken, dit waren natuurlijk niet alleen de kopers maar ook de bewonderaars, je fans zal ik maar zeggen. Doordat ik wat meer ruimte zocht en mijzelf weer vrij wilde maken was België een oplossing. Daar ben ik heel anders gaan werken, eerst deed ik nog erg mijn best om mij aan mijn Rembrandtsiaanse manier van schilderen vast te houden, maar daar liep ik op stuk. Mooi is het dat er voor alles een tijd en een plaats is, ik was er kennelijk aan toe om krachtiger en sneller te werken, mijn opzet te veranderen. Eigenlijk zonder na te denken, blind te varen op het kompas van mijn kunstenaarschap, dit alleen wat betreft mijn schilders activiteiten. In die periode heb ik eigenlijk alleen maar geschilderd en bijna geen beelden gemaakt, ik schilderde dag en nacht, het was alsof mijn leven er van hing! In deze fase ben ik voor de kunsthandelaren gaan werken, ik vond het heel wat gemakkelijker, de zaken liepen vlotter en ik wist gelijk waar ik aan toe was! Na een aantal jaren zo gewerkt en geleefd te hebben kwam er weer heimwee naar het 3 dimensionale en zo kon ik dus mooi alle vormen die ik op de schilderijen had bedacht omzetten naar die andere dimensie, namelijk die van het sculpturale. Deze nieuwe start diende zich gelijk aan met een reis naar China, welke mijn bronsgieter Hans Steyleart georganiseerd had. Het bleek dat hij al dat vele geschilder van mij helemaal zat was, hij was bang dat als hij niet ingreep zijn beeldhouwer in het blaue hineins zou verdwijnen. Eenmaal daar aangekomen was ik erg onder de indruk van het land en de bevolking. De sfeer deed mij denken aan mijn jeugd, alles gebeurd op straat en bijna iedereen roeit met dezelfde spaan, het had mijn hart gestolen en mijn handen jeukten, het werk riep! Ik ben begonnen om een paar favorieten ontwerpen uit de periode van 1986 tot 1991 een nieuwe gestalte te geven, het leek mij fijn om met de verworven kennis van ongeveer 20 jaar later diezelfde vorm nog eens door je handen te laten gaan. Voor mij was het erg spannend om met een paar mensen daar deze strijd aan te gaan. Na het uitmeten van de vorm maakten zij in klei zo de eerste opzet, vervolgens werd die in gips gegoten en keek ik tegen een hele grote vorm aan die mij totaal niet beviel en toen, kon mijn werk beginnen! Het vijlen en gipsen was in het begin wel even wennen maar toen ik daar doorheen was en de werk conditie had toegenomen, vlogen de vonken er als vanouds vanaf. Een taal barrière heb ik als zodanig nooit ervaren, we spraken tenslotte allen de taal der sculptuur Mijn dagen werden gesleten in het stramien van werken, slapen en eten, tijdens het werk was er prachtige Chinese muziek en de rust van het landschap was overweldigend. Het atelier was zeker een uur rijden van de stad, een broodje halen tussen de middag, dat was er niet bij, ik dronk dus maar water want eten buiten de stad leek mij geen goed idee. Het was een totaal nieuwe ervaring om tijdens het werk niet meer afgeleid te worden door de beslommeringen van het dagelijkse thuis. Ik kan mij niet herinneren dat ik een dergelijke vorm van concentratie tijdens het werken eerder had bereikt, dit alles leek op één diepe meditatie, geweldig! Ruim twee en een half jaar later hebben mijn reizen en werk geresulteerd in een 25 tal nieuwe beelden, zowel in brons als in steen en deze in de verschillende afmetingen van 1.20 tot 4 meter. Intussen had de tijd niet stil gestaan en via het grote werk liep de belangstelling hoger op en zo kwam ik in Spanje, Fred schaap tegen, die eerst een bewonderaar bleek te zijn van mijn werk, maar later is hij samen met mij in de wereld van de kunst met een grote K gestapt. Onze samenwerking resulteerde er vervolgens in dat ik in Spanje ben gaan wonen en werken, een fantastisch land met een eindeloze horizon, prachtig licht en veel Viva España. Samen zijn wij nu bezig werk van mij te plaatsen in verschillende steden van Europa, zodat alles een meer internationaal karakter krijgt. Voorlopig wordt er enthousiast op gereageerd en stimuleert het mij om lekker verder te gaan, mijn vorm wordt steeds duidelijker en zelf heb ik het gevoel dat de ontwikkeling nog bij lange na niet aan zijn einde is. Na mate je ouder wordt en je de emoties dieper kan vertalen wordt alles veel interessanter! Dus ik stroop voor nu maar weer de mouwen op en begin gewoon weer aan iets geheel nieuws. THEO MACKAAY - ENGBack to TopOn a beautiful Sunday morning in 1950 I was born. After a troubled high school years I started in 1970 with a training stonemason, which I ended successfully after a year. For me this was the basis for the course that I wanted to pursue, namely sculpting. After the entrance examination at the Gerrit Rietveld Academie my admission was a fact, and I studied there from 1972 to 1976 and I did in that same year, final exams, this is actually a year too early, but I could at the State Academy of Fine Arts , also in Amsterdam, something I really wanted, given the very different nature of this course, here I was able to go deeper into the matter and try to come back. sketchy by my work Because I already mastered some more practical aspects of the subject, such as stone carving and my hard work in the foundry of Jan Steyleart, it seemed the teachers Wong and Rietbroek be a good idea to also only a year earlier to let me do. Exams After the exam in 1976, I was adopted at the state academy, which after three intensive I finished under the inspiring leadership of Prof. years. Piet Esser. This was my boxkampioenschap interesting I think than the then level of my artist be happy, but because there are only eight people could be adopted for the monumental classes per year, it felt like a little bird sitting on your head! My work can be described as deformed figurisme, the best so I'm out of the existing forms and then add then a little so that you on the street at least will never encounter these characters are references to the archetype and the archetypal. I verbaster all so to their own world view and, in order to hit. Much as possible the artists soul in me My first assignment was the grand prize of the Dutch Film Festival, the Golden Calf in 1980 in collaboration with the then director, founder and filmmaker Jos Stelling. At the time I made several designs in the form of drawings and eventually was chosen the most conventional design, now many years later, I'm still a lot more power than I could see then and I am glad it is so true, it survives at least 28 years film galas. It is a pleasant start to make something in whatever assignment is accepted, as such, it has the panache is withheld nice to me all these years. In the same year 1980 I started painting again, something I really liked all of my early youth, and I was often so busy with it since childhood. Again, this has led to 28 years of working with color and illusion, and still I can be happy when another is finished and the money of course, both the images and the paintings. I have my whole life made a lot of music, playing the guitar and writing songs, I actually always will, first at a very young age, with my eldest brother in several bands and later alone, it was difficult to make a choice. I let my voice in the studio for advertising purposes and played on records by others, several times mostly I was here as well paid, so I got in my younger years though a bit on the cost later, when I came to the academy, I earned my money as a guitarist, among others. in the theater of Lenny Kuhr Dolf Koch, Rene hum and Simon Bone, with these three, I later the English rock band started LAND, together with Hans Kosterman and Cherry Weidebosch together, we have made several records. The band was quite oriented left, we were at that time actually against protocol, we wanted to be different and proved evident in our texts. Actually, I have a bit, everything is me now, too much organized as an artist you have to just be free and able to decide for themselves, but this is good enough. From 1982 I rondgedobberd in Italy, I've seen a lot and I am inspired by the beauty of the country and the indescribable treasures, it looked like a large open air museum. My encounter with Rinnello Brusi there was therefore a logical consequence of his wife and children did the restaurant and Mr worked out behind his marble sculptures, everything went smoothly, it was good to be in such an environment, by first working with him to I was working myself into the right mood, and only then began my world there to take shape, I had so whoever anything with the land and Italy made over me, as it were, it crept into my blood. Italy after my time here I have worked a long time in the Netherlands and also laid the foundation for what is greatest after my work is done. I met all kinds of people in that period, which proved to be very important, also some later this course were not only buyers but also admirers, your fans so to speak. Because I was looking for more space and wanted to make myself clear again Belgium was a solution. I'm going to work very differently at first I did not really do my best to keep me on my way of painting Rembrandtsiaanse fixed but I walked on piece. Beautiful that there is a time and a place for everything, I was apparently to allow for more powerful and faster to work to change. My intent Actually, without thinking, blind trust in the compass of my artistry, this only concerning my activities painters. In that period I actually just painted and almost no pictures are taken, I painted day and night, it was as if my life depended on it! At this stage I started working for art dealers, I found it a lot easier, things were running smoothly, and I knew right where I was yours! After several years as worked and lived came back nostalgia for the three-dimensional, and so I was so beautiful that I had to convert all forms of thought to that other dimension, the paintings that of the sculptural. This new start presented itself equals a trip to China, which had my bronze founder Hans Steyleart organized. It turned out that he painted many of me all sat was, he was afraid that if he did not have surgery sculptor would disappear. Blaue in hineins Once there, I was very impressed with the country and its population. The atmosphere reminded me of my childhood, everything happened on the streets and almost everyone rowing in the same chip, it had stolen my heart and my hands itched, called work! I started to have a few favorites designs from the period 1986 to 1991 to give a new shape it seemed fine to me with the knowledge acquired about 20 years later once more to go. Same shape through your hands For me it was very exciting to go there. This fight with a few people After measuring the shape they made in clay as the first draft, which was then cast in plaster and I looked at a very large form that is totally not like me, then, could begin my work! Filing and plaster was in the beginning to get used, but when I was there, and through the work had increased, condition the sparks flew as usual from. A language barrier, I have never experienced as such, we all finally spoke the language of sculpture My days were worn in the pattern of work, sleep and eat while working there was wonderful Chinese music and the rest of the landscape was overwhelming. The workshop was definitely an hour's drive from the city, pick up a sandwich at lunchtime, it was not there, so I drank only water for food outside the city seemed like a good idea. It was a totally new experience to be the worries of everyday home. Not distracted at work I can not remember that I had previously reached such a form of concentration while working it all looked like a deep meditation, great! More than two and a half years later, my travels and work resulted in about 25 new images, both in bronze and stone, and these in various sizes from 1.20 to 4 meters. Meanwhile, the time has not stood still, and through the great work was the higher interest and so I came to Spain, sheep against Fred, who first appeared to be an admirer of my work, but later he was with me in the world of art with a capital stepped. Our collaboration resulted in there then I'm going to live and work in a great country with an endless horizon, beautiful light and lots of Viva España in Spain. Together we are now working to place in different cities of Europe, so that everything gets more international work. Mine For now there is enthusiastic response and encourages me to continue good, my form is becoming clearer and I myself feel that the development is still far from its end. After as you grow older and you can translate the emotions deeper everything becomes much more interesting! So I syrups for now, but again the sleeves and just start again with something new. THEO MACKAAY – GERZurück nach oben"An einem schönen Sonntagmorgen im Jahre 1950 wurde ich geboren. Nach einer etwas unruhigen Schulzeit habe ich 1970 mit einer Ausbildung als Steinmetz angefangen, die ich nach einem Jahr abschliessen konnte. Dieses Handwerk war auch für mich eine gute Basis für die von mir angestrebte, spätere Arbeit als Bildhauer. Nachdem die Aufnahmeprüfung an der "Gerrit Rietveld"-Akademie bestanden war studierte ich dort von 1972 bis inklusive 1976. Im gleichen Jahr legte ich die Abschlussprüfung erfolgreich ab. Dies war eigentlich ein Jahr zu früh, doch ich konnte auf dieser Weise zur "Rijksacademie voor Beeldende Kunst" kommen, die auch in Amsterdam angesiedelt war. Etwas das ich gerne wollte wegen der totalen Verschiedenheit beider Ausbildungen. Denn hier konnte ich viel tiefer auf die Materie eingehen und versuchen durch die Gesetzmässigkeit meines Werks zu hindurchzublicken. Da ich die praktischen Seiten des Faches beherrschte wegen meiner Ausbildung als Steinmetz und meiner vielen Arbeit in der Bronzegiesserei von Jan Steylaert schien es meinen Lehrern Wong und Rietbroek eine gute Idee mich dann auch ein Jahr früher für die Endprüfung anzumelden. Nachdem ich diese bestanden hatte wurde ich tatsächlich zur Rijksacademie zugelassen .Hier studierte ich drei Jahre unter der begeisterten Führung von Professor Piet Esser. Dieser fand allerdings meine Boxmeisterschaft, denke ich, interessanter als das damalige Niveau meiner Künstlerschaft. Was natürlich gut war, denn es konnten nur jeweils 8 Studenten jährlich für die monumentalen Klassen aufgenommen werden. Meine Arbeit war am besten mit "deformiertem Figurismus" zu umschreiben. Dabei gehe ich aus von bestehenden Formen und mache dann etwas damit, so wie man diesen Gegenständen auf der Strasse nie begegnen würde. Es sind sozusagen Verweisungen nach Urform und Archetypus. .Ich "entarte" das Ganze somit in einer eigenen Welt und gemäss einer eigenen Sicht der Dinge, damit meine Künstlerseele in mir zufrieden ist. Mein erster Auftrag war der grosse Preis des niederländischen "Het Gouden Kalf"- Filmfestivals. Und dies im Zusammenarbeit mit dem damaligen Direktor, Initiativnehmer und Filmemacher Jos Stelling. Ich habe damals mehrere Entwürfe als Zeichnungen gemacht und zum Schluss hat man sich entschieden für den meist konventionellen Entwurf. Jetzt nach vielen Jahren sehe ich doch viel mehr Kraft in das Kunstwerk als damals .Und so bin ich froh, dass es so gekommen ist. Denn das Kunstwerk hat inzwischen schon 28 Filmgalas überlebt. Etwas im Auftrag machen zu dürfen, das dann auch akzeptiert wird, ist übrigens eine angenehme Aufgabe, besonders zum Anfang. Diese Erfahrung hat mich während dieser vielen Jahre immer wieder beflügelt. Im gleichen Jahr 1980 habe ich auch wieder angefangen mit der Kunstmalerei. Denn auch das habe ich in meiner Jugend gerne gemacht und auch das hat mir immer viel Spass gemacht. Auch diese künstlerische Richtung hat letztendlich zu 28 Jahren Arbeit mit Farben und Illusionen geführt. Und auch heute kann ich mich sehr glücklich fühlen wenn wieder ein Werk fertiggestellt worden ist, ob nun Bildhauerei oder Kunstmalerei. Ich habe in meinem gesamten Leben auch viel Musik gemacht, habe Gitarre gespielt und Songs geschrieben. Zuerst im jugendlichen Alter zusammen mit meinem Bruder in verschiedenen Bands und später auch alleine. Es war damals nicht einfach sich für etwas zu entscheiden. Auch vermietete ich meine Stimme in Werbestudios für allerhand Werbuneaktivitäten. Ebenso spielte ich einige Malen mit auf Platten andere Musiker. Da das gleichfalls nicht schlecht bezahlt wurde kam ich in jenen Jahren gut über die Runden. Auch nachdem ich meine akademische Ausbildung beendet hatte, verdiente ich mein Geld als Gitarrist, u.a. in der Theatertour von Lenny Kuhr mit Dolf Koch, Rene Brom und Simon Been. Später habe ich mit diesen drei Musikern die Rockband BRAAK gegründet zu der später noch Hans Kosterman und Cherry Weidenbosch stiessen. Wir haben gar verschiedene Platten gemacht. Unsere Band war ziemlich links orientiert und ziemlich gegen das Protokoll .Auch wir wollten vieles anders machen und liessen das auch in unseren Texten merken. Eigentlich steckt das auch heute noch ein wenig in mir: das Ganze ist mir allzu durchorganisiert, als Künstler muss du ja gerade frei sein und selber entscheiden können. Aber genug davon. Ab 1982 habe ich mich in Italien aufgehalten, wo ich viel gesehen habe und inspiriert wurde von der Schönheit des Landes und von den unbeschreiblichen Kunstschätzen, Das Ganze schien mir ein einziges Freiluftmuseum zu sein. Meine Begegnung mit Rinnello Brusio war eine logische Folge davon. Seine Frau und seine Kinder machten das Restaurant auf der Vorderseite und der Herr des Hauses arbeitete auf der Rückseite im Freien an seinen Marmorskulpturen. Alles funktionierte tadellos. Es war ein angenehmes Verweilen in einer solchen Umgebung. Und indem ich mit ihm zusammen arbeiten konnte, kamen auch die gute Stimmung und die Struktur in meinem Leben wieder zurück. Ich konnte gut mit diesem Land und es nahm mich völlig in den Griff. Es kroch sozusagen in meine Adern. Nach meiner Italienzeit habe ich wieder lange Zeit in den Niederlanden gearbeitet .Hier wurde die Grundlage gelegt für alles was nachher in meiner Arbeit stattgefunden hat. Ich bin in dieser Periode vielen Menschen begegnet, von denen einige später sehr wichtig für mich wurden. Das waren natürlich nicht nur Käufer sondern vor allem auch Bewunderer, Fans sozusagen. Da ich mehr Platz suchte und mich auch wieder freier fühlen wollte war Belgien eine möglich Lösung. Dort habe ich angefangen ganz anders zu arbeiten. Zuerst habe ich mich noch bemüht meine Gemälde sozusagen nach Rembrandt-Art zu gestalten aber das ging einfach nicht mehr. Aber offensichtlich gibt es für alles seinen Platz und seine Zeit. Ich war scheinbar so weit noch kräftiger und schneller zu arbeiten und vor allem auch meine Richtung zu ändern .Eigentlich ohne nachzudenken und blind zu fahren mit meinem Künstlerkompass. Das galt allerdings nur für meine Malerei. Denn in dieser Periode habe ich eigentlich nur gemalt. Ich tat das Tag und Nacht. Es war als ob mein Leben davon abhing und so habe ich auch angefangen für Kunsthändler zu arbeiten. Dabei ging alles viel leichter von der Hand, die Geschäfte liefen besser und ich wusste gleich was Sache war. Nach einer Anzahl Jahren so gelebt und gearbeitet zu haben, bekam ich wieder Heimweh nach dem Dreidimensionalen. Da traf es sich gut, dass sämtliche Formen, die ich auf meinen Gemälden dargestellt hatte, bestens dafür geeignet waren sich bequem in die dritte Dimension der Skulpturen umsetzen zu lassen. Dieser neue Start diente sich sogleich an auf einer Reise nach China, die mein Bronzegiesser-Freund Hans Stylaert organisiert hatte . Es stellte sich heraus, dass er nichts von meinen Malereien haben musste. Er hatte Angst, dass sein Bildhauer-Freund ins Blaue hinein verschwinden würde, wenn er nicht eingreifen würde. Einmal in China angekommen, war ich sehr beeindruckt von Land und Leuten .Die Atmosphäre liess mich an meine Jugend denken, alles fand auf der Strasse statt und ein jeder ruderte mit den gleichen Attributen. Das Ganze hatte mein Herz gestohlen und meine Finger juckten wieder arbeiten zu können. Die Arbeit rief! Ich fing damit an ein paar favorisierte Entwürfe aus der Periode 1986-1991 eine neue Gestalt zu geben. Denn es erschien mir sehr angenehm mit meinen in zwanzig Jahren erworbenen Fähigkeiten mich nochmals an die damaligen Formen zu wagen. Für mich war es sehr spannend mit Hilfe einiger Leute diesen Kampf anzugehen. Nach dem Ausmessen der Form machten sie in Ton die erste Schablone, die anschliessend in Gips gegossen wurde. Und so entstand eine grosse Form, die mir aber gar nicht gefiel. Aber da konnte meine Arbeit endlich beginnen. Das Feilen und Angipsen war anfänglich etwas gewöhnungsbedürftig, aber als ich da durch war, wurde auch meine Kondition besser. Und da flogen dann die Funken wie einst auch. Eine Sprachbarriere gab es nicht, denn wir sprachen ja schliesslich alle die Sprache der Skulpturen. Meine Tage waren strukturiert mit arbeiten, schlafen und essen. Während der Arbeit gab es herrliche chinesische Musik zu hören und die Ruhe der Landschaft war überwältigund. Das Atelier war etwa eine Stunde Fahrzeit von der Stadt entfernt und zwischendurch mal eben ein Brötchen zu holen war somit nicht drin. Ich trank in der Folge nur Wasser, denn essen ausserhalb der Stadt erschien mit nicht sehr angebracht. Es war eine total neue Erfahrung während der Arbeit nicht mehr abgelenkt zu werden von den Mühseligkeiten und Sorgen des täglichen Lebens. Ich kann mich nicht erinnern, dass ich eine derartige Form der Konzentration während der Arbeit jemals erreicht hatte. Das Ganze glich einer tiefen Meditation und war eine gewaltige Erfahrung. Mehr als zweieinhalb Jahre später haben meine Reisen und mein Arbeitseifer zu insgesamt 25 neuen Skulpturen geführt. In Bronze und in Stein und in unterschiedlichen Abmessungen von 1,20 m bis 4,00 m .Inzwischen hatte das Interesse für meine monumentalen Arbeiten sehr zugenommen und verschlug es mich deswegen nach Spanien. Dort begegnete ich Fred Schaap , der sich zuerst als ein Bewunderer meiner Kunst herausstellte aber dann später zusammen mit mir in die Kunst mit einem grossen "K" stapfte. Unsere Zusammenarbeit führte übrigens dazu, dass ich mich jetzt in Spanien niedergelassen habe. Hier wohne und arbeite ich jetzt, in einem fantastischen Land mit einem endlosen Horizont, herrlichem Licht und viel "Viva Espa?a"- Freude. Zusammen mit Fred Schaap sind wir damit beschäftigt, Arbeiten von mir in verschiedenen europäischen Städten aufzustellen, sodass das Ganze auch einen mehr internationaleren Charakter bekommt. Es wird überall begeistert auf mein Werk reagiert und das stimuliert mich kräftig immer weiter zu machen. Meine künstlerische Form wird dabei immer klarer und gleichzeitig habe ich das Gefühl dass meine Weiterentwicklung noch nicht zu Ende ist. Ja, noch immer weitergehen wird. Je älter man wird und je intensiver die Emotionen umgesetzt werden können, um so interessanter wird das Ganze letztendlich. Also streife ich die Ärmel hoch und fange immer wieder mit etwas ganz Neuem an". » MadridBack to Top» MahofMAHOF – NLTerug naar bovenMahof, geboren op 28 oktober 1970 in Deventer, is een autodidact kunstenaar. Zijn abstracte schilderijen zijn sterk symbolisch. Pigmenten (kleuren) worden gemaakt uit mineralen. Mineralen worden vermalen tot poeders en verwerkt in een transparante olieverf. Goud en zilverpoeders evenals opaal worden vermengd met de olieverf en op doek verwerkt. Mahof combineert zijn bijzondere en intense kleuren met zijn eigen 'geschriften' en symboliek. Vanuit intuïtie en onbewuste handelen ontstaan mede op deze wijze mystieke kunstwerken met een compleet en uniek karakter. MAHOF - ENGBack to TopMahof, born October 28, 1970 in Deventer, is a self-taught artist. His abstract paintings are highly symbolic. Pigments (colors) are made from minerals. Minerals are ground into powders and processed in a transparent oil. Gold and silver powders as well as opal are mixed with the oil and processed on cloth. Mahof combines his special and intense colors with his own writings' and symbolism. From intuition and unconscious act mystical art originated partly in this way with a complete and unique character. MAHOF – GERZurück nach obenDer Künstler Mahof wurde am 28.Oktober in Deventer geboren. Er ist ein Autodidakt und seine Gemälde wirken stark symbolisch. Pigmentfarben werden aus Mineralien hergestellt, die zu Puder vermahlen werden und anschliessend in einer transparenten Ölfarbe verarbeitet werden. Vor allem Gold- und Silberpuder aber auch Opale werden mit der Ölfarbe gemischt und auf die Leinwand gebracht. Mahof kombiniert seine besonderen und intensiven Farben mit seinen ganz eigenen Handschrift und Symbolik. Seine Intuition und sein unbewusstes Handeln führen dazu, dass mittels dieser Art des Arbeitens überaus mystische Kunstwerke mit einem kompletten und einzigartigen Charakter enstehen. » Malik, AzatBack to Top» McCoy, AndyANDY MCCOY – NLTerug naar bovenANDY MCCOY – ENGBack to TopHe shared the podium with musical legends like the Rolling Stones, Iggy Pop and Slash, member of Guns 'n Roses. Furthermore made the Finnish guitarist Andy McCoy international furor with his own rockband the Hanoi Rocks. Together with his band the guitarist gained fame all over the world. Especially in Japan and the United States was Hanoi Rock in the beginning of the eighties a musical statement. A the end of last year the Rockformation definitely split up and since than McCoy is totally focusing on painting. It's already for the fourth time that IQ is hosting this high profile exposition in Finland. Director Ivo de Lange for IQ Kunstuitleen contracted the versatile artist and arranged an exposition for McCoy, who is actually named Antti Hulkko in his home country. A collection of more than 35 of his paintings will be exhibited by us in a beautiful ambiance ANDY MCCOY – GERZurück nach oben» Meer, Bert van derBERT VAN DER MEER – NLTerug naar bovenBert van der Meer (Surhuisterveen, 1980) is vanaf jongs af aan tekenaar maar vanaf 2003 actief als schilder van stillevens in olieverf. Bert is gefascineerd door bodemvondsten en verwerkt deze dan ook regelmatig in zijn stillevens. Hij is autodidact, wel heeft hij steun en advies gekregen van verschillende schilders in hetzelfde genre. Eind 2005 is hij gaan wonen in een 19e eeuwse boerderij in Surhuisterveen, daar houdt hij momenteel zijn eigen atelier. Mensen die geïnteresseerd zijn kunnen geheel vrijblijvend een kijkje nemen. BERT VAN DER MEER - ENGBack to TopBert van der Meer (Surhuisterveen, 1980) from an early age, but as a draftsman in 2003 as a painter of still lifes in oil. Bert is fascinated by archaeological finds, and then processes them regularly in his still lifes. He is self-taught, but he has received support and advice from different artists in the same genre. In late 2005 he went to live in a 19th century farmhouse in Surhuisterveen, where he currently holds his own studio. People who are interested can feel free to take a look. BERT VAN DER MEER – GERZurück nach oben» Meer, Helene van derHELENE VAN DER MEER – NLTerug naar bovenHelene van der Meer heeft in de jaren 80 de CIBAPl in Zwolle met succes afgerond en is daarna etaleuse geworden voor verschillende modewinkels in heel Nederland. In haar vrije tijd is zij doorgegaan met schilderen en heeft onder andere les gehad van Peter Geerts in Zwolle. Naast het schilderen is zij ook beelden gaan maken van keramiek en heeft daarvoor les gehad van Agnes Groot Koerkamp. Het liefst maakt Helene beelden van vrouwen met ronde vormen die vertederen en soms ook een glimlach op het gezicht van de toeschouwer toveren door een vleugje humor. HELENE VAN DER MEER - ENGBack to TopHelene van der Meer has CIBAPl Zwolle successfully completed in the 80's and has since become etaleuse for various fashion stores throughout the Netherlands. In her free time, she continued to paint and include lessons from Peter Geerts in Zwolle. Besides painting she is also going to make ceramic sculptures and has previously taught by Agnes Big Backyard Camp. Preferably Helene makes images of women with round shapes that soften and sometimes a smile on the face of the viewer conjure a touch of humor. HELENE VAN DER MEER – GERZurück nach oben» Meeske, JohanBack to Top» Meijer, PeterPETER MEIJER – NLTerug naar bovenHet uitgangspunt en de motivatie om te schilderen zijn voor Peter Meijer (1953) in de loop der jaren altijd even sterk gebleven. Het zoeken naar een equivalent in vorm, beeld en kleur voor de emoties en de indrukken die de alledaagse werkelijkheid bij hem oproepen, blijft hetzelfde. De controverse tussen de individuele handeling van het schilderen en veranderende samenleving veroorzaakt een onrust die Meijer vertaalt in beelden die een zelfde heftigheid en emotie oproepen als de werkelijkheid zelf. Zijn feilloos gevoel voor compositie en kleurgebruik resulteren in poëtische beelden waarin abstractie en gestileerd realisme een perfecte symbiose aangaan. Het schilderen zelf gebeurt intuïtief en zonder vooropgesteld plan. Alle ervaringen uit eerder gemaakte werken worden bij het maken van nieuw werk toegepast. PETER MEIJER - ENGBack to TopThe starting point and the motivation to paint for Peter Meijer (1953) the years always remained equally strong in the course. The search for an equivalent form, image and color for the emotions and the impressions of everyday reality calls him, remains the same. The controversy between the individual act of painting and changing society caused a turmoil that Meijer translates into images that evoke the same intensity and emotion as reality itself. His unerring sense of composition and color, resulting in poetic images in which abstract and stylized realism enter into a perfect symbiosis. The painting itself is done intuitively and without any preconceived plan. All the experiences of earlier works are used when creating new work. PETER MEIJER – GERZurück nach obenDer Ausgangspunkt und die Motivierung zum Malen sind für den Künstler Peter Meijer (1953) im Laufe der Jahre immer dieselben und immer gleich stark geblieben Die Suche nach einer Equivalenz in Form, Bild und Farbe um die Emotionen und die Eindrücke, die die alltägliche Wirklichkeit bei ihm aufrufen, darzustellen, bleibt immer die gleiche. Die Kontroverse zwischen dem individuellen Handeln des Malens und der sich fortwährend ändernden Gesellschaft verursacht eine Unruhe, die Peter Meijer versucht umzusetzen in Bildern, die die gleiche Heftigkeit und Emotion ausstrahlen wie die Wirklichkeit selbst. Sein fehlerloses Gefühl für Komposition und Farbwahl resultieren in überaus poetische Darstellungen, in denen Abstraktion und stilisierter Realismus eine perfekte Symbiose eingehen . Das Malen Meijers an sich erfolgt intuitiv und ohne vorgegebenen Plan .Sämtliche Erfahrungen aus früheren Arbeiten werden auch bei einem neuen Werk immer wieder eingesetzt. » Meyer, JannyBack to Top» Middleton, SamSAM MIDDLETON – NLTerug naar bovenSam Middleton (geboren in New York) is schilder, aquarellist, lithograaf en is gespecialiseerd in collages. Hij groeide op in Harlem en leefde daarna in veel verschillende landen (Mexico, Japan, Spanje en Zweden). Hierna, in 1961, vestigde de 'meester van de collages' zich in Nederland. Hij leefde jarenlang in Amsterdam maar vertrok hierna naar Schagen. Sam Middleton was gefascineerd door het landschap. Muziek (klassiek en jazz) en het landschap van Noord-Holland waren de inspiratiebron voor zijn abstract expressionistische werk. Middleton gaf les in atelier 63 in Haarlem en aan de Koninklijke Academie voor de Kunsten in 's-Hertogenbosch. SAM MIDDLETON - ENGBack to TopSam Middleton (born in New York) is a painter, watercolorist, lithographer and specializes in collages. He grew up in Harlem and then lived in many different countries (Mexico, Japan, Spain and Sweden). Then, in 1961, established the "master of collages' in the Netherlands. He lived for years in Amsterdam, but then moved to Schagen. Sam Middleton was fascinated by the landscape. Music (classical and jazz) and the landscape of North Holland were the inspiration for his abstract expressionist work. Middleton taught studio 63 in Haarlem, and at the Royal Academy of Arts in 's-Hertogenbosch. SAM MIDDLETON – GERZurück nach obenSam Middleton wurde in New York geboren und ist ein Maler, speziel Aquarellmaler, Lithograph und Collagen-Spezialist. Er wuchs auf in Harlem und hat anschliessend in vielen Ländern gelebt wie Mexico, Japan, Spanien und Schweden. 1961 liess der "Meister der Collagen" sich in den Niederlanden nieder .Hier lebte er jahrelang in Amsterdam und anschliessend im nordholländischen Dorf Schagen.. Sam Middleton war fasziniert von der dortigen Landschaft. Die Musik (Klassik und Jazz) sowie die "Noord-Holland"-Landschaft waren die Inspirationsquelle für seinen abstrakten-expressionistisches Werk. Middleton unterrichtete im Atelier 63"-Haus in Haarlem und an der "Koninklijke Academie voor de Kunsten"-Akademie in 's-Hertogenbosch. » Miles, DevinBack to Top» Mol, AlbertBack to Top» Mol, BeaBEA MOL – NLTerug naar bovenBea Mol (1962) werkt sinds 1988 als beeldhouwster. Zij is autodidact en maakt figuratieve beelden. Bea heeft geëxposeerd bij verschillende galeries in de wijde regio en zij werkt in opdracht. Voor de bibliotheek in Zwolle heeft zij bijvoorbeeld een portret van de schrijver Rijnvis Feith gemaakt. De meeste beelden maakt zij in klei, een enkele keer modelleert zij in was. Daarna kunnen ze afgegoten worden in brons of een ander materiaal zoals aluminiumcement. Een belangrijk deel van haar werk bestaat uit portretten van mensen. Bea werkt daarbij het liefst met een levend model, alhoewel zij bij de afwerking vaak wel gebruik maakt van foto's. Voor haar mensfiguren vindt zij vaak inspiratie in (kranten)foto's. Bea heeft een bijzondere band met het Midden Oosten (zij is afgestudeerd in de Turkse taal en cultuur). In haar werk is dit o.a. terug te zien in de beelden van een islamitische derwisj (soefi) en van de buikdanseressen. Ook dieren zijn een belangrijke bron van inspiratie voor Bea, wellicht omdat zij veel van dieren houdt. Bovendien lenen de grote verscheidenheid aan vormen in de dierenwereld en hun vacht en veren zich oom nog eens erg goed voor beeldhouwwerk. (eigen tekst kunstenaar) BEA MOL - ENGBack to TopBea Mol (1962) works as a sculptor since 1988. She is self-taught and make figurative images. Bea has exhibited in various galleries in the wider region and works on commission. For instance library in Zwolle she made a portrait of the writer Rijnvis Feith. Most of the images they create in clay, occasionally she models in wax. After that they can be cast in brass, or other material such as high alumina cement. An important part of her work consists of portraits of people. Bea works thereby preferably with a live model, even though she often uses photographs. At the finish For her human figures she often finds inspiration in (newspaper) photos. Bea has a special relationship with the Middle East (she graduated in the Turkish language and culture). In her work, this is amongst others reflected in the images of a Muslim dervish (Sufi) and the belly dancers. Animals also are a major source of inspiration for Bea, perhaps because she loves animals. Moreover, the wide variety of forms in the animal world and their fur and feathers lend themselves uncle again very good for carving. (Artist's own text) BEA MOL – GERZurück nach oben» Molenkamp, CharlotteCHARLOTTE MOLENKAMP – NLTerug naar bovenCharlotte Molenkamp (geboren in 1955 te Tilburg) volgde haar opleiding aan de St. Joost Academie in Breda en bezocht daarna de Kunstacademie in haar geboortestad Tilburg. Zij is de dochter van de bekende schilder Nico Molenkamp. Ze bracht haar jeugd door op "Koningshoeven" waar zij opgroeide temidden van een op beeldende kunst gericht milieu. Nauw ook verbonden met de natuur, de stilte en het wisselen van de seizoenen. Charlotte Molenkamp heeft haar eigen weg uitgestippeld. Hooguit hebben haar beeldende mogelijkheden in de vruchtbare bedding van haar onmiddellijke omgeving haar voor een keuze gezet. En het getuigd dan van zelfbewustzijn een verhouding met de schilderkunst aan te gaan op eigen voorwaarde. Zij trad voor het eerst zelfstandig naar voren met een debuuttentoonstelling in de stadsschouwburg van haar geboorteplaats, voorjaar 1982. Charlotte Molenkamp schildert voornamelijk gouaches en olieverfschilderijen; "Eigenlijk ben ik linkshandig, maar ik heb geleerd om ook mijn rechterhand te gebruiken. Dat kost me geen moeite meer. Eigenlijk werk ik met twee handen tegelijk, want het schilderen is voor mij activiteit nummer èèn; het verhaal volgt vanzelf. In mijn rechterhand heb ik een paletmes, links mijn penseel, meestal een platte brede kwast, een spalter. Ik ben steeds aan het afbreken en aan het opbouwen, iemand vroeg mij eens; maak je geen voorstudie? Ik zei hierop dat de voorstudies er allemaal onder zaten!" Het werk van Charlotte Molenkamp is opgenomen in tal van belangrijke collecties, waaronder die van het Koninklijk Huis. CHARLOTTE MOLENKAMP - ENGBack to TopCharlotte Molenkamp (born in 1955 in Tilburg) studied at the St. Joost Academy in Breda and then attended the Art Academy in her hometown of Tilburg. She is the daughter of the famous painter Nico Molenkamp. She spent her childhood on "King Horseshoes" where she grew up in the midst of an art-oriented environment. Also closely connected with nature, the silence and the changing of the seasons. Charlotte Molenkamp has devised its own way. At most, have its visual potential in the fertile ground of its immediate surroundings put her choice. And then the witness of self-consciousness to go on their own condition. A relationship with painting She first performed independently forward with a debut exhibition in the city theater of its birthplace, spring 1982. Charlotte Molenkamp mainly paints gouaches and oil paintings, "Actually, I'm left-handed, but I've learned to also use my right hand that I have no trouble more Actually, I work with two hands at once, because painting is my business number one..; The story will follow in my right hand I have a palette knife, left my brush, usually a flat wide brush, a spalter I'm getting to the breaking down and building up, someone asked me,.. do not study I said this? the studies, there were all impressed! " The work of Charlotte Molenkamp is included in many important collections, including those of the Royal House. CHARLOTTE MOLENKAMP – GERZurück nach obenCharlotte Molenkamp wurde 1955 in Tilburg geboren und absolvierte die St.Joost-Akademie in Breda. Danach besuchte sie in ihrer Geburtsstadt die Kunstakademie. Sie ist die Tochter des bekannten Kunstmalers Nico Molenkamp und verbrachte ihre Jugend im "Koningshoeven"-Haus, wo sie aufwuchs in einem künstlerischen Milieu. Sie fühlt sich aber auch eng verbunden mit der Natur, der Stille und dem Wechsel der Jaherszeiten. Charlotte Molenkamp hat einen komplett eigenen Weg eingeschlagen. Höchstens haben ihre künstlerischen Möglichkeiten profitiert von ihrer fruchtbaren Einbettung in ihre unmittelbare Umgebung und ihre Wahl erleichtert. Und es zeugt von viel Selbstbewusstseinganz nach eigenen Bedingungen sich in die Kunstmalerei zu etablieren .Zum ersten Mal trat sie als selbständige Malerin in Erscheinung, als sie im Frühling des Jahres 1982 mit einer Ausstellung im Tilburger Stadttheater debütierte. Charlotte Molenkamp malt überwiegend Gouachen und Ölgemälde. "Eigentlich bin ich Linkshänderin aber ich habe gelernt auch meinen Rechterhand zu gebrauchen. Das macht mir nichts mehr aus. Eigentlich arbeite ich mit beiden Händen gleichzeitig. Die Kunstmalerei ist für mich das wichtigste überhaupt, die Geschichte folgt dann von selbst. In meiner Rechterhand führe ich ein Palettenmesser und in der linken Hand einen flachen, breiten Pinsel (Spalter Pinsel). Ich bin immer damit beschäftigt zu zerstören und wieder aufzubauen. Jemand fragt mich mal: "Machst Du keine Vorstudien?" Und ich antwortete ihm: "Ich hoffe doch, dass sämtliche Vorstudien darin verarbeitet worden sind!". Die Arbeiten Charlotte Molenkamp befindet sich in wichtigen Kollektionen, u.a. in der königlichen "Koninklijk Huis"-Sammlung. » Morgan, ColeCOLE MORGAN – NLTerug naar bovenMorgan Cole (New York, 1950) studeerde na een Amerikaanse kunstopleiding lithografie en kunsthistorie in het Italiaanse Florence. Inmiddels woont en werkt hij al bijna twintig jaar in Nederland. Cole exposeert regelmatig in een groot aantal landen in Europa, waaronder Frankrijk. Ook krijgt zijn werk veel aandacht in Amerika. In Florence heeft Cole de techniek van de steendruk oftewel de lithografie geleerd. Daar verwierf hij het meesterschap dat in al zijn litho’s te herkennen is. Met fotografische nauwkeurigheid bouwt hij de ontwerpen hiervoor op, waarbij hij negen à tien verschillende kleuren gebruikt. Voor dit gecompliceerde proces is voor iedere kleur een aparte steen nodig. Zijn techniek is zó verfijnd dat hij erin slaagt de verschillende vormen ieder een eigen textuur te geven. De litho’s zijn bovendien ‘aflopend’, dat wil zeggen de afdruk loopt tot aan de rand van het papier, hetgeen binnen de lithografie zelden voortkomt. Cole speelt binnen de tweedimensionale ruimte van zijn schilderijen en litho’s met suggestie en werkelijkheid. Via de ‘markers’ aan de rand van het vlak leidt hij het oog van de kijker binnen in het veld van zijn compositie. Ook de ogenschijnlijk willekeurig geplaatste tekens hebben de functie de beschouwer naar het centrale beeld te voeren. De vormen lijken door hun oppervlak en schaduw niet geschilderd maar opgeplakt en zorgen bij nauwkeuriger bekijken, iedere keer voor nieuwe verrassingen. Hieruit blijkt Morgans achtergrond als figuratief schilder. COLE MORGAN - ENGBack to TopMorgan Cole (New York, 1950) graduated from an American art education and art history lithography in Florence, Italy. He now lives and works almost twenty years in the Netherlands. Cole exhibits regularly in many countries in Europe, including France. His work takes a lot of attention in America. Florence Cole has learned the art of lithography or the lithography. There he gained the mastery recognizable in all his lithographs is. With photographic accuracy, he builds on this design, which he used nine or ten different colors. For this complicated process for each color requires a separate stone. His technique is so refined that he manages to give the various forms. Each with its own texture The lithographs are also 'descending', ie, the print runs to the edge of the paper, which rarely arises in the lithography. Cole plays within the two-dimensional space of his paintings and lithographs with suggestion and reality. Using the markers on the edge of the plane, he leads the eye of the viewer within the field of his composition. The characters seemingly randomly placed have to perform. The viewer to the central image of the function The forms do not seem painted by their surface and shade but stuck and precautions in view precisely, each time a new surprise. This shows Morgans background as a figurative painter. COLE MORGAN – GERZurück nach obenCharlotte Molenkamp wurde 1955 in Tilburg geboren und absolvierte die St.Joost-Akademie in Breda. Danach besuchte sie in ihrer Geburtsstadt die Kunstakademie. Sie ist die Tochter des bekannten Kunstmalers Nico Molenkamp und verbrachte ihre Jugend im "Koningshoeven"-Haus, wo sie aufwuchs in einem künstlerischen Milieu. Sie fühlt sich aber auch eng verbunden mit der Natur, der Stille und dem Wechsel der Jaherszeiten. Charlotte Molenkamp hat einen komplett eigenen Weg eingeschlagen. Höchstens haben ihre künstlerischen Möglichkeiten profitiert von ihrer fruchtbaren Einbettung in ihre unmittelbare Umgebung und ihre Wahl erleichtert. Und es zeugt von viel Selbstbewusstseinganz nach eigenen Bedingungen sich in die Kunstmalerei zu etablieren .Zum ersten Mal trat sie als selbständige Malerin in Erscheinung, als sie im Frühling des Jahres 1982 mit einer Ausstellung im Tilburger Stadttheater debütierte. Charlotte Molenkamp malt überwiegend Gouachen und Ölgemälde. "Eigentlich bin ich Linkshänderin aber ich habe gelernt auch meinen Rechterhand zu gebrauchen. Das macht mir nichts mehr aus. Eigentlich arbeite ich mit beiden Händen gleichzeitig. Die Kunstmalerei ist für mich das wichtigste überhaupt, die Geschichte folgt dann von selbst. In meiner Rechterhand führe ich ein Palettenmesser und in der linken Hand einen flachen, breiten Pinsel (Spalter Pinsel). Ich bin immer damit beschäftigt zu zerstören und wieder aufzubauen. Jemand fragt mich mal: "Machst Du keine Vorstudien?" Und ich antwortete ihm: "Ich hoffe doch, dass sämtliche Vorstudien darin verarbeitet worden sind!". Die Arbeiten Charlotte Molenkamp befindet sich in wichtigen Kollektionen, u.a. in der königlichen "Koninklijk Huis"-Sammlung. » Morris, DouglasBack to Top» Mulder, BebBack to Top» Naerebout, MarianneMARIANNE NAEREBOUT – NLTerug naar bovenDrie maanden na mijn geboorte in Rotterdam vertrokken wij als gezin naar Curaçao, niet voor vakantie, maar mijn vader kreeg zijn aanstelling in het Caribisch gebied. De beginjaren van mijn leven zijn dus enorm beïnvloed door de tropen. En alles wat daarbij komt, zee, zon en strand, palmbomen, cactussen, steelbands, maar bovenal kleur en nog eens kleur. Kleur in de mensen en hun kleding, kleur in hun huizen, kleur in de natuur en zelfs kleur in de taal en de muziek. Niet vreemd dat ik daarom zo op kleur gericht ben, het vormt de rode draad in mijn leven. En op zoek naar kleur reis ik heel graag. In volle verwachting van wat ik zal vinden, wat me zal beroeren. Na Curaçao komt de hele familie terug naar Nederland. Ik ga naar school en voltooi in Rotterdam na de middelbare opleiding de Pedagogische Academie (nu PABO) en studeer vervolgens aan de St. Joost Kunstacademie te Breda. De zoektocht naar kleur blijft bestaan en ik vertrek naar het buitenland. Daar krijg ik een baan op een school in Muscat te Oman aangeboden, waar ik vervolgens drie jaar zal blijven. Het tropenrooster geeft mij voldoende tijd om me op mijn kunst te richten. Ik ontmoet kunstenaars en maak vrienden onder de lokale bevolking. Na drie sprookjesachtige jaren verhuis ik naar Damascus, Syrië. Deze stad ademt een sfeer uit die me diep raakt, al is die niet te vergelijken met Oman. De geur, kleurrijk krioelende mensen en de belangstelling voor elkaar geven me het gevoel thuis te zijn. In mijn kunst wordt de spiegeling van mijn eigen ontwikkeling steeds meer zichtbaar. Na vijf jaar Damascus woon ik vervolgens voor kortere perioden in Maleisië, Albanië en het West-Afrikaanse Gabon. Steeds meer ervaar ik het gevoel: "Er zijn geen grenzen... niet tussen landen, kleur, gevoel en beleving, alles is onbegrensd geworden". Deze bevinding laat steeds meer positiviteit en levenskracht toe in mijn werk. In 1997 word ik verliefd, vertrek naar Ft. Lauderdale, U.S.A., en trouw vervolgens in Las Vegas. Tien jaar werk ik vanuit Ft. Lauderdale en Breda. Maar altijd op zoek naar nieuwe kleuren, is het weer tijd om mijn zoektocht uit te breiden. Momenteel verdeel ik mijn tijd tussen mijn ateliers in Breda (Nederland), Apricale (Italië) en Arusha (Tanzania). Allemaal landen die mij heel veel inspiratie geven en waar kleur volop aanwezig is. Het is aan mij deze invloeden te verwerken in mijn kunstuitingen. Positieve initiatieven draag ik een warm hart toe. Zo ben ik voor Art Buddies beschermvrouwe (Nederland). Deze stichting helpt minderbedeelde kinderen hun creatieve gaven te ontdekken. Bij de Stichting Karibu neem ik plaats in het Comité van aanbeveling. Stichting Karibu zet zich in voor het welzijn van straatkinderen in Rwanda MARIANNE NAEREBOUT - ENGBack to TopThree months after I was born in Rotterdam, as a family we went to Curacao, not for vacation, but my father received his appointment in the Caribbean. The early years of my life have been so greatly influenced by the tropics. And everything that comes, sea, sun and beach, palm trees, cacti, steel bands, but most of color and another color. Color in the people and their clothing, color in their homes, color in nature and even color in language and music. No wonder why I'm so focused on color, it is the thread of my life. And looking color I really like. Trip In full expectation of what I will find, which will touch me. After Curaçao, the whole family comes back to the Netherlands. I go to school and finish in Rotterdam after secondary education teacher training college (now PABO), then a student at the Art Academy St. Joost in Breda. The quest for color persists and I leave for abroad. I get a job at a school in Muscat, Oman offered, where I will stay. Then three years The tropics grille gives me plenty of time to focus on. My art I met artists and make friends with the locals. After three years I fairytale move to Damascus, Syria. This city boasts an atmosphere that touches me deeply, though not comparable to Oman. The smell, colorful teeming people and interest in each other make me feel at home. In my art is the reflection of my own development is becoming more visible. After five years, Damascus, I then live for shorter periods in Malaysia, Albania and the West African country of Gabon. More and more I experience the feeling: "There are no limits... not between nations, color, sensation and perception, everything has become limitless." This finding increasing positivity and vitality in my work. In 1997, I fall in love, leaving for Ft. Lauderdale, USA, and then faithfully in Las Vegas. Ten years I work from Ft. Lauderdale and Breda. But always looking for new colors, it's time to expand my search. Out Currently I divide my time between my studios in Breda (Netherlands), Apricale (Italy) and Arusha (Tanzania). All countries that give me a lot of inspiration and true color is abundant. It is to be processed in my artistic expressions. These influences me Positive initiatives I wear a warm heart. So I am for Art Buddies patron (Netherlands). This foundation helps underprivileged children to explore. Their creative gifts At the Karibu Foundation I take place in the Committee's recommendation. Karibu Foundation is committed to the welfare of street children in Rwanda MARIANNE NAEREBOUT – GERZurück nach oben"Drei Monate nach meiner Geburt reiste die ganz Familie nach Curaçao, nicht als Urlaub sondern weil mein Vater in der Karibik eine Stelle gefunden hatte. Die Anfangsjahre meines Lebens sind somit enorm von den Tropen beeinflusst worden. Und von allem was dazukommt: Meer, Sonne und Strand, Palmen, Kakteen, Steelbands aber vor allem Farben und nochmals Farben. Farbe in den Menschen und in ihrer Kleidung, Farbe in ihren Häusern, Farbe in der Natur und gar Farbe in der Sprache und in der Musik. Nicht erstaunlich, dass ich so auf Farben fixiert bin. Die bilden den roten Draht durch mein Leben. Und auf der Suche nach Farbe reise ich auch gerne immer wieder. Jedes Mal äusserst neugierig auf das was ich finden werde, was mich berühren wird. Nach dem Verbleib in Curaçao geht die Familie wieder zurück in die Niederlande. Dort besuchte ich nach der mittleren Schulausbildung die "Pedagogische Academie"-Schule (jetzt PABO) und studierte dann an der "St.Joost Kunstacademie"-Akadmie in Breda. Die Suche nach Farbe geht jedoch unentwegt weiter und so fahre ich ins Ausland. Dort erhalte ich auf einer Schule in Oman eine Stelle. Dort werde ich drei Jahre bleiben und verfüge ich über genug Zeit mich dort meiner Kunst zu widmen. Ich begegne Künstlern und mache Freunde unter der örtlichen Bevölkerung. Nach drei märchenhaften Jahren ziehe ich um nach Damaskus. Diese Stadt atmet eine Atmosphäre, die mich zutiefst berührt. Sie ist aber nicht zu vergleichen mit Oman. Die Gerüche, die farbenreich wimmelnden Menschen und das Interesse für einander geben mir das Gefühl zu Hause zu sein .Auch in meiner Kunst wird die Spiegelung meines Werdegangs immer sichtbarer. Nach fünf Jahren Damaskus zieht es mich dann noch nach Maleisien, Albanien und ins westafrikanische Gabun. Immer mehr habe ich das Gefühl: "Es gibt keine Grenzen…, nicht zwischen Ländern, Farben, Gefühlen und Erleben ,alles ist "unbegrenzt" geworden". Dieses Empfinden lässt in mir immer mehr Positivität und Lebenskraft aufsteigen.1997 verliebe ich mich und ziehe nach Fort Lauderdale (USA), wo ich anschliessend in Las Vegas heirate. Zehn Jahre lang arbeite ich von Fort Lauderdale und Breda aus. Und bin immer noch auf der Suche nach neuen Farben, immer bereit auf Entdeckungsreise zu gehen .Zur Zeit verteile ich meine Zeit zwischen meinen Ateliers in Breda (Niederlande), Apricale (Italien) und Arusha (Tansania) .Alles Länder, die mich sehr inspirieren und wo es Farben satt gibt. Es ist meine Aufgabe diese Einflüsse alle zu verarbeiten in meinen Kunstkreationen. Positiven Einflüssen bringe ich ein warmes Herz entgegen. So bin ich für das niederländische "ArtBuddies"-Projekt Schirmfrau .Diese Stiftung hilft weniger bemittelte Kinder ihre Kreativität zu entdecken Und bei der Karibu-Stiftung bin ich Miglied des Empfehlungskomitees. Die Karibu-Stiftung kümmert sich um das Wohl von Strassenkindern in Ruanda. » Nes, Cornelis van deBack to Top» Niemelainen, MerjaBack to Top» Nijzink, DickBack to Top» NorbertusNORBERTUS – NLTerug naar bovenDe in Amersfoort geboren Norbertus blijkt als kind al uiterst creatief en valt onder docenten al op jonge leeftijd op door zijn teken- en schilderstalent. Als kunstschilder is Norbertus echter autodidact. Zijn grote voorbeelden variëren van de impressionisten tot Cobra en latere stromingen. Zijn reguliere schilderijen, giclée’s, zeefdrukken en litho’s zijn herkenbaar aan de vrolijke uitstraling en fel contrasterend gekleurde landschappen met verticale lichtbundels. NORBERTUS - ENGBack to TopBorn in Amersfoort Norbert appears as a child extremely creative and is subject teachers at a young age by his drawing and painting skills. As a painter, however, Norbert autodidact. Are great examples range from the Impressionists to Cobra and subsequent movements. His regular paintings, giclée prints, serigraphs and lithographs are recognizable by the cheerful atmosphere and brightly colored contrasting landscapes with vertical beams. NORBERTUS – GERZurück nach obenDer in Amersfoort geborene Norbertus war als Kind bereits äusserst kreativ und fiel unter seinen Lehrern schon bald auf wegen seines Zeichen- und Maltalents. Als Kunstmaler ist Norbertus ein Autodidakt. Seine grosse Vorbilder sind zu finden in der Cobra-Gruppe und deren späteren Strömungen. Seine regulären Gemälde, Gidées , Siebdrucke und Lithographien sind zu erkennen an die fröhliche Ausstrahlung derselben und an den grell und kontrastierend gefärbten Landschaften mit vertikalen Lichtbündeln » Nouel, GustaveGUSTAVE NOUEL - NLTerug naar bovenHet is bekend dat kunstenaars in een droomwereld leven en dat Kunst de werkelijkheid is die zijn/haar levensplan determineert. Met mij is het niet anders... Ik ben kunstschilder, beeldhouwer, tekenaar en monumentaal vormgever. Mijn wortels liggen in Aruba en ik word beschouwd als één van de bekendste kunstschilders van het Caribische deel van het Koninkrijk. Volgens critici en autoriteiten vervullen mijn kunstwerken een 'brugfunctie' tussen Aruba, de andere Overzeese rijksdelen en Nederland . De Caribische cultuur, muziek, religie en het Huis van Oranje zijn constante inspiratiebronnen. Portretschilderen is mijn specialiteit en kunst in het algemeen de zingeving van mijn bestaan. In 2007 ben ik - samen met twee andere Antilliaanse kunstenaars - geselecteerd door een kunstcommissie van het Ministerie van Binnenlandse Zaken en Koninkrijksrelaties om gedurende de Koninkrijksspelen deel te nemen aan de expositie 'Kroonjuwelen' in Galerie De Leeuw in Den Haag. Enkele maanden daarvoor van datzelfde jaar kreeg mijn kunstenaarschap erkenning met een vaste plaats in de 'Aruba Hall of Fame' naast de bekendste personen uit de Arubaanse geschiedenis. Eind 2006 werd ik op Aruba uitgeroepen tot kunstenaar van het jaar. Ik weet niet waaraan ik deze eer te danken had, maar ik was positief verrast! In november 2006 had ik weer de eer koningin Beatrix persoonlijk te mogen ontmoeten tijdens de presentatie van de door mij ontworpen herdenkingsmunten op Aruba. De eerste ontmoeting was twintig jaar eerder, als veelbelovende kunstschilder, op een receptie in Paleis El Pardo van de Spaanse koning gedurende mijn post-academische kunstschilder studie in Madrid. GUSTAVE NOUEL - ENGBack to TopIt is known that artists in a dream world and reality that art is that his / her life plan determines. With me it's no different... I am a painter, sculptor, illustrator and designer monumental. My roots are in Aruba and I am considered one of the most famous painters of the Caribbean part of the Kingdom. According to critics and authorities fulfill my artwork a 'bridge' between Aruba, the Netherlands and other overseas territories. Caribbean culture, music, religion, and the House of Orange are constant sources of inspiration. Portrait Painting is my specialty and art in general, the meaning of my existence. In 2007 I - along with two other Antillean artists - selected by an art committee of the Ministry of the Interior and Kingdom Relations to participate in the exhibition 'Crown Jewels' at Gallery Lion in The Hague part during the Kingdom Games. A few months earlier the same year got my artistry recognition with a permanent place in the "Aruba Hall of Fame alongside the most famous people from the Aruban history. In late 2006, I was in Aruba named artist of the year. I do not know that I owe this honor, but I was pleasantly surprised! In November 2006 I had the honor of Queen Beatrix in person to meet you during the presentation of the commemorative coins designed by me in Aruba again. The first meeting was twenty years earlier, as a promising painter, at a reception in El Pardo Palace of the King of Spain during my post-graduate studies in Madrid painter. GUSTAVE NOUEL – GERZurück nach oben"Es ist bekannt, dass Künstler in einer Traumwelt leben und dass die Kunst sein/ihr Lebensplan determiniert. Bei mir ist es nicht anders. Ich bin Kunstmaler, Bildhauer, Zeichner und Monumentalgestalter. Meine Wurzeln liegen auf der karibischen Insel Aruba und ich werde als einer der bekanntesten Maler des karibischen Teil der Niederlande betrachtet .Nach Meinung von Kritikern und Autoritäten hat mein Werk eine Brückenfunktion zwischen Aruba, den übrigen niederländischen Überseegebieten und den Niederlanden. Die kaibische Kultur, Musik, Religion und das Königshaus sind meine konstanten Inspirationsquellen. Die Porträtmalerei ist meine Spezialität und die Kunst im Allgemeinen der Sinn meiner Existenz. 2007 bin ich - zusammen mit zwei anderen antillianischen Künstlern - von einer Kunstkommission des "Ministerie van Binnenlandse Zaken en Koninkrijkrelaties"-Ministeriums auserwählt worden. Dies betraf meine Teilnahme an der "Kroonjuwelen"-Ausstellung in der "De Leeuw"-Galerie in Den Haag während der Königreichsspiele. Einige Monate davor im gleichen Jahr 2007 bekam mein Künstlertum eine besondere Anerkennung mit einem festen Platz im "Aruba Hall of Fame"-Museum, direkt neben den bekanntesten Personen aus der arubanischen Geschichte. Und 2008 wurde ich auf Aruba ausgerufen zum Künstler des Jahres". Ich weiss nicht womit ich diese Ehre verdient habe aber ich war äusserst positiv überrascht! 2006 hatte ich nochmals die Ehre der Königin begegnen zu dürfen aus Anlass der Präsentation einiger von mir entworfenen arubanischen Gedenkmünzen. Die erste Begegnung fand übrigens vor zwanzig Jahren statt. Und dies war in Madrid als vielversprechender Künstler auf einem Empfang des spanischen Königs im "El Pardo"-Palast. Zu jener Zeit studierte ich Kunstmalerei in der spanischen Hauptstadt. » Ojen, Vincent vanVINCENT VAN OJEN – NLTerug naar bovenVincent van Ojen werd in 1960 te Someren geboren. Hij studeerde aan de Academie voor Kunst en Vormgeving te 's-Hertogenbosch. Na het orientatie-jaar stortte hij zich op de grafische technieken: "eerst de ets, toen de litho en daarna de houtsnede: Ik vond het meteen een ideale techniek voor kleuren. Echte grafici denken in zwart-wit, dus tonaal. Ik ben geen graficus, want ik denk vanuit de kleur." De schilderachtige benadering zou het handelsmerk worden van de graficus die zichzelf 'halve schilder'noemt. "Eigelijk ben ik 'autodidact'. Op de academie leerde ik kijken, maar de echte techniek heb ik zelf uitgedokterd. Die is overigens heel primair: als de prehistorische mens die z'n hand in bloed doopt en op de rotswand een stempel maakt. Meer is het niet, je hoeft geen alchemist te zijn." Maar dat is Van Ojen overigens wel, getuige zijn forse 'geschilderde' houtsneden met hun oneindige gelaagheid in vorm en kleur en de eigenzinnige manier waarop alledaagse onderwerpen er hun plek in vinden. De beheersing van de techniek heeft in de loop der jaren geleid tot complexe beelden, die vrij en schilderachtig zijn. Van Ojen heeft zichzelf leren toveren met guts en inkt. Zijn motto is. "Schoonheid zit in alle dingen en is mooi en lelijk tegelijk. Mijn stillevens zijn nuchtere uiteenzettingen met beeldende middelen." VINCENT VAN OJEN - ENGBack to TopVincent van Ojen was born in 1960 in Someren. He studied at the Academy of Art and Design in 's-Hertogenbosch. After the orientation year, he threw himself on the graphic techniques: "First the etching, lithography, and then when the woodcut: I thought it was an ideal technique for color Genuine graphic thinking in black and white, so I'm not tonal.. graphic artist, because I think from the color. " The scenic approach would become the trademark of the graphic artist who calls himself "half schilder'noemt. "Actually I am" self-taught "At the academy, I learned to look at, but the real technique I figured out myself which is incidentally very primary:.. As prehistoric man who dips his hand in blood on the rock wall makes a stamp. More is not, you need to be. "no alchemist But that's Van Ojen incidentally though, witnessing substantial 'painted' woodcuts with their infinite gelaagheid in shape and color and the quirky way in finding their place everyday subjects. The mastery of the technique has over the years led to complex images, which are pretty and quaint. Ojen has learned magic with guts and ink itself. His motto is. "Beauty is in all things, and is both beautiful and ugly. My still lifes are sober presentations with visual means." VINCENT VAN OJEN – GERZurück nach oben» OlafBack to Top» Oldeniel, Hans vanBack to Top» Olivier, GuyGUY OLIVIER – NLTerug naar bovenGuy Olivier wordt in 1964 geboren in hartje Maastricht. Als zoon van een banketbakker lag het voor de hand dat hij een koksopleiding in Antwerpen volgde, maar al snel ontstaat de artistieke drang om getekende menukaarten te maken. Met succes volgt hij diverse opleidingen grafiek en schilderen en stort zich vol overgave op de levenslessen die Maastricht en vervolgens Amsterdam hem bieden. Dan al duiken, tussen de fraai geschreven opsommingen van de gangen en gerechten, exotische scènes op van vrouwen die met hun derrières in kristallen champagneflûtes gedompeld zitten met spartelende jaretellebenen en oesters, een afbeelding van een gelukzalig kijkend rund met op zijn flanken de genummerde stukken vlees met slagersbenamingen, de barokke rokken van dronken taarten. Deze zogenaamde 'plats du jour' trekken steeds meer de aandacht van de gasten in de Amsterdamse restaurants en zorgen mede voor zijn artistieke doorbraak in 1996. Binnen een paar jaar heeft Guy een reeks terugkerende tentoonstellingen in de meest spraakmakende galerieën van dat moment in de hoofdstad en leeft hij volledig van de kunst. Sinds 2007 woont Guy in Luik, de 'croissant noir de la Meuse', volgens Jacques Brel. Guy beleeft er een nieuwe artistieke fase, meer dan ooit geïnspireerd door de sfeer van het uitbundige Zuiden. Hij heeft intussen een hoogst persoonlijke stijl ontwikkeld, op het gebied van grafiek, maar ook in het installeren van objets trouvés en vooral zijn bekende schilderijen. De belangstelling van galerieën en kunstliefhebbers uit binnen- en buitenland neemt nog met de dag toe en werk van hem is inmiddels opgenomen in de collecties van grote namen. Sinds kort zijn Guy's nieuwste werken te zien in zijn Chambre d'Art, in zijn woonplaats Luik. GUY OLIVIER - ENGBack to TopGuy Olivier was born in 1964 in the heart of Maastricht. The son of a confectioner was obvious that he took a cooking school in Antwerp, but soon develops the artistic urge to create. Drawn menus He successfully follow various courses graphics and painting and threw himself wholeheartedly into the life lessons Maastricht, Amsterdam and then offer him. Then all dives, between the beautifully written listings of courses and dishes, exotic scenes of women sitting with their derrieres in crystal champagne glasses dipped with floundering jare tell legs and oysters, a picture of a blissful looking beef with his flanks the numbered pieces of meat with butcher names, the Baroque skirts drunk cakes. These so-called "plats du jour" are increasingly attracting the attention of the guests in Amsterdam's restaurants and help to bring his artistic breakthrough in 1996. Within a few years, Guy has a series of recurring exhibitions in the most exciting galleries of that time in the capital and he lives full of art. Since 2007 Guy lives in Liège, the "croissant noir de la Meuse", according to Jacques Brel. Guy is experiencing a new artistic phase, more than ever inspired by the atmosphere of the exuberant South. He has since developed a highly personal style, in terms of graphics, but also in the installation of found objects, and especially his famous paintings. The interest of galleries and art lovers from home and abroad, increasing by the day, and his work has been included in the collections of big names. Recently, Guy's latest works can be seen in his Chambre d'Art, in his hometown of Liege. GUY OLIVIER – GERZurück nach obenGuy Olivier wurde 1964 in Maastricht geboren. Und als Sohn eines Konditors lag es auf der Hand, dass er eine Ausbildung als Koch in Antwerpen absolvieren sollte. Doch bereits rasch hatte er das künstlerische Bedürfnis gezeichnete Menükarten zu kreieren und nahm er Abstand von der Kochlehre. Es folgten diverse erfolgreiche Ausbildungen in der Grafik- und Malkunst und dann stürzte er sich in das pralle Leben von Maastricht und Amsterdam. Es tauchen in den Menükarten, zwischen den Aneinanderreihungen der Gänge und Gerichte, allerhand exotische Szenen auf. So von Frauen, die mit ihrem blanken Hintern in ein Champagnerglas hineinragen, von zappelnden, bestrapsten Beinen auf Austern, von angetrunkenen Torten mit barocken Röcken aber auch von einem glücklich schauendes Rind, mit auf seinen Flanken nummerierte Fleischstücke, wie der Metzger sie zu benennen pflegt. Diese sogenannten "plats du jour"-Zeichnungen zogen in den Amsterdamer Restaurants immer mehr die Aufmerksamkeit auf sich. Was 1996 zum künstlerischen Durchbruch führte. Innert weniger Jahre hatte Guy Olivier immer wiederkehrende Ausstellungen in den meist renommierten Galerien Amsterdams jener Tage. Er konnte gar von seiner Kunst leben. Seit 2007 wohnt und arbeitet Guy Olivier in Lüttich, der Stadt die einst von Jacques Brel als "croissant noir de la La Meuse"-Kleinod bezeichnet wurde. Er durchlebt hier eine neue, künstlerische Phase, die mehr den je inspiriert wird von der Atmosphäre des überschwenglichen Südens. Guy Olivier hat inzwischen auf grafischem Gebiet einen hochst eigenwilligen Stil entwickelt. Aber auch seine "objets trouvées"-Installationen und vor allem seine auffälligen Gemälde haben eine sehr persönliche Ausstrahlung. Das Interesse von Galerien und Kunstliebhabern aus dem in- und Ausland nimmt stetig zu und diverse seiner Arbeiten sind bereits aufgenommen worden in Kollektionen bekannter Persönlichkeiten. Seit kurzem sind die neusesten Weke Guy Oliviers zu bewundern im "Chambre d'Art"-Haus seines Wohnorts Lüttich. » Olsder, BertBack to Top» Onnes, TheoTHEO ONNES – NLTerug naar bovenTheo Onnes (1957) is beeldend kunstenaar. Bekend geworden door zijn schilderijen van koeien en geiten. Woont en werkt in het dorp Aduard waar het prachtige lege Groninger landschap een voortdurende inspiratiebron voor hem is. Thema: Theo werkt figuratief. Landschappen, dieren en de mens zijn geliefde onderwerpen. Hij raakt geïnspireerd door het op het eerste oog zo gewone dagelijkse leven om hem heen. Licht in een sloot, omgeploegd land, zon op de rug van een geit, de vertedering van een pasgeboren kalf, zijn opgroeiende dochters. Zijn blik op het leven is veranderd. Als schilder is hij is de alledaagse dingen weer met nieuwe verwondering gaan bekijken. In zijn schilderijen laat hij deze verwondering zien. Theo wil met zijn schilderijen emotie, ontroering en herkenning opwekken bij de kijker. Hij wil de verf op zo’n manier op een stuk linnen of hout zetten dat het de kijker raakt, dat de kijker zijn kunst voelt. Het streelt hem als de kijker hetzelfde ervaart in zijn werk als zijn beleving bij het maken van het schilderij. Al op jeugdige leeftijd ziet Theo de schilderkunst van dichtbij. Zijn opa, vader en zus zijn ook schilders. De drang te creëren zit in zijn genen. Al voor zijn schildersleven geniet hij van mooie kwaststreken op een doek. Het verrast hem wat verf kan suggereren op een plat vlak. Koeien en geiten staan centraal in zijn werk. Het zijn prachtige lichtdragers en op vele manieren te schilderen. Vaak haalt hij de dieren uit hun natuurlijke omgeving en plaatst ze in een nieuwe, hun vreemde situatie. Met zijn schetsboek onder zijn arm en zijn laarzen aan gaat Theo vaak het land op en de stallen in. Hij tekent en schetst de dieren en neemt de sfeer van het boerenbedrijf in zich op. In zijn atelier werkt hij de tekeningen uit tot schilderijen. Het prachtige Groninger platteland met zijn sloten, dijken en uitgestrektheid is voor Theo een onuitputtelijke inspiratiebron. Zijn regelmatige verblijf op Schiermonnikoog is een andere bezieling voor hem. Het wad, de Noordzee en de uitgestrekte stranden maken indruk op hem. Ze zijn terugkerende onderwerpen in zijn werk. Thuis in zijn atelier is het voor hem een uitdaging deze indrukken op het doek weer te geven. Het verrukt hem met verf de specifieke sferen van het Groninger land en het eiland uit te drukken, de zon te laten schijnen en enorme afstanden te suggereren. THEO ONNES - ENGBack to TopTheo Onnes (1957) is a visual artist. Known for his paintings of cows and goats. Lives and works in the village where the beautiful empty Aduard Groningen landscape a constant source of inspiration for him. Theme: Theo figurative works. Landscapes, animals and humans are favorite subjects. He gets inspired by it at first sight as normal everyday life around him. Light in a ditch, plowed land, sun on the back of a goat, the tenderness of a newborn calf, his adolescent daughters. His outlook on life has changed. As a painter, he's the everyday things with new wonderment go and see again. In his paintings, he let it surprise you. Theo wants his paintings with emotion, emotion recognition and arouse the viewer. He wants to paint in such a way to put a piece of linen or wood that touches the viewer, the viewer feels his art. It flatters him as the viewer the same experience in his work as his experience in making the painting. At an early age sees Theo painting up close. His grandfather, father and sister are also painters. The urge to create is in his genes. All his life he enjoys beautiful painting brush strokes on a canvas. It surprises can suggest on a flat surface. Him some paint Cows and goats are central to his work. These are beautiful light bearers and painting in many ways. He often gets the animals from their natural environment and placing them in a new, their strange situation. With his sketchbook under his arm and his boots Theo is often the land and stables. He draws and paints the animals and take in the atmosphere of the farm into itself. In his studio he works the drawings to paintings. The Groninger beautiful countryside with its ditches, dikes and vastness Theo is an inexhaustible source of inspiration. His regular residence on Schiermonnikoog is another inspiration for him. The mudflats, the North Sea and the vast beaches impress him. They are recurring themes in his work. At home in his studio, it is a challenge for him these impressions on the canvas to display. The delighted with paint specific spheres of Groningen country and the island to express, to let the sun shine and to suggest. Vast distances him THEO ONNES – GERZurück nach obenTheo Onnes (1957) ist ein bildender Künstler, der bekannt geworden ist durch seine Gemälde von Kühen und Ziegen .Er wohnt und arbeitet im Dorf Aduard, wo die herrliche, weite Groninger Landschaft eine fortwährende Inspirationsquelle für ihn ist. Der Künstler arbeitet figurativ in seinen favorisierten und geliebten Darstellungen von Landschaften, Tieren und Menschen. Theo Onnes wird inspiriert vom auf dem ersten Blick so alltäglichen Leben um ihm herum: Das Licht in einem Graben, ein Stück umgepflügtes Land, das Sonnenlicht auf dem Rücken einer Ziege, den zarten Anblick eines gerade geborenen Kalbes oder auch die Konfrontation mit seinen aufwachsenden Töchtern. Seine Sicht auf das Leben hat sich verändert seit er als Maler die alltäglichen Dinge immer wieder mit neuem Erstaunen entgegentritt. Und diese Verwunderung zeigt er uns in seinen Gemälden. Theo Onnes möchte mit seinen Arbeiten beim Betrachter Emotion und Wiedererkennung aufrufen. Er möchte die Farbe so auf die Leinwand auftragen, dass der Zusachauer berührt ist, dass dieser seine Kunst spürt. Und es freut ihn, wenn der Betrachter die gleichen Empfindungen hat wie er bei der Herstellung desselben hatte. Bereits im frühen Alter wird Theo Onnes mit der Kunstmalerei konfrontiert. Denn sein Grossvater, sein Vater und seine Schwester sind gleichfalls Maler. Dieser Drang kreativ zu arbeiten sitzt offensichtlich in den Onnes-Genen. Bereits vor seinem Leben als Kunstmaler konnte er schon geniessen von einem kräftigen Pinselstrich auf einer Leinwand. Wie gesagt stehen Kühe und Ziegen im Mittelpunkt seines künstlerischen Schaffens. Denn es sind in seinen Augen herrliche Lichtträger und sehr unterschiedlich zu malen. Oft holt er die Tiere aus ihrer natürlichen Umgebung und platziert sie in eine neue, ihnen fremde Situation. Mit seinem Skizzenbuch unter dem Arm und in Stiefeln geht Theo Onnes oft in die Ställe oder aufs Land. Dann zeichnet und skizziert er die Tiere und nimmt die Atmosphäre des Bauernhofs in sich auf. In seinem Atelier werden diese Zeichnungen dann in Gemälde ausgearbeitet. So ist die herrliche Groninger Landschaft mit ihren Gräben, Deichen und Weite für den Künstler eine unerschöpfliche Inspirationsquelle. Sein immer wieder zurückkehrender Aufenthalt auf der Watteninsel Schiermonnikoog ist gleichfalls eine ganz besondere Herausforderung für ihn. Das Wattenmeer, die Nordsee und die ausgedehnten Strände beeindrucken ihn immer wieder. Auch diese Impressionen fordern ihn zu Hause in seinem Atelier geradezu heraus diese wieder in Gemälde umzusetzen .Er ist ganz besessen davon die speziellen Eigenheiten des Groninger Landes und der Insel zu erfassen, die Sonne scheinen zu lassen und die riesigen Weiten zu suggerieren. » Opheusden, Jan Peter vanJAN PETER OPHEUSDEN – NLTerug naar bovenJan Peter van Opheusden werd op 12 maart 1941 geboren in Eindhoven, waar hij nog steeds woont en werkt. Als kind jaagt hij zijn kleine nichtje de stuipen op het lijf door van zijn vinger een kunstwerk te maken met een grote spijker 'erdoorheen' en met een van bloed druipend verband eromheen. Hij gaat studeren aan de, inmiddels internationaal gerenommeerde, Academie voor Industriële Vormgeving in Eindhoven (tegenwoordig Design Academy). Naast het schilderen geeft Jan Peter jaren les als docent beeldende kunsten en handvaardigheid, waarna hij zich vestigt als vrij kunstenaar. Hij omarmt een breed scala aan disciplines zoals schilderen, beeldhouwen en diverse grafische technieken. Voortdurend onderneemt hij studiereizen naar landen binnen Europa, maar ook daarbuiten. Na zijn mega tentoonstelling in 1998 onder het dak van de Grande Arche te Parijs krijgt Jan Peter's werk, ook in grotere kring, steeds meer waardering. Inmiddels is zijn werk wereldwijd te vinden in grote collecties van vooral particuliere verzamelaars. 'Schilderen is mijn passie en mijn werk moet warmte uitstralen, verder niks'. Jan Peter schildert, beeldhouwt, schildert, zeefdrukt en schildert. Jan Peter schildert snel, niet alleen met de kwast maar ook met zijn handen. Hij beschouwt het doek als zijn palet en werkt het liefst met acryl, lekker vlug. Gezwind als het leven. Gemengde technieken, met krijt als basis voor het juiste effect. Op doek, paneel of papier; mensen, natuur, dingen van alledag, beweging, dansers, theater of sport en soms, als uitgebreide vingeroefening, een kinderportret. "Ik wil gevoelens overdragen. Ik schilder geen mooie dingen en de ervaring leert dat mensen mijn werk kopen omdat het warmte uitstraalt. Ik ervaar schilderen dan ook als mijn passie". 'Omring je met mooie dingen' (Confucius, 500 jr. V.Chr.) "Het moet fijn zijn om naar mijn werk te kijken. Confucius zei in ca. 500 V.Chr. al dat je je met mooie dingen moet omringen en daar ben ik het helemaal mee eens. Om goed te kunnen werken moet ik me, bij het schilderen zelf, in de eerste plaats lekker voelen. Als anderen dan ook plezier aan aan mijn werk beleven, is dat toch prachtig. De toeschouwer mag, wat mij betreft, het werk met zijn eigen fantasie afmaken. Zijn of haar verbeelding ziet vaak iets geheel anders dan die van mij en dat geeft nog eens een extra dimensie aan mijn werk". 'Ik bén die kleur' "De kleur is voor mij eigenlijk nog meer bepalend dan de vorm. Ik bén die kleur. Om die reden gebruik ik vrijwel nooit pasteltinten maar meestal primaire en contrasterende kleuren. Zij drukken directe emoties uit en gevoelens die geladen zijn door een onstuimige expressie of een gespannen erotiek en liefde voor mensen; het zijn geen boodschappen. Wanneer je mijn schilderijen goed bekijkt dan zie je uitsluitend iets van jezelf". 'Door transpiratie komt inspiratie' "Zo schilderen, is ook steeds weer een uitputtende slag tussen materie en fantasie. Ja, door transpiratie komt inspiratie. Niet bedacht maar direct explosief met hoogstens een thema in het achterhoofd en met muziek als decor. Iedere dag opnieuw omdat het steeds beter en anders moet". En als die stroom af en toe even stokt vormt Jan Peter, lonkend naar de Griekse en Romeinse beeldhouwkunst, met zijn handen de was om een bronzen beeld van te kunnen laten gieten, maar schilderen blijft steeds zijn grote passie. JAN PETER OPHEUSDEN - ENGBack to TopJan Peter van Opheusden was born on March 12, 1941 in Eindhoven, where he still lives and works. As a child he chases his little niece witless by making a big nail through it a piece of art with his finger and blood dripped bandage. He studies at the now internationally renowned, Academy for Industrial Design in Eindhoven (now Design Academy). Besides the painter Jan Peter years teaches visual arts and crafts, and he sets up as a free artist. He embraces a wide range of disciplines including painting, sculpture and various graphic techniques. Constantly he undertook study tours to countries within Europe, but also beyond. After his mega exhibition in 1998 under the roof of the Grande Arche in Paris, Jan Peter's will work, even in larger circle, more and more appreciation. Meanwhile found in large collections of mainly private collectors. Works worldwide "Painting is my passion and my work is to radiate heat, nothing else." Jan Peter paints, sculpts, paints, screen prints and paints. Jan Peter paints rapidly, not only with the brush but also with his hands. He considers the canvas as his palette and prefers to work with acrylic, tasty quick. Quick as life. Mixed media with chalk as a basis for the right effect. On canvas, wood or paper, people, nature, everyday things, movement, dancers, theater or sports and sometimes when extended finger exercise, a children's portrait. "I want to convey feelings. I do not paint pretty things, and experience shows that people buy my work because it radiates heat. Then I experience painting as my passion." "Surround yourself with beautiful things" (Confucius, 500 BC jr.) "It must be nice to look to my work. Confucius said in 500 BC. All that you need to surround yourself with beautiful things and I am completely agree. To work properly, I, with the painting itself, in the first place to feel good. If others also fun to my work experience is still beautiful. that the spectator, which me, finish the job with his own imagination. His or her imagination often see something completely different than mine and that still gives an extra dimension to my work. " "I have that color" "The color for me is actually even more decisive than the form. I'm that color. For that reason, I almost never use pastel colors but mostly primary and contrasting colors. They express immediate emotions and feelings that are loaded by a boisterous expression or tense eroticism and love for people, the messages are not good when you look at my paintings you will see only something of yourself. ". "Perspiration is inspiration ' "So painting, is always a exhausting battle between matter and fantasy. Yeah, inspiration comes through perspiration. Conceived but not directly explosively at most a theme in mind and with music as a backdrop. Every single day because it's getting better and differently should be ". And if that power now and then falters is Jan Peter, ogling the Greek and Roman sculpture, with his hands was to be able to cast a bronze statue of paint but still remains his passion. JAN PETER OPHEUSDEN – GERZurück nach obenJan Peter van Opheusden wurde am 12. März 1941 in Eindhoven geboren. Dort wohnt und arbeitet er noch immer. Als Kind erschreckte er seine kleine Nichte masslos, indem er aus seinem Finger ein kleines Kunstwerk machte mit einem grossen Nagel "querdurch" und mit einem vor "Blut" triefenden Verband rundherum. Er fing an zu studieren an der damaligen, inzwischen sehr renommierten "Academie voor Industriële Vormgeving" in Eindhoven (inzwischen umbenannt in "Design- Academie"). Nach Abschluss seines Studiums lässt er sich nieder als freischaffender Künstler. Neben der Kunstmalerei unterrichtet Jan Peter van Opheusden auch an Schulen bestimmte malerische und handwerkliche Fähigkeiten. Er umarmt eine breite Skala an Disziplinen wie die Malerei, die Bildhauerei und die Grafik. Fortwährend unternimmt er Bildungsreisen nach verschiedenen europäischen Ländern aber auch nach anderen Kontinenten. Nach seiner Mega-Ausstellung 1998 unter dem Dach der Pariser "Grande Arche" wird er auch in grössseren Kreisen bekannt. Er erhält immer mehr Anerkennung und inzwischen ist sein Werk weltweit zu finden in grossen Kollektionen, besonders von privaten Sammlern. "Malen ist meine Passion und meine Arbeit soll Wärme ausstrahlen .Weiter nichts". Er betrachtet die Leinwand als seine Palette und arbeitet am liebsten mit Acrylfarbe. Und ganz schnell wie im Leben auch. Und mit gemischten Techniken und Kreide als Basis für die erwünschten Effekte: Auf Leinwand, auf Papier oder Paneelen, mit Menschen, Alltagsdingen, Bewegung, Tänzern, Theater oder Sport, ausgedehnten Fingerübungen, einem Kinderporträt. "Ich möchte Gefühle nach aussen transportieren. Ich male keine schönen Sachen aber die Erfahrung lehrt mich, dass die Menschen meine Arbeiten kaufen, weil sie Wärme ausstrahlen. Ich erfahre meine Arbeit dann auch als eine wahre Leidenschaft". . "Umgebe Dich mit schönen Dingen " sagte Konfuzius bereits 500 v. Chr. "Es sollte daher angenehm sein mein Werk anzuschauen. Wie Konfuzius es schon sagte, dass man sich mit schönen Sachen umgeben sollte. Und ich gehe mit ihm voll einig. Um gut zu arbeiten muss ich mich während des Malens wohlfühlen. Und wenn dann etwas herauskommt, dass auch anderen Menschen gut tut, ja, dann ist das doch prima so. Der Betrachter darf, was mich betrifft, das Werk mit seiner eigenen Fantasie noch weiter ergänzen. Seine oder Ihre Imagination sieht oft noch wieder ganz etwas anderes als ich und das gibt dann wieder eine Extradimension an meine Arbeit". "Ich bín die Farbe". Manchmal sage ich: "Die Farbe ist für mich eigentlich noch bestimmender wie die Form selbst. Denn ich bín die Farbe. Aus diesem Grunde gebrauche ich fast niemals irgendwelche Pastellfarben sondern meistens stark kontrastierende Primärfarben. Diese sind imstande direkte Emotionen auszudrücken und solche Gefühle, die mit einer wilden Ausdruckskraft geladen sind oder mit Spannungserotik und Menschenliebe. Es sind nicht nur Botschaften, denn wenn Du meine Gemälde genau betrachtest, siehst Du ausschliesslich Dinge, die Dich selbst betreffen". "Inspiration kommt von Transpiration". "Das Malen ist immer wieder ein erschöpfender Kampf zwischen Materie und Fantasie. Ja, von Transpiration kommt Inspiration. Nicht vorgeplant, aber direkt und explosiv mit höchstens irgendeinem Thema im Hinterkopf .Und natürlich mit Musik im Hintergrund. Jeden Tag neu weil es immer besser und anders werden soll". Und wenn das künstlerische Fluidum mal stockt, formt Jan Peter van Opheusden, umringt von seinen griechischen und römischen Statuen, mit seinen Händen den Wachs um eine Bronze te giessen. Die Kunstmalerie wird aber immer seine grosse Passion bleiben. » PaguBack to Top» Pajares, Juan ManuelBack to Top» Palmu, JuhaniJUHANI PALMU – NLTerug naar bovenJuhani Palmu werd in 1944 in Finland geboren en groeide op in Zweden. Zijn eerste lessen in tekenen en schilderen kreeg hij van zijn vader, die schilder was. Juhani Palmu studeerde bij de Finse professor Omni Oja, een bekend schilder van het Finse landschap. Palmu's eerste solotentoonstelling was in Helsinki in 1976 en een jaar later werd zijn werk tentoongesteld in Stockholm. In 1984 kwam Juhani Palmu in contact met Galerie Bernheim-Jeune in Parijs. Deze bestaat reeds 200 jaar en steunde als één van de eerste galeries de vroege impressionisten. Palmu noemt zijn laatste werken 'signalen van innerlijke rust'. In zijn vroegere werk legde Palmu altijd een 'surrealistisch spanningsveld' tussen mens en natuur. Nu straalt zijn werk balans en rust uit, waarbij hij gebruik maakt van de traditionele Finse gebouwen in het onmiskenbare Finse landschap. JUHANI PALMU - ENGBack to TopJuhani Palmu was born in Finland in 1944 and grew up in Sweden. His first lessons in drawing and painting he received from his father, who was a painter. Juhani Palmu studied at the Finnish professor Omni Oja, a famous painter of the Finnish landscape. Palmu's first solo exhibition was in Helsinki in 1976 and a year later his work was exhibited in Stockholm. In 1984 Juhani Palmu came into contact with Galerie Bernheim-Jeune in Paris. This has existed for 200 years and supported as one of the first galleries of the early impressionists. Palmu calls his latest work "signs of inner peace." In his earlier work Palmu always put a 'surreal tension' between man and nature. Now his work radiates balance and tranquility, which he uses traditional Finnish buildings in the unmistakable Finnish landscape. JUHANI PALMU – GERZurück nach obenJohani Palmu wurde 1944 in Finnland geboren und wuchs in Schweden auf. Seine ersten Zeichen- und Malstunden erhielt er von seinem Vater, der selber Maler war. Er studierte beim finnischen Professor Omni Oja, der ein bekannter Spezialist typischer Finnland-Landschaften war .Seine erste Ausstellung hatte er 1976 in Helsinki und ein Jahr später stellte er in Stockholm aus. 199 4 kam der der Kontakt zustande mit der Pariser "Bernheim-Jeune"-Galerie. Diese ehrwürdige Galerie existiert bereits seit mehr als 200 Jahren und hat als eine der ersten Galerien überhaupt die frühen Impressionisten unterstützt. Der Künstler Johani Palmu nennt seine letzten Arbeiten "Signale der inneren Ruhe". In seinem früheren Werk legte er immer ein "surrealistisches Spannungsfeld" zwischen Mensch und Natur. Jetzt aber strahlen seine Arbeiten Balance und Ruhe aus, wobei er in den unverkennbaren finnischen Landschaften auch Gebrauch macht von Häusern im klassischen Finnlandbaustil. » Parvez, ShahidSHAHID PARVEZ – NLTerug naar bovenShahid Parvez (Udaipur, 1970) is geïnspireerd door volkse en tribale motieven. In de traditionele volkskunst gaan humor en de ongerijmdheden van het bestaan vaak hand in hand. Uit deze verbondenheid, geworteld in de tradities van zijn geboortestreek Rajastan, heeft Parvez een geheel eigen persoonlijke beeldtaal ontwikkeld. De werken in deze tentoonstelling zijn een voorbeeld van kinderlijke verwondering over de schoonheid en de vreugde van kleuren en vormen, gecombineerd met de rijkdom en de complexiteit van de menselijk geneugten. Naast het werk van Parvez is er een omvangrijke collectie antiek Indiaas speelgoed te zien, waaronder prachtige kleurrijke paarden en koeien. SHAHID PARVEZ - ENGBack to TopShahid Parvez (Udaipur, 1970) is inspired by folk and tribal motifs. In traditional folk humor and the absurdities of life often go hand in hand. From this connection, rooted in the traditions of his native Rajastan, Parvez has developed a personal visual language. The works in this exhibition are an example of childlike wonder at the beauty and joy of colors and shapes, combined with the richness and complexity of human pleasures. Besides the work of Parvez is an extensive collection to see, including beautiful colorful horses and cows. Ancient Indian toys SHAHID PARVEZ – GERZurück nach obenShahid Parvez wurde 1970 in Udaiour (Indien) geboren und lässt sich inspirieren von völkischen und stammesgeschichtlichen Motiven. In der traditionellen Volkskunst Indiens gehen Humor und die Ungereimtheiten des Lebens oft Hand in Hand. Aus dieser Verbundenheit mit den in seinem Heimatland verwurzelten Traditionen hat Shahid Pervez eine ganz eigene Bildsprache entwickelt. Die Arbeiten in dieser Ausstellung sind ein Beispiel von kindlichem Erstaunen über die Schönheit und die Freude von Farben und Formen, kombiniert mit dem Reichtum und der Komplexität menschlicher Freuden. Neben dem Werk des Künstlers Shahid Parvez gibt es auch eine umfangreiche Kollektion von antikem Spielzeug aus Indien zu bewundern, darunter herrlich farbenreiche Pferde und Kühe. » Peereboom, AnnekeANNEKE PEEREBOOM – NLTerug naar bovenNa het middelbaar onderwijs volgt in de zeventiger jaren de Rietveld Akademie; grafisch ontwerpen. Later volgen de lerarenopleiding en 's avonds de Rijksakademie. Het pallet aan opleidingen wordt in 1999 gecompletteerd met een succesvol afgesloten Master studie in Art en Culture. Een samenwerking van de Universiteiten van Leicester UK, Akademie Tilburg NL en Academia Granada Es. Het onderwerp van de masterstudie: "Het raadsel van de verstaanbaarheid" wordt vastgelegd in 12 schilderijen met ondersteunende mediapresentatie. "Bij het tot stand komen van deze schilderijen maak ik in versterkte mate gebruik van mijn persoonlijke handschrift." Letters, cijfers, sjablonen en niet te benoemen beelden strijden om aandacht... Graffiti? De beelden worden ontdaan van hun herkenbaarheid en krijgen een nieuwe betekenis op een ander niveau. De schilderijen komen als een waterval op de toeschouwer af. Enige ontreddering gaat daarbij al snel over in nieuwsgierigheid, een zoektocht naar begrijpen en herkennen. Gelukkig is de wonderlijke schoonheid alternatief en redder voor de toeschouwer. Belangrijk gebeuren: Tien jaar grafisch ontwerpen voor magazines als Vrij Nederland, Opzij, Avenue en Cosmopolitan en.. doorschilderen. Rond 1990 komt de erkenning als kunstschilder. In 1993 komt Anneke Peereboom professionele vrouwelijke kunstenaars in de kunst business en in 1996 is zij mede-eigenaar van de Amsterdamse galerie Stagione d'Arte. In 1997 woont en werkt Anneke in Barcelona, waar de mediterrane cultuurstad een belangrijke invloed heeft op de schilderijen. Sinds 2000 woonde en werkte ij in Frankrijk en vanaf 2010 is zij weer terug in Amsterdam. ANNEKE PEEREBOOM - ENGBack to TopAfter secondary education at the Rietveld Academy follows in the seventies; graphic design. Later the teacher and in the evening the residency. The palette of programs is gecompletteerd in 1999 with a successfully completed Master studies in Art and Culture. A collaboration of the Universities of Leicester UK, NL Tilburg Academy and Academia Granada Es. The subject of the Master: "The Riddle of intelligibility" is defined in 12 paintings with supporting media presentation. "With the creation of these paintings I make a greater extent use of my personal handwriting." Letters, numbers, templates, and not appointing images vying for attention... Graffiti? The images are stripped of the ir recognition and gain a new meaning to another level. The paintings are like a waterfall on the observer. Some upheaval involves quickly into curiosity to understand and recognize a quest. Fortunately, the wondrous beauty and alternative savior for the viewer. Prominent event: Ten years graphic design for magazines such as Freedom Netherlands, Sideways, Avenue and Cosmopolitan and.. by painting. Comes around 1990 recognition as a painter. In 1993 Anneke Peartree is professional female artists in the art business, and in 1996 she was co-owner of the Amsterdam gallery Stagione d'Arte. In 1997 Anneke lives and works in Barcelona, where the Mediterranean culture has an important influence on the paintings. Since 2000, lived and worked in France ij and from 2010 she was back in Amsterdam. ANNEKE PEEREBOOM – GERZurück nach obenNach der mittleren Schule folgte in den siebziger Jahren eine Ausbildung als grafische Designerin an der Amsterdamer Rietveld-Akademie .Später folgen noch Ausbildungen bei ausgewählten Lehrern und abends an der Amsterdamer "Rijksacademie". Die Ausbildungspalette wird 1999 komplettiert mittels eines erfolgreich abgeschlossenen "Art and Culture"-Masters-Studiums im Rahmen einer Zusammenarbeit der Universität von Leicester on England, der Tiburg-Aakademie in den Niederlanden und der "Academia Granada "-Akademie in Spanien. Ihre Masters-Arbeit hatte als Thema: "Das Rätsel der Verständlichkeit", festgelegt in insgesamt 12 Gemälden und unterstützt mit Medienpräsentationen. "Beim Zustandekommen dieser Gemälde machte ich im verstärkten Masse Gebrauch von meiner persönlichen Handschrift". Buchstaben, Ziffern, Schablonen und nicht zu benennende Bilder streiten um die Aufmerksamkeit. Graffiti? Die Bilder büssen ihre Erkennbarkeit ein und bekommen eine neue Bedeutung auf einer anderen Ebene. Die Gemälde strömen wie ein Wasserfall auf die Betrachter ein". Einige zerrüttende Verwirrung geht dabei schon recht rasch über in Neugierde und in eine Suche nach Begriffen und Erkennen. Hierbei wird die wunderliche Schönheit des Ganzen zum rettenden Faktor für den Zuschauer. Ein wichtiges Ereignis für sie waren vor zehn Jahren die Aufträge für bedeutende niederländische Magazine wie "Vrij Nederland", "Opzij", "Avenue" und "Cosmpolitan" grafische Tielblattentwürfe zu kreieren. Aber als das vorbei war malte sie wieder weiter wie gehabt. Etwa 1990 kommt die öffentliche Anerkennung als Kunstmalerin. 1993 wird Anneke Peereboom Mitglied des Vereins der professionellen, weiblichen Künstlerinnen im Kunstbusiness und 1996 ist sie gar Mitbesitzerin der Amsterdamer "Stagione d'Arte"-Galerie. Ab 1997 wohnte und arbeitete sie in Barcelona, wo diese mediterrane Kulturstadt einen wichtigen Einfluss ausübte auf die Gestaltung ihrer Gemälde. Dann ging es 2000 nach Frankreich und ab 2010 ist sie wieder nach Amsterdam zurückgekehrt. » PeijclaBack to Top» Petersen, PeterPETER PETERSEN – NLTerug naar bovenEeuwen geleden spoelde een Deense schipbreukeling bij de toentertijd voorname havenstad Harderwijk aan. De doorvertelde verhalen en belevenissen van deze voorvader van Peter Petersen, en de generaties zeelieden en bottervissers erna, hebben een basis gelegd voor Peters werken. Peter is opgegroeid in 't Gooi, maar bracht daarnaast een belangrijk deel van zijn jeugd door in Harderwijk, in de schaduw van het Linnaeustorentje. Na zich op verschillende fronten in de kunsten te hebben gemanifesteerd betrok hij met zijn gezin in 1984 een eeuwenoude boerderij tussen Maarssen en Tienhoven. Naast de beeldende kunst werd aanvankelijk een boerenbedrijfje in praktijk gebracht. Tussen de vogels en het vee viel het besluit om in de traditie van het realisme te gaan werken. Vanuit het atelier in de natuur van de Bethunepolder gaat hij zijn eigen gang en probeert zich niet teveel te laten beïnvloeden. Regelmatig wordt de wijdsheid van de polder verruild voor het mooie waddeneiland Vlieland, met zijn prachtige Noordzeestrand en waddenzee als inspiratiebronnen. Via bedrijfsleven, overheid en particuliere verzamelaars hebben in de loop der jaren vele bronssculpturen zowel in de naaste omgeving als wereldwijd een plek gevonden. Peter haalt zijn inspiratie voornamelijk uit de nabije natuur en maakt zijn beelden dan ook vaak naar model van oerhollandse dieren. In de loop der jaren heeft hij echter ook een aantal exotische dieren, objecten, mensen en zelfs de uitgestorven Dodo gemaakt. PETER PETERSEN - ENGBack to TopCenturies ago, flushed a Danish castaway at the then prominent port city of Harderwijk. By telling the stories and experiences of this ancestor of Peter Petersen, and the generations of sailors and fishermen blunter after, have a basis to work for Peters. Peter grew up in 't Gooi, but also spent a significant part of his childhood in Harderwijk, in the shadow of the Linnaeus Turret. After having manifested on several fronts in the arts, he moved with his family in 1984, a century-old farmhouse between Maarssen and Tienhoven. In addition to the visual arts a peasant small company was initially put into practice. Between the birds and the cattle, the decision was to go to work. In the tradition of realism From the studio to the nature of the Bethunepolder he goes his own way and try not to be influenced too much. Regularly the vastness of the polder exchanged for the beautiful island of Vlieland, with its beautiful beach and North Sea Wadden Sea as a source of inspiration. By business, government and private collectors have, over the years many bronze sculptures found both in the immediate vicinity, a global place. Peter takes his inspiration mainly from the surrounding nature and makes his images often modeled on oerhollandse animals. Over the years he has also made a number of exotic animals, objects, people and even the extinct Dodo. PETER PETERSEN – GERZurück nach oben» Ploeg, Peter van deBack to Top» Poioumen, AntonioANTONIO POIOUMEN – NLTerug naar bovenHet werk van Antonio is verkondigend, profetisch en onderwijzend. In een tijd van individualisme waar de massale zoektocht wordt geleid door de monotone adviezen uit allerlei ismen, is zijn werk onverbloemd een wegwijzen naar het meerdere. Onderwijzend is het werk juist door niet de kijker te overweldigen met een lawine aan lege dogmatische woorden, maar juist door de vragen op te roepen. Materie is niet altijd een constante in zijn werk alhoewel dit veel voorkomt. Daar waar het zo is valt dit zeker niet direct onder de noemer materieschilder. Dit is te banaal om de wezenskenmerken van deze schilderkunst te omschrijven. De materie is niet meer dan verf om het beoogde doel te bereiken. De schilderijen zijn goed wanneer er als je er enige tijd naar hebt gekeken, de vorm en de kleur op je netvlieg blijven hangen. Je gepassioneerd raakt, evenals de kunstenaar die met volle passie en overgave het kunstwerk vorm heeft gegeven. Dan pas is een schilderij ontstaan zoals boven omschreven. Zo een schilderij kan helend werken op de omgeving, rust geven of soms een gezocht antwoord. Een schilderij in de ogen van deze kunstenaar is dan ook een middel om te communiceren. Hetzij door de opgeroepen vraag, een bevestiging of een vooruitziende blik. Soms zijn de schilderijen abstract met veel lyriek en soms neigen zij naar het herkenbare (abstract realisme). Maar altijd stralen zij een liefdevolle passie uit naar de omgeving. Het werk van Antonio heeft duidelijk een eigen handtekening, te herkennen in het bijzonder gebruik van structuren en materialen, pure segmenten en de extra picturale elementen maken dat de werken leven. De profit van deze werken gaan in de stichting Poioumen. Deze stichting helpt ouderen in derde wereldlanden aan een bedrijfje. ANTONIO POIOUMEN - ENGBack to TopThe work of Antonio proclaiming, prophetic and teaching. In an age of individualism where the massive search led by the monotonous advice from various isms, his work is plainly a wegwijzen to several. Teaching is working properly by not overwhelm with an avalanche of empty dogmatic words, the viewer but by calling the questions. Matter is not always a constant in his work, although this is common. Where it is so this is definitely not directly under the heading matter painter. This is too banal to describe. The essential characteristics of this painting The material is not more than paint to achieve the intended purpose. The paintings are good when there is if you have some time to look, shape and color linger on you. Netvlieg You become passionate, as well as the artist with full passion and dedication the work has given shape. Only then is a painting emerged as described above. For example, a painting can healing effect on the environment, rest, or sometimes sought answers. A painting in the eyes of the artist is also a means to communicate. Or by calling the question, a confirmation or foresight. Sometimes the paintings are abstract with great lyricism and sometimes they tend to recognizable (abstract realism). But they always radiate a loving passion for the environment. The work of Antonio clearly recognizable in particular use of structures and materials, pure segments and additional pictorial elements that make the working life. Their own signature, The benefits of these works are in the Poioumen Foundation. This foundation helps older people in third world countries at a business. ANTONIO POIOUMEN – GERZurück nach obenDas Werk Antonio Poioumens ist belehrend, prophetisch und unterrichtend. In einer Zeit des Individualismus, wo die scharenweise Suche bestimmt wird von monotonen Empfehlungen aus allerhand "Ismen", ist seine Arbeitsweise unverblümt eine fortgesetzte Verweisung nach Höherem. Belehrend ist sein Werk aber nicht nur indem der Betrachter überwältigt wird von einer Lawine dogmatischer Deutungen sondern durch das Aufrufen von Fragen. Die Materie ist nicht immer eine Konstante in seinen Arbeiten obwohl sie vielfach darin erscheint. Aber wenn dies dann der Fall ist, kann der Künstler dennoch nicht direkt als Materiemaler eingeordnet werden. Denn dies wäre zu banal um die Wesensmerkmale dieser seiner Malkunst zu umschreiben. Die Materie ist für ihn nicht mehr als Farbe um das beabsichtigte Ziel zu erreichen. Die Gemälde Poioumens werden richtig gut, wenn man einige Zeit hingeschaut hat und die Form und die Farbe auf die Netzhaut hängengeblieben sind. Wenn man genauso begeistert wird vom Kunstwerk wie der Maler mit voller Passion und Hingabe es davor in seine endgültige Form gegossen hat. Dann erst ist ein Gemälde entstanden in dem Sinne wie vorgängig beschrieben. Ein solches Kunstwerk kann heilend werken auf seine Umgebung, Ruhe geben oder manchmal auch eine zu suchende Antwort. Ein Gemälde Antonio Poioumens ist in den Augen des Künstlers dann auch ein echtes Kommunikationsmittel, sei es durch die Fragen, die es aufruft, sei es durch die erzielte Bestätigung, sei es durch den voraussehenden Blick. Manchmal sind seine Gemälde abstrakt mit viel Lyrik und manchmal neigen sie zum Erkennbaren, zum abstrakten Realismus. Aber immer strahlen sie eine liebevolle Passion zur Umgebung aus und sind mit einer ganz eigenen Handschrift des Künstlers versehen. Dies äussert sich vor allem in einer ganz besonderen Verwendung von Strukturen und Materialien, puren Segmente und zusätzlichen, bildhaften Elementen, die die Werke zum Leben erwecken. Die Erträge der Werke Antonio Poioumens fliessen in die Poioumen-Stifung, mit der älteren Menschen in der dritten Welt ermöglicht wird sich mit einem kleinen Betrieb selbständig zu machen. » Prahl, BeateBEATE PRAHL – NLTerug naar bovenduitse kunstenares BEATE PRAHL - ENGBack to TopGerman artist BEATE PRAHL – GERZurück nach oben» Quilici, Jean ClaudeBack to Top» Quraish, MohammedMOHAMMED QURAISH – NLTerug naar bovenMede door de felle kleurcombinaties in het aan een droomvoorstelling grenzende werk van Quraish, worden we meegevoerd in een opwindende wereld, een geheim universum, vol mystieke klanken onttrokken aan de culturele geschiedenis van Irak, waar de schilder in 1966 werd geboren. Zijn inspiratie haalt Quraish uit de mozaïekdecoraties in de vijfduizend jaar oude tempels van Babylon, toen het centrum van Mesopotamië. Quraish speelt met de aloude motieven en geeft ze nieuw leven. Volgens de kunstenaar zijn de oude mythen die al duizenden jaren van generatie op generatie worden doorgegeven nog steeds springlevend. Hij vertaalt ze naar zijn eigen, modern abstracte stijl. "Ik vind de primitieve wereld veel interessanter dan onze wereld," aldus Quraish. "Dit inspireert me om op zoek te gaan naar het werk van primitieve voorouders." Zijn werk laat duidelijk blijken dat hij daarmee ook doelt op Afrikaanse voorouders, gezien de invloeden in zijn werk van Afrikaanse houtsnijkunst als maskers, decoraties en symbolen. Symbolen die hem sterk doen denken aan de antieke Mesopotamische visuele fragmenten in zijn vaderland, waarmee hij een poëtisch abstractie van niveau creëert. Om het resultaat te krijgen wat hij voor ogen heeft, gebruikt Quraish naast een verfijnde techniek verschillende materialen, zoals metaal, hout, papier en lijm, waarna hij het schilderij afmaakt met olie- of acrylverf en soms zelfs roest om de juiste kleur te verkrijgen. Voor meer antieke en transparante kleuren kiest hij voor waterverf. Kort na het afronden van zijn studie aan de Academie van de Schone Kunsten te Bagdad in 1994, zag Quraish zich genoodzaakt zijn vaderland te verlaten. Zijn eerste expositie had Quraish al in 1992, in Spanje, daarna volgden tentoonstellingen in Irak, Tunesië, Nederland, Frankrijk en Duitsland. MOHAMMED QURAISH - ENGBack to TopPartly because of the bright color combinations in neighboring dream job performance of Quraish, we are taken into an exciting world, a secret universe, full of mystic sounds drawn from the cultural history of Iraq, where the painter was born in 1966. His inspiration comes from the Quraish mosaic decorations in the five thousand year old temples of Babylon, when the center of Mesopotamia. Quraish plays with the time-honored designs and give them new life. According to the artist, the old myths that thousands of years from generation to generation is still alive. He translates them into his own, modern abstract style. "I think the primitive world is much more interesting than our world," said Quraish. "This inspires me to look at the work of primitive ancestors." His work makes it clear that he thus referring to African ancestors, given the influences in his work of African woodcarving as masks, decorations and symbols. Symbols that resemble the ancient Mesopotamian visual fragments in his homeland, which he creates a poetic abstraction level him. To get what he has in mind, the result Quraish used alongside a refined technique different materials such as metal, wood, paper and glue, after he completes the painting with oil or acrylic paint and sometimes even rust to get the right color. For more antique and transparent colors he chooses watercolor. Shortly after completing his studies at the Academy of Fine Arts in Baghdad in 1994, Quraish was forced to leave his homeland. His first exhibition was Quraish in 1992, in Spain, then followed by exhibitions in Iraq, Tunisia, Netherlands, France and Germany. MOHAMMED QURAISH – GERZurück nach obenMohammed Quraish wurde 1966 in Irak geboren. Seine Arbeiten werden gekennzeichnet von grellen Farbkombinationen, die Traumvorstellungen aufrufen, in denen wir mitgeführt werden in ein geheimes Universum voller mystischer Klänge, die der kulturellen Geschichte Iraks entnommen sind. Seine Inspiration holt der Künstler aus den Mosaikverzierungen in den fünftausend Jahre alten Tempeln von Babylon, einst dem kulturellen Zentrum des babylonischen Reiches. Quraish spielt mit den uralten Motiven und erfüllt sie mit neuem Leben. Der Künstler ist der Meinung, dass die alten Mythen, die schon seit Tausenden Jahren von Generation auf Generation weitergegeben werden, noch immer springlebendig sind. Er übersetzt diese in seinen höchsteigenen, modern-abstrakten Stil. Er sagt hierzu: "Ich finde die "primitive" Welt viel interessanter als unsere Welt. Dies inspiriert mich auf der Suche zu gehen nach den Vorstellungen unserer "primitiven" Vorfahren". Seine Arbeiten zeigen uns zudem, dass er damit auch anspielt auf afrikanische Vorfahren. Wir sehen dass aus der afrikanischen Holzschneidekunst, die mit Maskern, Dekorationen und Symbolen gleichfalls in sein Werk einfliessst. Bezüglich der Symbole wird er dabei stark erinnert an die klassischen, visuellen Fragmenten des antiken Mesopotamiens in seinem Vaterland, die ihm dazu verführen poetische Kreationen mit viel Niveau zu schaffen. Um das Resultat zu erzielen, das ihm vorschwebt macht Quraish neben seiner verfeinerten Technik Gebrauch von unterschiedlichen Materialien wie Metall, Holz, Papier und Leim. Das Gemälde wird dann vollendet mittels Öl- oder Acrylfarbe oder manchmal gar Rost um die richtige Farbschattierungen zu erzielen. Für antike und transparente Effekte setzt er auch Wasserfarbe ein. Kurz nach dem Abschluss seiner Studien an der "Akademie für schöne Künste" in Bagdad sah sich Mohammed Quraish 1994 genötigt seine Heimatstadt Bagdad zu verlassen .Seine erste Ausstellung hatte er aber bereits 1992 in Spanien. Danach folgten Ausstellungen in Irak, in Tunesien, in den Niederlanden, in Frankreich und in Deutschland. » Raadsveld, CarlaCARLA RAADSVELD – NLTerug naar bovenCarla Raadsveld werd in 1952 in Rotterdam geboren. Zij volgde een 5-jarige opleiding aan de Willem de Kooning Academie in Rotterdam. In 1970 ontving zij een studiebeurs op de Rotterdam Art Foundation voor Italië. In 1972 vertrok zij voor 2 jaar naar Zuid-Afrika voor een internationale studiebeurs. Tussen 1973 en 1987 hield zij verscheidene internationale tentoonstellingen. In 1987 startte Carla een druk- en publiceerbedrijf en leef zij door de jaren heen exposeren op internationale handelsmarkten (bijv. Buchmesse Frankfurt, Ambiente Frankfurt, Art Expo New York, Galleria Londen, Lineart Belgium, Art Buyers Caravan Long Beach, Dallas, Atlanta en Cork Art Fair). In 2001 verhuisde Carla naar Ierland waar zij zich concentreerde op het schilderen van originele schilderijen op canvas. "Ik prepareer mijn doeken met een zwarte 'huid' waardoor het werk een hele bijzondere structuur krijgt." De onderwerpen variëren door de jaren, maar na een recente ernstige ziekte verschenen de 'vreemde kat' en een aantal kippen. Het thema 'zich goed voelen' en prikkelende roze kleuren werden veel door Carla Raadsveld in haar schilderijen verwerkt. Carla komt nog vaak in Nederland en België om nieuwe en bestaande klanten te bezoeken. CARLA RAADSVELD - ENGBack to TopCarla Raadsveld was born in 1952 in Rotterdam. They followed a five-year course at the Willem de Kooning Academy in Rotterdam. In 1970 she received a scholarship to the Rotterdam Art Foundation for Italy. In 1972 she left for two years to South Africa for an international scholarship. Between 1973 and 1987 she held several international exhibitions. In 1987 Carla started a printing and publishing company and they live exhibit over the years in international trade markets (eg Book Fair Frankfurt Ambiente Frankfurt, Art Expo New York, Galleria London, Lineart Belgium, Art Buyers Caravan Long Beach, Dallas, Atlanta and Cork Art Fair). In 2001, Carla moved to Ireland where she focused on painting original paintings on canvas. "I, prepare my canvases with a black" skin "giving the work a very special structure." Topics vary over the years, but after a recent serious illness appeared "strange cat 'and some chickens. The theme of 'feel good' and pungent pink colors were much processed by Carla Raadsveld in her paintings. Carla is still common in the Netherlands and Belgium to visit. New and existing customers CARLA RAADSVELD – GERZurück nach obenCarla Raadsveld wurde 1952 in Rotterdam geboren. Sie absolvierte eine fünfjährige Ausbildung an der "Willem de Koning"-Akademie in Rotterdam. 1970 wurde ihr von der "Rotterdam Art Foundation"-Stiftung ein Stipendium für Italien zuerkannt. Und 1972 zog sie gar mit einem internationalen Studienstipendium für 2 Jahre nach Südafrika. Von 1973 bis 1987 hatte sie diverse Ausstellungen. Anschliessend startete sie eine Druck- und Publikationsfirma aber machte sie im Laufe der Jahre auch weiter mit ihrer internationalen Präsenz auf vielerlei Veranstaltungen. Wie beispielsweise Frankfurter Buchmesse, " Ambiente Frankfurt", "Art Expo" New York, "Galleria London", "Lineart Belgium", "Art Buyers Caravan" Long Beach, "Dallas ArtFair", "Atlanta ArtFair" und "Cork Art Fair. Im Jahre 2001 zog sie um nach Irland, wo sie sich konzentrierte auf originelle Gemälde auf Canvas. Sie sagt hierzu: "Ich präpariere die Arbeitsfläche eines Gemäldes mit einer schwarzen "Haut", sodass das Werk eine besondere Struktur erhält". Die Themen variieren in den Jahren aber nach einer ernsten Krankheit machte sie solche Arbeiten wie "die fremde Katze" und "eine Anzahl Hühner" Das Wohlfühl-Thema und prickelnde rosa Farben werden oft von Carla Raadsveld in ihren Gemälden verarbeitet .Die Künstlerin geht aber auch noch regelmässig in die Niederlande oder nach Belgien um dort neue und bestehende Kunden zu besuchen » Rade, Ernst PeterPETER ERNST RADE – NLTerug naar bovenErnst Peter Rade werd op 3 juli 1938 geboren in Heidenau bij Dresden. Rade heeft diverse opleidingen en cursussen gevolgd, zowel privé in onder andere de ateliers van Sophie en Kate Rade als aan de Fachhochschule. Hij heeft zich gespecialiseerd in grafiek en illustratie. Na zijn studie is hij eerst werkzaam geweest als industrieel grafisch ontwerper en designer. Sinds 1962 heeft Rade zich als autonoom beeldend kunstenaar gevestigd. Hij schildert, ontwerpt en maakt grafiek. Ook heeft hij vanaf 1962 vele exposities en opdrachten gehad. Daarnaast is Ernst tevens werkzaam als leraar beeldende vorming. PETER ERNST RADE - ENGBack to TopErnst Peter Rade was born on July 3, 1938 in Heidenau near Dresden. Rade has attended various courses and seminars, both in private workshops include Sophie and Kate Rade as at the Fachhochschule. He specializes in graphics and illustration. After his studies he worked as an industrial designer and graphic designer. Since 1962, Belgrade has been established as an independent artist. He paints, designs and graphics. He has since 1962 had many exhibitions and commissions. In addition, Ernst also works as a visual arts teacher. PETER ERNST RADE – GERZurück nach obenErnst Peter Rade wurde am 3. Juli 1938 in Heidenau bei Dresden geboren. Er absolvierte diverse künstlerische Ausbildungen und Kurse, sowohl im privaten Rahmen (u. a. in den Ateliers von Sophie und Kate Rade) als auch an der Fachhochschule. Der Künstler hat sich spezialisiert auf die Sparten Grafik und Illustration. Nach seinen Studien hat er zuerst gearbeitet als grafischer Gestalter und Designer in der Industrie. Seit 1962 hat sich Ernst Peter Rade als bildender Künstler selbständig gemacht. In dieser Eigenschaft malt er und entwirft er bzw. stellt er grafische Arbeiten her. Seit 1962 hat er viele Ausstellungen gehabt und Aufträge ausgeführt. Ausserdem ist Ernst Peter Rade als Lehrkraft für künstlerische Formgestaltung tätig. » Rahder, LiesbethLIESBETH RAHDER – NLTerug naar boven"Schilderen betekent voor mij het stellen en beantwoorden van vragen, het maken van keuzes. Meestal heb ik de doeken van te voren gespannen en staat er een aantal klaar, in maat variërend. Begin ik klein of durf ik groot vandaag? Welke muziek wil ik horen? Gebruik ik een groot scala aan kleuren, of beperk ik mijzelf tot een kleiner palet? Ik draal, ik talm, ik loop nog wat rond. Tijdens deze voorbereiding dwing ik mijzelf tot sterke concentratie. Ik probeer mijn gedachten tot een nulpunt te brengen, een leegte. Deze ruimte in mijn hoofd is nodig om open te staan voor al het onderbewuste dat tijdens het schilderen naar boven komt. Dan is er geen ontkomen meer aan, ik pak de kwast of het mes en begin. Wat er tussen mij en het doek gebeurt kan niet anders gaan dan het gaat. De start is vaak direct, impulsief en chaotisch. Het doek stelt vragen en luistert. Het dwingt mij telkens opnieuw tot het maken van keuzes. Bij dit proces zet ik zowel positieve als negatieve gevoelens om in vorm en kleur. Mijn schilderen is de verf opbrengen en er weer afschrapen, kombineren en scheiden, grof plamuren en subtiel tekenen. Het is een koortsachtig zoeken naar een beeld, waarvan ik voel, ja, dit is het, voorlopig althans. Daarna neem ik letterlijk afstand. Het doek staat enkele weken te drogen en nu pas ga ik echt overzien wat ik geschilderd heb. Opnieuw sta ik voor keuzes en nog steeds komen er vragen. De ene keer beantwoord ik deze door details te veranderen, een andere keer door er rigoreus over heen te gaan. Net zolang tot het beeld mij totaal eigen is. Dan weet ik, het schilderij is voltooid." LIESBETH RAHDER - ENGBack to Top"Painting to me means asking and answering questions, making choices. Usually I have the canvases in advance tense and there is a number of ready, varying in size. I Start small or large, I dare today and what music I want hear? I use a wide range of colors, or I limit myself to a smaller palette? I swivel, I talm, I walk around a bit. During this preparation, I force myself to high concentrations. I try to bring my mind to a zero a void. This space in my head is required to be open to all the subconscious that surfaces during painting. then there is no escape, I pick up the brush or knife and start. What happened between me and the canvas is done can not be otherwise than it is. The start is often direct, impulsive and chaotic. The cloth asking questions and listening. It forces me again and again to make choices. In this process, I put both positive and negative feelings to get in shape and color. My painting is the application of paint and scrape it again, combining and separating coarse fillers and subtle signs. It is a feverish search for an image, which I feel, yeah, this is it, at least for now. Then I literally take away. The canvas is a couple of weeks to dry and only now I'm really about to see what I've painted. Again I stand for choices and still there are questions. The one time I answered this by changing some other times there are rigorous going over it. Details Just until the picture has me totally private. I know the painting is complete. " LIESBETH RAHDER – GERZurück nach oben» Reenen, Gert vanGERT VAN REENEN - NLTerug naar bovenDe als schilder herboren Gert van Reenen heeft zich ontplooid tot kleurrijk kunstenaar. Zijn lyrisch abstracte doeken zijn zeer uitgesproken van karakter. Heldere en warme kleurstellingen verstillen hier en daar tot haast monochrome werken met lichtgevende contrapunten. Daarmee vindt er in zijn werk een zekere versobering plaats met behoud van kracht en met dynamische kleurbanen in monumentale composities. Grote bewegingen worden in spanning gebracht met richtingen, lijnelementen en verfijnde details. Zijn materiaalbehandeling en textuur blijven robuust en expressief. Hij schildert op groot formaat. Het krachtige palet van Gert is helder en fris en weerspiegelt de klank en kleur van zijn werkreizen naar Griekenland, Mexico, Bonaire, de Franse Provence en het Spaanse Marbella. Hierdoor stralen zijn doeken energie en levenslust uit die de kijker verwarmt en begeestert. Zijn aanstekelijke ‘joie de vivre’ spat van zijn werk. GERT VAN REENEN - ENGBack to TopThe reborn as a painter Gert van Reenen has developed into colorful artist. His lyrical abstract paintings are very pronounced character. Bright and warm color schemes stilling here and there until almost monochrome work with luminous counterpoints. Thus find in his work a certain austerity place while maintaining strength and dynamic color jobs monumental compositions. Large movements are brought into tension with directions, line elements and details. His material handling and texture remain robust and expressive. He paints large format. The powerful palette Gert is bright and fresh and reflects the sound and color of his work travels to Greece, Mexico, Bonaire, Provence and the Marbella. As a result, his paintings radiate energy and vitality that warms and inspires the viewer. His infectious joie de vivre splash of his work. GERT VAN REENEN – GERZurück nach obenDer als Maler wiedergeborene Gert van Reenen hat sich zu einem überaus farbenreichen Künstler entfaltet. Seine lyrisch-abstrakten Leinwände tragen einen ausgesprochen persönlichen Charakter. Klare und warme Farbstellungen verstummen hier und da zu fast monochromen Arbeiten mit leuchtenden Kontrastpunkten. Damit geht in seinem Werk eine gewisse Vereinfachung vonstatten, allerdings unter Beibehaltung der Kraft und mit dynamischen Farbbahnen in monumentalen Kompositionen. Weite Bewegungen werden angespannt mit Richtungen, Linienelementen und verfeinerten Details. Seine Materialbearbeitung und seine Textur bleiben dabei robust und expressiv .Der Künstler arbeitet grossformatig. Die kräftige Palette Gert van Reenens ist klar und frisch und widerspiegelt den Klang und die Farbe seiner Arbeitsreisen nach Griechenland, Mexico, Bonaire, Frankreich (Provence) und Spanien (Marbella) .Aus diesem Grunde strahlen seine Arbeiten Energie und Lebenslust aus die den Betrachter wärmen und begeistern. Seine ansteckende "joie de vivre"-Lebenskunst sprankelt nur so aus seinem Werk. » Reinhoud, BasBAS REINHOUD – NLTerug naar bovenIk ben geboren op 8 april 1972 in het ziekenhuis in Venray ben snel daarna na het Radboud ziekenhuis te Nijmegen gegaan heb daar als baby en tijdens mijn jeugd erg veel tijd doorgebracht. Ik bleek 1 weinig voorkomende nierziekte te hebben en de levensverwachting was dan ook niet erg positief. Heb vroeger enkele cursussen schilderen gevolgd op de vrije academie in Venray en Venlo maar moest daar door gezondheid klachten mee stoppen kreeg uiteindelijk op 5 september 1995 een donor nier van mijn moeder. Sinds die tijd kijk ik heel anders tegen het leven aan "je leeft vandaag of je morgen wakker wordt is nog maar de vraag" door mijn grote medicijnen gebruik heb ik erge slaapproblemen sinds half 2010 ben ik 's nachts gaan schilderen ik zag dan 's morgens pas wat ik die nacht op doek had gezet. Door de medische gebeurtenissen probeer ik via mijn schilderijen een beetje kleur en vrolijkheid te creëren in deze soms saaie / sombere wereld. Ik ben vanaf jongs af aan als het een beetje ging met mijn gezondheid met mijn ouders mee naar musea en kunstgalerietjes gegaan en was altijd gefascineerd door kleurrijke kinderlijke schilderijen waar je hoe langer je er naar keek je er steeds meer en andere dingen in zag. BAS REINHOUD - ENGBack to TopI was born on April 8, 1972 at the hospital in Venray I then went Nijmegen quickly got there as a baby and spent a lot of time during my childhood. Following the Radboud hospital I seemed to have one rare kidney disease and life expectancy was not very positive. 've Used a few courses in Painting at the free academy in Venray and Venlo but was there with health complaints to stop eventually got on September 5, 1995 a kidney from my mother. Since that time I look at life very differently "you live today or tomorrow you wake up is still the question" by my great medicine I've used since mid-2010 have severe sleep at night I started painting, I looked over at morning until I had put that night. canvas The medical events through my paintings I try to create in this sometimes dull / dreary world. Bit of color and gaiety I am from an early age as it went a little bit with my health with my parents went to museums and art gallery little and was always fascinated by colorful childlike paintings where you the longer you looked at it in more and you saw other things. BAS REINHOUD – GERZurück nach obenBas Reinhoud sagt von sich selbst: "Ich wurde am 8. April 1972 im Krankenhaus von Venray geboren und sogleich ins Krankenhaus von Nimwegen verlegt. Dort habe ich als Baby und in meiner Jugend sehr viel Zeit verbracht. Dies da ich behaftet war mit einer sehr seltenen Nierenkrankheit. Die Lebenserwartung war in der Folge nicht sehr positiv zu nennen. Ich habe früher einige Kurse absolviert an der Freien Kunstakademie in Venray und an der Freien Akademie in Venlo, musste dann aber damit stoppen aus gesundheitlichen Gründen. Am 5. September 1995 habe ich allerdings eine Spenderniere von meiner Mutter bekommen und seither geht es mir wesentlich besser. Seitdem betrachte ich das Leben fast philosophisch nach dem Motto: "Du lebst heute und ob Du morgen aufwachst steht immer in den Sternen". Da ich seit Mitte 2010 wegen meiner Medikamente unter erhebliche, nächtliche Schlafprobleme leide, habe ich angefangen nachts zu malen. So sehe ich erst am nächsten Morgen genauer was ich gemalt habe. Als Folge dieser meiner gesundheitlichen Beeinträchtigungen versuche ich mittels meiner Arbeiten etwas Farbe und Fröhlichkeit in die oft langweilige oder traurige Welt hinein zu tragen. Ich bin bereits als kleiner Junge, wenn es nur irgendwie möglich war, mit meinen Eltern in Museen und kleinere Ausstellungen gegangen, wo ich immer fasziniert war von farbenreichen, kindlichen Gemälden .Denn je länger man sie anschaute, ums mehr andere Dinge entdeckte man dann. » Remusat, BernardBERNARD REMUSAT – NLTerug naar bovenAls geen ander weet Bernard Remusat (Aix-en-Provence, 1953) de prehistorische schilderkunst, zoals ontdekt in de grotten van Zuid-Frankrijk en het Spaanse Altamira, tot leven te wekken in een nieuwe wereld van abstracte composities en geologische structuren. In zijn atelier in Marseille drukt hij eigenhandig zijn grafiek, in de wetenschap dat hij elke fase in het creatieproces volledig in de hand heeft. In 1971 en 1972 volgde Remusat een opleiding aan de kunstacademie van Marseille om vervolgens nog vijf jaar aan de Amsterdamse Rietveld Academie te studeren. Op deze academies zijn hem vooral veel technische vaardigheden aangeleerd; de inspiratie voor zijn werk ontwikkelde zich al vele jaren eerder, toen Remusat diverse excursies maakte naar onder andere het dal van Merveille en de grotten van Pech-Merle, uit meer dan gemiddelde belangstelling voor de teksten en tekens die eeuwen geleden al aan het gesteente werden toevertrouwd. Waren het bezweringen, mededelingen of slechts decoraties? Deze vraag is wat Remusat blijft fascineren. Op bijna wetenschappelijke wijze benadert Remusat zijn onderwerp, waarbij vorm, kleur en optische werking een grote rol spelen. Zijn carborundum etsen wekken als geen ander de illusie van het verhaal onzer voorouders, door water en wind geërodeerd, overgoten met de mystiek van duizenden jaren prehistorie. Door het bijzondere gebruik van kleur en pigmenten uit natuurlijke grondstoffen werkt het licht op het kunstwerk als ware het gesteente. Aardetinten als oker, rood, blauw en zwart karakteriseren het werk van Remusat; kleuren die hem tijdens de eerste excursies al fascineerden. Zijn werk vormt de brug over de tijdspanne die de prehistorie scheidt van dit era, spelend op de grenzen van ons bewustzijn. BERNARD REMUSAT - ENGBack to TopIf no other Bernard Remusat (Aix-en-Provence, 1953), the prehistoric paintings, know as discovered in the caves of southern France and Spain's Altamira, to awaken to a new world of abstract compositions and geological structures to life. In his studio in Marseille, he pressed his own hand graph, knowing that he is in the process of creation has complete control each stage. In 1971 and 1972 Rémusat studied at the Art Academy of Marseilles and then to study. Still five years at the Rietveld Academy in Amsterdam At these academies have him a lot of technical skills taught and the inspiration for his work developed many years earlier, when Rémusat various excursions made to include the valley of Merveille and the caves of Pech-Merle, of more than average interest in the texts and characters that centuries ago were entrusted. rock Were the incantations, announcements or just decorations? This question is what Rémusat continues to fascinate. In almost scientific way Rémusat approaches his subject, with shape, color and optical effects play a major role. Arouse his carborundum etchings like no other, the illusion of the story of our ancestors, eroded by water and wind, topped with the mystique of thousands of years of prehistory. Due to the special use of color and pigments from natural raw light works on the artwork as if the rock. Earth tones like ocher, red, blue and black characterize the work of Rémusat; colors already fascinated him during the first tour. His work forms the bridge over the time span that separates the prehistory of this era, playing on the limits of our consciousness. BERNARD REMUSAT – GERZurück nach obenBernard Remusat wurde 1953 in Aix-en Provence (Frankreich) geboren. Wie kein anderer weiss dieser Künstler die prähistorische Malereien in den südfranzösischen Grotten und im spanischen Almira zum Leben zu erwecken in einer neuen Welt voller abstrakter Kompositionen und geologischer Strukturen. In seinem Atelier in Marseille druckt er seine grafischen Arbeiten eigenhändig in dem Wissen jede Phase des künstlerischen Prozesses völlig in der Hand zu haben. In den Jahren 1971 und 1972 absolvierte er eine Ausbildung an der Kunstakademie in Marseille und anschliessend studierte er fünf Jahre an der Amsterdamer Rietveld-Akademie. Hier wurden ihm viele technische Fertigkeiten beigebracht während er die Inspiration für sein Werk bereits viele Jahre früher aus seinen Exkursionen ins Tal von Merveille und in die Grotten von Pech-Merle holte. Hier interessierten ihn in bereits im jugendlichen Alter die Texte und Zeichen, die bereits vor vielen Jahrhunderten dem Gestein anvertraut wurden. .Es hat Bernard Remusat immer fasziniert ob dies nun Beschwörungen, Mitteilungen oder nur Dekorationen waren. In fast wissenschaftlicher Art und Weise nähert sich der Künstler seinem Thema, wobei Form, Farbe und optische Wirkung eine grosse Rolle spielen. Gerade seine Carborundum-Radierungen sind imstande diese einzigartige Illusion der Geschichte unserer Vorfahren, von Wind und Wasser erodiert und von einer tausendjährigen, prähistorischen Mystik übergossen, auf den Betrachter wirken zu lassen. Durch den besonderen Einsatz von Farben und Pigmenten aus natürlichen Grundstoffen erzeugt das Licht auf das Kunstwerk einen Eindruck als wäre es echtes Gestein. Erdtöne wie ocker, rot, blau und schwarz charakteriseren das Oeuvre Remusats, Es sind dies Farben, die ihn bei seinen ersten Ausflügen bereits faszinierten. Seine Arbeiten bilden eine Brücke über die Zeitspanne zwischen der Prähistorie und der heutigen Zeit, spielend auf den Grenzen unseres Bewusstseins. » Robbert KiewietBack to Top» Rodenberg, CarlaBack to Top» Roo, Colja deBack to Top» Roode, MischelBack to Top» Rore, RobertROBERT RORE – NLTerug naar bovenRobert C. Rore werd geboren in 1954 in Berchtesgaden, Duitsland. Na zijn leertijd als een chemisch ingenieur werkte hij bij een onderzoeksinstituut en volgde hij zijn universitaire graad. Hij verdiepte zich in chemie en kunstgeschiedenis in München voordat hij zijn eerste privétentoonstelling hield in 1982. In datzelfde jaar werd hij toegelaten tot de Duitse Kunst Associatie (Berufsverband bildender Künstler) en sindsdien werkt hij als freelance kunstenaar in München. Zijn werk varieert van sierlijke stillevens van fruit en groenten, stadsgezichten, naaktstudies, portretten, boekillustraties tot grote muurschilderingen. ROBERT RORE - ENGBack to TopRobert C. Rore was born in 1954 in Berchtesgaden, Germany. After his apprenticeship as a chemical engineer, he worked at a research institute, and he followed his college degree. He studied chemistry and art history in Munich before he held his first private exhibition in 1982. In the same year he was admitted to the German Art Association (Berufsverband bild more Künstler) and since then he has worked as a freelance artist in Munich. His work ranges from decorative still lifes of fruit and vegetables, cityscapes, nudes, portraits, book illustrations to large murals. ROBERT RORE – GERZurück nach obenRobert C. Rore wurde 1954 in Berchtesgaden (Deutschland) geboren. Nach seiner Lehrzeit als Chemieingenieur arbeitet er bei einem Researchinstitut und erlangte er zudem einen akademischen Grad. Er vertiefte sich in München in das Studium der Chemie und der Kunstgeschichte bevor er 1982 seine erste künstlerische Privatausstellung hatte. Im gleichen Jahr wurde er in den deutschen Künstlerverein (eine Art Gewerkschaft bildender Künstler) aufgenommen und seither arbeitet er als Freelance-Künstler in München. Sein Werk umfasst eine weite Kunstpalette.mit zierlichen Obst- und Gemüse-Stilllleben, Stadtansichten, Nacktstudien, Porträts, Buchillustrationen und monumentalen Mauermalereien » Rosen, FrankFRANK ROSEN – NLTerug naar bovenVeelzijdigheid kan als de rode draad door de carrière van Frank Rosen (16 maart 1946) worden gezien. Een speelse veelzijdigheid vooral,waarbij elke keer opnieuw opvalt met hoeveel variatie en virtuositeit hij de talloze technieken binnen de beeldende kunst weet te bespelen en op een volstrekt eigen manier voor zijn werk gebruikt.. Beelden,schilderijen,aquarellen,tekeningen, zeefdrukken en keramiek, getuigen van een onstuimige emotionaliteit,waarmee hij zich op tal van manieren weet uit te drukken. De kunst van Frank Rosen is kleurrijk, eerlijk en hartverwarmend. Zijn bijzondere gave om mensen te portretteren,blijkt uit de vele portretopdrachten die hij krijgt: o.a. Annie M.G.Schmidt en Henk van Ulsen. Frank Rosen kreeg zijn opleiding aan de Gerrit Rietveld Academie van 1964 tot 1968 te Amsterdam. Van 1969-1985 was hij decorontwerper bij de Nederlandse Televisie (NOB) en vormgever van meer dan driehonderd televisieprogramma's. Ook toen viel het op, dat hij moeiteloos decors ontwierp voor de meest uiteenlopende uitzendingen. Kinderprogramma's, grote televisieshows en dramatische producties zoals Sil de Strandjutter en Herodotus. Daarnaast ontwierp hij decors en kostuums voor musicals en balletvoorstellingen en was hij artdirector voor verschillende speelfilms; o.a. Mario Puzo's "Seven Graves for Rogan" In 1985 nam hij het besluit om volledig te gaan freelancen en slechts incidenteel aan tv-,film en theaterproducties mee te doen. Afwisseling was ook vanaf dat moment het kernwoord. Schilderijen, zeefdrukken, beelden en keramiek, zowel vrij werk als in opdracht, wisselen elkaar in hoog tempo af. Het werk van Frank Rosen is zowel romantisch als abstract, en laat zich bekijken als een veelkleurig prentenboek, waar het optimisme vanaf straalt. Hij zoekt het leven op, verzamelt indrukken en verwerkt die op een heel eigen, oorspronkelijke wijze. Het is een open strijd, gevoed door nieuwsgierigheid en de behoefte het veelkleurige scala van het menselijk leven vast te leggen. Sport en cultuur weet hij moeiteloos in harmonie te brengen, evenals stad en platteland. Ze vormen voor hem slechts de aanleiding het leven binnen te halen. Schoonheid is in dat opzicht zijn voornaamste drijfveer. Veel van zijn werk, zowel beelden als schilderijen, is aangekocht door overheden, particulieren en bedrijven. Over de bronzen portretten van Frank Rosen is een publicatie te vinden in het boek Hedendaagse portretkunst in Nederland en over zijn werk verscheen een boek onder te titel Frank Rosen"DeZoektocht". Opgenomen in Lexicon Beeldend Nederland 1880-1992.(Uitgeverij Scheen). Na 1985 vele exposities in binnen en buitenland. FRANK ROSEN - ENGBack to TopVersatility can be seen as the main thread. The career of Frank Rosen (March 16, 1946) A playful versatility especially, again stands out each time with much variety and virtuosity he knows the countless techniques in the visual arts and to play in a completely unique way to use his work.. Sculptures, paintings, watercolors, drawings, screen prints and ceramics, to express. Witness a heady emotionalism, which he knows a number of ways The art of Frank Rosen is colorful, honest and heartwarming. His special ability to portray people evidenced by the many portrait commissions he receives: including Annie MGSchmidt and Henk van Ulsen. Frank Rosen received his education at the Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam from 1964 to 1968. From 1969-1985 he was a set designer for the Dutch television (NOB) and designer of more than three hundred television programs. Even when it was noticed that he effortlessly sets designed for various broadcasts. Children's programs, major television shows and dramatic productions such as Sil, the Beachcomber and Herodotus. He also designed sets and costumes for musicals and ballet performances, and he was art director for several films, including Mario Puzo's "Seven Graves for Rogan" In 1985 he decided to go freelance full and only occasionally on TV, film and theater along do. Variety was from that moment the key word. Paintings, screen prints, sculptures and ceramics, as well as free work commissioned, rotated at high speed. The work of Frank Rosen is both romantic and abstract, and can be viewed as a colorful picture book, where it radiates optimism. He is looking at life, gathering impressions and processed in a very own, original way. It is an open battle, fueled by curiosity and the need for the multicolored array of human life to capture. Sport and culture he knows effortlessly bring harmony and town and country. They are for him only the occasion to pick. Lives within Beauty is in that respect his main motive. Much of his work, both images and paintings, has been purchased by governments, individuals and businesses. About the bronze portraits of Frank Rosen can be found in the book publishing Contemporary portraiture in the Netherlands and his work has appeared in a book under title Frank Rosen "DeZoektocht". Included in Visual Lexicon Netherlands from 1880 to 1992. (Publisher Shin). After 1985 many exhibitions at home and abroad. FRANK ROSEN – GERZurück nach obenFrank Rosen wurde am 16. März 1946 geboren. Die Vielseitigkeit führt als roter Faden durch seine Karriere.. Es ist dies eine eher spielerische Vielseitigkeit, wobei jedes Mal auffällt mit wie viel Variation und Virtuosität er die zahllosen Techniken innerhalb der bildenden Kunst zu bespielen weiss. Die für sein eigenes Werk dann wieder in einer komplett eigenen Art und Weise eingesetzt werden. Skulpturen, Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen, Siebdrucke und keramische Arbeiten zeugen von der unbändigen Emotionalität, mit der Frank Rosen versucht sich auszudrucken. Seine Kunst ist farbenreich, ehrlich und herzerwärmend. Seine besondere Gabe Menschen zu porträtieren zeigt sich in den vielen Aufträgen, die er erhält. U.a. von Annie M.G.Schmidt und Henk van Ulsen. Frank Rosen wurde von 1864 bis 1868 ausgebildet an der "Gerrit Rietveld Academie"-Akademie in Amsterdam. Von 1969 bis 1985 war er Dekor- und Kulissenentwerfer beim niederländischen Fernsehen (NOB) wo er für die Formgestaltung von mehr als dreihundert Fernsehprogrammen verantwortlich zeichnete. Auch damals fiel schon auf wie er scheinbar mühelos imstande war für die meist unterschiedlichen Sendungen die passenden Dekors und Kulissen zu entwerfen, ob nun für Kinderprogramme, grosse Fernsehshows oder dramatische Produktionen wie "Sil de Strandjutter" oder auch "Herodotus". Neben dieser Tätigkeit entwarf er Dekors und Kostüme für Musicals und Ballettvorstellungen und war er auch als künstlerischer Director ("artdirector") verantwortlich für solche Kinofilme wie Ennio Morricones "Seven Graves for Rogan" 1985 schliesslich fasste er den Entschluss als Freelance-Künstler zu arbeiten und nur noch gelegenlich an Fernseh-, Film- und Theaterproduktionen mitzuarbeiten. Ab diesem Moment war Abwechslung das Zauberwort für Frank Rosen. Gemälde, Siebdrucke, Skulpturen. und Keramik, sowohl freischaffend als im Auftrag, wechselten einander in hohem Tempo ab. Das Werk Frank Roosens ist sowohl romantisch als auch abstrakt zu nennen und lässt sich anschauen wie ein farbenfrohes Bilderbuch, von dem der Optimismus nur so abstrahlt. Es geht ins pralle Leben, sammelt dort vielerlei Eindrücke und verarbeitet die dann in einer ganz eigenen, überaus ursprünglichen Art und Weise. Es ist ein offener Kampf, genährt von der Neugierde und dem Bedürfnis die Vielfarbigkeit des menschlichen Lebens festzulegen. Dabei versteht er es mühelos beispielsweise Sport und Kultur miteinander In Harmonie zu bringen oder auch Stadt und Land. » Ruempol, MarinaMARINA RUEMPOL – NLTerug naar bovenMarina Ruempol (1969) Als jong meisje heeft Marina Ruempol een goed oog voor detail; een eigen manier van dingen zien en maken. In haar jeugd bezoekt zij graag musea en oude steden. De keuze om na de middelbare school een jaar naar Florence te gaan en daarna Kunstgeschiedenis in Groningen te studeren ligt dan ook voor de hand. Na haar studie vertrekt ze naar Amsterdam waar ze, na een paar cursussen aan de fotoacademie zich verder ontwikkelt als fotograaf. Tegenwoordig woont en werkt ze, met haar man en 4 kinderen, in Deventer. Alsfotograaflaatzezichinspireren door groente en fruit, het liefst direct uit de grond of gekocht op de markt. Door zesterkuittevergrotenen tegeneenneutraleachtergrondteplaatsen, haaltze het gekozenonderwerpuithaaralledaagse context.Hiermeewilze de kijkerlatenzien hoe rijk in vorm en kleureenvoudigegroenten- en fruitsoorteneigenlijkzijn. Door het gebruik van scherptedieptelijkenzetezweven. Naasthaarwerkvoorverschillendeopdrachtgevers, zowelvoorbedrijfalsparticulier,exposeertzeregelmatig met haarfoto's solo of in groepsverband,zoals in 2009 met de Engelsefotograaf Robert Whitaker en fotograaf Ronny Greve bij IQ Kunst in Zwolle. MARINA RUEMPOL - ENGBack to TopMarina Ruempol (1969) As a young girl Marina Ruempol has a good eye for detail, his own way of seeing things and making. In her youth, she likes to visit museums and ancient cities. The choice to go to Florence for a year after high school and then to study art history in Groningen is therefore obvious. After her studies she moved to Amsterdam where, after a few courses at the academy picture develops as a photographer. Today she lives and works with her husband and four children in Deventer. Alsfotograaflaatzezichinspireren by fruits and vegetables, preferably from the soil or purchased directly on the market. By zesterkuittevergrotenen tegeneenneutraleachtergrondteplaatsen, haaltze the gekozenonderwerpuithaaralledaagse context.Hiermeewilze the viewer to show how rich in color and shape simple fruits and vegetables actually are. Through the use of scherptedieptelijkenzetezweven. In addition to her work for various clients, zowelvoorbedrijfalsparticulier, exposeertzeregelmatig her pictures solo or in a group, as in 2009, the English Photographer Robert Whitaker and photographer Ronny Greve in IQ Arts in Zwolle. MARINA RUEMPOL – GERZurück nach obenMarina Ruempol (1969) hatte bereits als junges Mädchen ein gutes Auge für Details und eine ganz eigene Art die Dinge zu sehen bzw. anzupacken. In ihrer Jugend besuchte sie auch gerne Museen und alte Städte. Ihre Wahl nach der mittleren Schule ein Jahr nach Florenz zu gehen und danach Kunstgeschichte in Groningen zu studieren lag dann auch auf der Hand. Nach ihrem Studium zog sie nach Amsterdam, wo sie einige Kurse an der Fotoakademie belegte. Anschliessend arbeitete sie als Fotografin. Zur Zeit wohnt und arbeitet sie mit ihrem Mann und ihren vier Kindern in Deventer. Als Fotografin lässt sie sich mit Vorliebe inspirieren von Gemüse und Obst, am liebsten wenn es direkt aus der Erde kommt oder auf dem Markt eingekauft wird. Durch die Motive sehr stark zu vergrössern und gegen einen neutralen Hintergrund abzufotografieren, wird der auserwählte Gegenstand aus seinem alltäglichen Kontext gerissen. Auf dieser Weise möchte sie dem Betrachter aufzeigen wie überaus reichhaltig in Form und Farbe alltägliches Gemüse und Obst eigentlich sein können. Durch die extreme Tiefenschärfe scheinen die Motive zu schweben. Neben ihren Arbeiten für diverse Auftraggeber, ob nun Betriebe oder Privatpersonen, macht sie regelmässig Ausstellungen von ihren Fotos, ob nun alleine oder in der Gruppe. Wie beispielsweise 2009 mit dem britischen Fotografen Robert Whitaker und dem niederländischen Fotografen Ronny Greve auf der IQ-Kunstmesse in Zwolle. » Ruiz, FranciscoFRANCISCO RUIZ – NLTerug naar bovenFRANCISCO RUIZ – ENGBack to TopFrancisco Ruiz was born in Salta, Argentina, in 1945. He graduated from the Salta State School of Fine Arts and later on from the Ernesto de la Cárcova Superior School of fine Arts in Buenos Aires. In 1974 he was granted a two- year scholarship to study restoration of colonial art in Mexico, after this he set up his residence in Colombia and Argentina. FRANCISCO RUIZ – GERZurück nach oben» Salentijn, KeesKEES SALENTIJN – NLTerug naar bovenKees Salentijn werd geboren in Amsterdam. Hij volgt zijn opleiding aan de Rijksacademie voor Beeldende Kunsten in Amsterdam, afdeling vrije schilderskunst. O.B. Kat is daar zijn belangrijkste leermeester. Salentijn bestudeert in zijn studieperiode schilderijen in het Prado in Madrid en hij verblijft enige maanden bij een Berberse familie in Marokko. Midden jaren zeventig reist hij en verblijft o.a. in Griekenland; in 1977 maakt hij samen met de schilder Kenne Gregoire het project "de asperge-eters" in Venray. Ook heeft hij in dit jaar een opdracht voor een muurschildering in het stadskantoor te Venlo. In de jaren tachtig reist Salentijn veel naar Spanje. Hij voelt zich in deze periode verbonden met kunstenaars van diverse stromingen, die min of meer de spontane onbewuste creatie voorstaan en niet in de eerste plaats esthetische uitbeelding nastreven. In 1983 vindt er een grote overzichtstentoonstelling van deze Spaanse reis plaats, waarin hij onder de noemer "Extremadura" schilderijen, collages en tekeningen toont. In 1984 verblijft Salentijn in Barcelona en reist hij door de Pyreneeën en Catalonië. Hij bezoekt de kunstenaar Antoni Tapies en heeft ook belangstelling voor andere Spaanse schilders zoals Saura en Millares. De dood van de matador Paguiri is de aanleiding voor Salentijn om zijn eerste stierengevecht- (corrida) schilderijen te maken. In 1985 brengt hij een aantal werkstukken rond dit thema samen onder de noemer "Les folies d'Espagne" en exposeert deze in Amsterdam. Het 'stierengevecht' is metafoor geworden voor het gevecht met het schilderij. In de laat tachtiger jaren bezoekt Salentijn opgravingen in Ampurias, een Grieks/Romeinse nederzetting in Spanje. Hij laat zich hierdoor inspireren in zijn werk. Hierna werkt hij wisselend in Venlo en in verschillende ateliers van vrienden in Amsterdam. Begin jaren negentig betrekt hij een atelier in de buurt van de hoofdstad en begint hij aan zijn periode van de snelle creatie. Samenhang, collage, tekening en schilderij als een doorlopende uiting van zijn creativiteit. KEES SALENTIJN - ENGBack to TopKees Salentijn was born in Amsterdam. He follows his training at the State Academy of Fine Arts in Amsterdam, department free painting art. OB Kat there are important teacher. Studying Salentijn in his study paintings in the Prado in Madrid, staying several months at a Berber family in Morocco. Mid-seventies, he travels and include staying in Greece, in 1977 he joined the painter Kenne Gregoire makes the project "asparagus-eaters" in Venray. He also has this year commissioned a mural in the municipal office in Venlo. In the eighties Salentijn travel a lot to Spain. He feels in this period associated with artists of various denominations, which more or less spontaneous unconscious creation stand and not pursue aesthetic representation in the first place. In 1983 There is a major retrospective of the Spanish travel site, in which he shows "Extremadura" paintings, collages and drawings under the title. In 1984 Salentijn stay in Barcelona and he travels through the Pyrenees and Catalonia. He visits the artist Antoni Tapies, and is also interested in other Spanish painters such as Saura and Millares. The death of the matador Paguiri is the reason for Salentijn to. His first-bullfight (corrida) paintings In 1985, he brings a number of papers on this theme together under the title "Les Folies d'Espagne" and exhibited it in Amsterdam. The 'bullfight' has become a metaphor for the fight with the painting. In the late eighties Salentijn visit excavations in Ampurias, a Greek / Roman settlement in Spain. He makes this inspiration in his work. After this he worked alternately in Venlo and in various workshops of friends in Amsterdam. In the early nineties he engages a studio near the capital, and he begins his period of rapid creation. Consistency, collage, drawing and painting as a continuous expression of his creativity. KEES SALENTIJN – GERZurück nach obenKees Salentijn wurde in Amsterdam geboren und absolvierte seine Kunstausbildung an der dortigen "Rijksacademie voor Beeldende Kunsten"-Akademie .Hier war O.B. Kat sein wichtigster Lehrmeister. Während seines Studiums studierte er Gemälde im Prado-Museum zu Madrid. Auch verblieb er einige Monate in einer Berberfamilie in Marokko. 1977 veranstaltet Kees salentijn zusammen mit dem Kunstmaler Kenne Gregoire das "de asperge-eters"-Projekt in Venray. Auch bekommt er in diesem Jahre den Auftrag für eine Wandmalerei im Stadtbüro zu Venlo. In den achtziger Jahren reist der Künstler viel nach Spanien. In dieser Periode fühlt er sich sehr verbunden mit Künstlern verschiedener Strömungen, die mehr oder weniger spontane, unbewusste Kreationen vorziehen und keine vorrangig ästhetischen Ausgestaltungen nachstreben. 1983 findet die grosse "Extremadura"-Gesamtausstellung seiner spanischen Impressionen statt, in der der Künstler seine in Spanien entstandenen Gemälde, Collagen und Zeichnungen zeigt. 1984 verbleibt Salentijn in Barcelona und macht er Reisen durch die Pyrenäen und Katalonien. Er besucht den spanischen Künstler Antoni Tapies und interessiert sich auch für andere spanische Maler wie Saura und Millares .Der Tod des Matadors Paguiri ist für ihn Anlass sein erstes Stierkampfgemälde anzufertigen 1985 zeigt er dann in Amsterdam eine Anzahl Arbeiten rundum dieses "corrida"-Thema unter dem Titel "Les folies d'Espagne". Der Stierkampf ist zum Metafoor geworden für seinen Kampf mit der Malerei. In den achtziger Jahren besucht Salentijn Aufgrabungen einer antiken, griechisch-römischen Siedlung im spanischen Ampuria. Er hölt sich auch hier Impressionen für seine künstlerischen Aktivitäten. Anschliessend arbeitet er abwechselnd in Ateliers von Freunden in Venlo und Amsterdam. Zu Anfang der neunziger Jahre bezieht er ein eigenes Atelier am Rande Amsterdams. Hier beginnt eine Periode des schnellen Schaffens und zeigt er mit Collagen, Zeichnungen und Gemälden seine durchgehende Kreativität. » Sassen, RiaBack to Top» Schafer, JacquelineJACQUELINE SCHAFER – NLTerug naar bovenJacqueline Schäfer woont en werkt in Amsterdam. Daar deed zij ook in 1989 eindexamen aan de Gerrit Rietveld Academie. Tot dat moment was het schilderen toch vooral iets wat zij voor zichzelf deed en slechts met weinig anderen deelde. Een expressiemiddel. Toen ze ontdekte dat het ook een communicatiemiddel was gaf dat het schilderen voor haar een extra dimensie. Tijdens haar studie ging ze op zoek naar een vormentaal die bij haar paste. Ze vond er haar eigen stijl en ontwikkelde die door de jaren heen. Door het spel van duidelijke vormen, heldere kleuren en sterk gedefinieerde, zwarte contouren onderverdeeld in harmonieuze kleurvlakken is haar werk nu zeer herkenbaar. Ze heeft gekozen voor het figuratieve, maar niet realistische beeld. Ze creëerd een wereld waarin de vormen van haar figuren herkenbaar en zeer 'eigen' zijn. De thema's van haar schilderijen variëren van vrolijke, vreemde fantasievogels, statische en ingetogen stillevens tot vrouwelijke naakten. Die laatsten verbeelden vooral haar eigen gevoelens en stemmingen en zijn in die zin dan ook bijna zelfportretten te noemen. JACQUELINE SCHAFER - ENGBack to TopJacqueline Schäfer lives and works in Amsterdam. As they did in 1989, graduated from the Gerrit Rietveld Academy. Until that time it was still mainly painting something she did for herself and shared only by few others. A means of expression. When she discovered that it was also a means of communication that gave the painting to her an extra dimension. During her studies she went looking for a style that suited her. She found her own style, which developed over the years. Through the play of clear shapes, bright colors and sharply defined, black contours divided into harmonious color planes is her job now is very recognizable. She has chosen the figurative, but not realistic picture. They creëerd a world in which the shapes of the characters recognizable and very 'own' are. The themes of her paintings range from happy, strange fantasy birds, static and demure female nudes to still lifes. The latter mainly depict her own feelings and moods and are therefore almost be called. Portraits in that sense JACQUELINE SCHAFER – GERZurück nach obenJacqueline Schafer wohnt und arbeitet in Amsterdam. Dort machte sie 1989 ihren Abschluss an der "Gerrit Rietveld Academie"-Akademie. Bis zu diesem Moment war die Kunstmalerei für sie eigentlich hauptsächlich etwas für sich selbst und teilte sie diese Leidenschaft mit nur wenigen Freunden. Es war ihr Mittel sich auszudrucken. Als sie entdeckte, dass das Malen auch ein Kommunikationsmittel sein konnte, bekam ihr Schaffen eine Extradimension. Während ihres Studiums war sie auch auf die Suche gegangen nach einer Formsprache, die zu ihr passen würde. Sie fand letztlich ihren eigenen Stil und entwickelte diesen die Jahre hindurch immer weiter. Wegen des Spiels der deutlichen Formen, klaren Farben und mehr oder weniger stark definierten Konturen, wiederum unterteilt in harmonischen Farbflächen, ist ihr Werk nun gut erkennbar geworden. Sie hat sich entschieden für das zwar figurative aber nicht realistische Bild. Sie kreiert eine Welt, in der die Formen ihrer Figuren gut zu erkennen sind aber dennoch sehr eigen bleiben. Die Themenauswahl für ihre Arbeiten variiert zwischen fröhlichen, fremdartigen Fantasievögeln und anspruchslosen Stillleben bis weibliche Nackte. Letztere geben vor allem ihre eigenen Gefühle und Stimmungen wieder und sind dann auch gewissermassen fast als Selbstporträts zu bezeichnen. » Schilders, MattieBack to Top» Scholte, RobBack to Top» Schulten, TonTON SCHULTEN – NLTerug naar bovenBegonnen in de reclamewereld, besloot Ton Schulten (geboren in 1938 te Ootmarsum) enkele jaren geleden zich volledig aan de schilderkunst te wijden. Hij verkocht zijn succesvolle reclamebureau en stortte zich op zijn passie; schilderen. Zijn eerste doeken waren abstract en kenmerkten zich door kleurrijke geometrische vormen en vlakken. Vervolgens kende hij een periode waarin hij voornamelijk bloemmotieven schilderde, die eveneens zeer kleurrijk waren. Sinds 1992 laat hij zich inspireren door het Twentse landschap. De rust en uitstraling van dit landschap worden door hem vertaald in vorm en kleur op een wijze, die hem een eigen en unieke plaats doet innemen in de Nederlandse schilderkunst. Wie de ontwikkeling van Ton Schulten volgt, ziet dat zijn vormentaal de afgelopen jaren aan vorm en raffinement heeft gewonnen; vooral nu hij ook de stad tot onderwerp heeft gekozen. Ook wordt zijn werk steeds rijker aan details. Wat echter het meest opvalt, is zijn karakteristieke kleurgebruik en de telkens terugkerende brede, verticale banen, van waaruit hij zijn compositie opbouwt. TON SCHULTEN - ENGBack to TopStarted in the advertising world, decided Ton Schulten (born in 1938 Ootmarsum) several years ago to devote. Himself entirely to painting He sold his successful advertising company and devoted himself to his passion: painting. His first paintings were abstract and were characterized by colorful geometric shapes and surfaces. He then had a period in which he mainly painted floral motifs, which were also very colorful. Since 1992, he is inspired by the landscape of Twente. The peace and tranquility of this landscape are translated by him into shape and color in a way that does hold in the Dutch painting. Their own unique place it If the development of Ton Schulten follows, sees that his language has gained in recent years to form and sophistication, especially now that he has chosen the city as their subject. Also, his work is always richer in detail. What is most striking is its characteristic color and the recurring wide vertical bands, from which he builds his composition. TON SCHULTEN – GERZurück nach obenTon Schulten wurde 1938 in Ootmarsum geboren. Er war zuerst in der Welt der Werbung tätig doch vor einigen Jahren entschloss er sich sein Leben völlig der Malerei zu widmen. Er verkaufte sein erfolgreiches Werbebüro und stürzte sich auf seine Passion, die Malerei. Seine ersten Werke waren abstrakt und gekennzeichnet von farbenreichen, geometrischen Formen und Flächen. Anschliessend kannte er eine Periode, in der er hauptsächlich Blumenmotive malte, die gleichfalls sehr farbenreich waren. Seit 1992 lässt er sich von der Landschaft der Twente-Region inspirieren. Die Ruhe und die Ausstrahlung dieser Landschaft werden von ihm in einer speziellen Art und Weise in Formen und Farben übersetzt, die ihm einen einmaligen Platz zusichern in der niederländischen Kunstwelt. Wer die Weiterentwicklung seiner Malkunst in den vergangenen Jahren mitverfolgt hat, wird bemerkt haben, dass dieselbe in Form und Raffinesse sehr gewonnen hat. Zudem ist sein Werk immer detailreicher geworden. Was jedoch am meisten auffällt ist sein überaus charakteristischer Farbeinsatz. Ebenso typisch für den Maler Peter Schenk sind die immer wiederkehrenden, breiten Vertikalbahnen, von denen aus er seine Gemäldekompositionen aufbaut. » Senatori, SelwynSELWYN SENATORI – NLTerug naar bovenSelwyn Senatori is als kunstenaar hot and happening. Hij timmert uitstekend aan de weg met zijn Neo-pop Art waarin hij onderwerpen tot grote proporties opblaast. Hij schildert graag over mooie dingen van het leven: la dolce vita. Dit zijn voor hem o.a. lekker eten en drinken, Italië, muziek, film, vrouwen en design. SELWYN SENATORI - ENGBack to TopSelwyn Senatori is an artist hot and happening. He is pushing well on the road with his Neo-Pop Art which he blows subjects to large proportions. He likes to paint beautiful things of life: la dolce vita. These include good food for him and drink, Italy, music, film, women and design. SELWYN SENATORI – GERZurück nach obenSelwyn Senatori ist als Künstler "in" und "hot". Er macht mit seinen Kunstveranstaltungen immer wieder auf sich aufmerksam, besonders mittels seiner "Neo Pop Art"-Happenings, die zu grossen Proportionen "aufgeblasen" werden. Der Künstler malt gerne die schönen Seiten des "Dolce Vita"-Lebens, wie gutes Essen und Trinken, Italien, Musik, Filme, Frauen und Design » Setropawiro, ArdiBack to Top» ShunyamSHUNYAM – NLTerug naar bovenDe manier waarop zij schildert heeft veel te maken met hoe zij zichzelf heeft ontwikkeld en nog steeds in ontwikkeling is. Voorheen werkte zij met een Willink-achtige precisie. Het moest altijd beter; streven naar perfectie. Maar 'De Grote Onvrede' bleef hameren met de vraag 'ben ik nu mijn geld aan het verdienen of ben ik aan het doen wat ik voel?' Door een rigoureuze stijl-omwenteling kreeg zij in het begin nogal wat kritiek welke echter zeer snel plaats maakte voor enthousiasme. Shunyam: Je moet niet voor mijn schilderijen staan en denken waarom heeft dat ene schaap wel een oog en het andere niet, en waarom is de lucht roze etc., dat kritische stuk moet je achter je laten en de schilderijen ervaren zoals ze zijn. Haar schilderijen zijn verre van oppervlakkig, want om tot die ogenschijnlijke oppervlakkigheid te komen heeft zij alles moeten afleren wat zij haarzelf in de voorafgaande vijfendertig jaar had aangeleerd. Shunyam: De essentie van mijn leven is bewustwording. Zoeken naar jezelf en voorbij je zelf. Met mijn schilderijen heb ik de essentie gevonden. Die ongecompliceerde overvloed, al die kleuren in de regenboog, die dansende varkens en koeien, dat ben ik, zo voel ik mij. Ik voel mij als een modern engeltje uit de film van Peter Pan die met haar stafje rondloopt en licht rondslingert in de vorm van vrolijke en humoristische schilderijen. En in dat voortdurende proces mogen wij met Shunyam meegenieten. SHUNYAM - ENGBack to TopThe way she paints has a lot to do with how it has itself developed and is still developing. Previously, she worked with Willink-like precision. It was always better, strive for perfection. But "The Great Discontent 'was hammering with the question" I am now earning my money or am I doing what I feel? " Through a rigorous style revolution she was in the beginning a lot of criticism which, however, quickly gave way to enthusiasm. Shunyam: You should not stand for my paintings and think why did that one sheep or one eye and the other does not, and why the sky is pink so that critical piece you have to leave behind and experience the paintings as they are. Her paintings are far from superficial, because to achieve this apparent superficiality has everything they need to unlearn what they had learned. Herself in the previous thirty-five years Shunyam: The essence of my life is awareness. Look at yourself and beyond yourself. With my paintings I have found the essence. That uncomplicated abundance, all the colors in the rainbow, dancing pigs and cows, that's me, so I feel. I feel like a modern angel from the movie Peter Pan with her stafje walking around and around light winds in the form of cheerful and humorous paintings. And in that ongoing process we may JOIN THE Shunyam with. SHUNYAM – GERZurück nach oben» Sierhuis, JanJAN SIERHUIS – NLTerug naar bovenGeboren in 1928 in Amsterdam. Jan Sierhuis is schilder, expressionist pur sang. Zijn grootste inspiratiebronnen zijn Cézanne, Matisse, Picasso en Van Gogh. Een Amsterdammer in hart en nieren, een schilder die aan de werkelijkheid van zijn omgeving genoeg heeft om te schilderen. Als jongen op zwerftocht door Amsterdam ziet hij het stadsleven zoals Breitner en Israëls het zo levensecht hadden geschilderd. Een stad vol eenvoudige mensen die hard moesten werken om in leven te blijven, maar ook een stad met gezelligheid en solidariteit. Als zijn moeder ook ziek wordt, zijn vader is al overleden als Jan twee jaar oud is, wordt hij ondergebracht in een kindertehuis. Als klein jongetje boetseert en tekent hij al, en op negen jarige leeftijd krijgt hij een schildersezeltje en schilderskistje. Zijn moeder ziet een artistieke loopbaan niet voor hem zitten en stuurt hem naar de ambachtschool om huisschilder te worden. Deze opleiding zal hem goed van pas komen voor de technische kennis van materialen. In 1945 wordt hij toegelaten op de avondopleiding van de Rijksacademie. Na een conflict verlaat hij de academie. Hij leeft een bohemienachtig leven in Amsterdam en heeft diepe vriendschappen met beroemde Nederlandse dichters o.a. Gerrit Kouwenaar. Hij is betrokken bij De Experimentelen in 1947, en in 1948 bij de Cobra groep, hij sluit zich echter niet bij hen aan. In de zestiger jaren exposeert hij in Parijs, Mexico, Brazilië en Kopenhagen. In 1983 wordt Jan sierhuis docent aan de Rietveld Academie en in 1984 aan de Rijksacademie. Na 1984 keert hij terug naar het romantische expressionisme, op grote formaten laat hij zich inspireren door de flamenco, die hem vooral boeien door het gevoel dat deze dans overbrengt. Deze dansen hebben alles van zijn schilderkunst: kleur, emotie, beweging en ritme. JAN SIERHUIS - ENGBack to TopBorn in 1928 in Amsterdam. Jan Sierhuis is a painter, expressionist pur sang. His biggest inspirations are Cezanne, Matisse, Picasso and Van Gogh. An Amsterdam at heart, a painter at the reality of his surroundings is enough to paint. As a boy wandering through Amsterdam city life as he sees it Breitner and Israel had painted. Lifelike A city full of simple people who had to work to stay alive, hard but also a city with conviviality and solidarity. When his mother falls ill, his father was already deceased when John was two years old, he is placed in an orphanage. As a little boy, and he draws all models, and he gets aged nine, a painter and painter donkey box. His mother sees an artistic career not sit for him and sends him to the technical school to be a house painter. This training will serve him well for the technical knowledge of materials. In 1945 he was admitted to the evening classes of the National Academy. After a conflict, he leaves the academy. He lives a bohemian life in Amsterdam and has deep friendships with famous Dutch poet Gerrit Kouwenaar among others. He is involved in the Experimentalists in 1947, and in 1948 the Cobra group, however, he joins them. In the sixties he exhibited in Paris, Mexico, Brazil and Copenhagen. In 1983 Jan decorative home teacher at the Rietveld Academy and in 1984 at the National Academy. After 1984 he returned to the romantic expressionism, large format is inspired by flamenco, mainly captivate him feel that conveys this dance. These dances have all of his painting: color, emotion, movement and rhythm. JAN SIERHUIS – GERZurück nach obenJan Sierhuis wurde 1928 in Amsterdam geboren und gilt als expressionistischer Maler "pur sang". Seine grössten Inspirationsquellen sind Cézanne, Matisse, Picasso und van Gogh. Er ist ein Amsterdamer in Herz und Nieren, dem die Wirklichkeit seiner Umgebung vollauf genügt. Als Junge auf seinen Streifzügen durch Amsterdam sah er das städtische Leben ähnlich wie dies Breitner und Israëls so lebensecht dargestellt haben. Eine Stadt mit einfachen Leuten, die hart arbeiten mussten um zu überleben aber auch eine Stadt mit Gemütlichkeit und Solidarität. Als Jan Sierhuis 2 Jahre alt war, erkrankte seine Mutter schwer. Und da auch sein Vater bereits verstorben war, wurde er in ein Kinderheim untergebracht. Als kleiner Junge modellierte er bereits mit Ton und zeichnete er auch gerne und so bekam er als Neunjähriger eine eigene Staffelei mit Malerattributen geschenkt. Seine Mutter hielt von seinen Kunstmalerabsichten aber nicht sehr viel und schickte ihn auf die Berufsschule um zum Hausmaler ausgebildert zu werden. Diese Ausbildung wird ihm später sehr nutzen wegen seinen technischen Kenntnissen der Farbmaterialien. 1945 wird auf der Amsterdamer "Rijksacademie" für den Abendkurs eingeschrieben doch nach einem Konflikt muss er die Akademie wieder verlassen. Danach führt er in Amsterdam eine echtes, künstlerisches Bohemienleben, in dem er eng befreundet wird berühmten niederländischen Dichtern wie u.a. Gerrit Kouwenaar. Jan Sierhuis engagiert sich 1947 in der "De Experimentelen"-Gruppe und 1948 in der "Cobra"-Gruppe, doch er schliesst sich ihnen nicht an. In den sechziger Jahren machte er Ausstellungen in Paris, Mexiko, Brasilien und Kopenhagen. 1983 wird Jan Sierhuis Dozent an der Rietveld-Akademie und 1984 an der "Rijksacademie" in Amsterdam. Nach 1984 kehrt er wieder zurück zum romantischen Expressionismus. Auf seinen grossformatigen Gemälden lässt er sich vom Flamenco inspirieren. Diese Tanzform fesselt ihn insbesondere wegen der Gefühle, die darin transportiert werden. Zudem verfügt der Flamencotanz über all das, was seine Malkunst ausmacht: Farbe, Emotion, Bewegung und Rhythmus. » SilvanBack to Top» Smeets, RichardRICHARD SMEETS – NLTerug naar bovenRichard Smeets werd geboren in Gennep in 1955. Hij woont en werkt in Heijen. In Maastricht studeerde hij in 1978 aan de Stadsacademie voor Toegepaste Kunsten. Na zijn studie raakte hij bekend door een presentatie van zijn werk op de Fiac in Parijs. Zijn eerste grote tentoonstelling in 1985 bij de Amsterdamse galerie Krikhaar werd al spoedig gevolgd door andere exposities in binnen- en buitenland (o.a. Frankfurt, Bazel, Stockholm en New York). Het werk van Richard Smeets kenmerkt zich door de ogenschijnlijke abstractie en kleur. Echter bij een langer kijken, neemt men toch een werkelijkheid waar. Het uitgangspunt bij zijn werk is duidelijk figuratief, maar tijdens het beeldend proces vindt er een vermenging plaats van figuratief- nonfiguratief, waardoor de herkenbaarheid van de eerst ontstane vorm bijna niet-herkenbaar wordt door de verwerking van beeld en kleur. RICHARD SMEETS - ENGBack to TopRichard Smeets was born in Gennep in 1955. He lives and works in Heijen. In Maastricht in 1978, he studied at the Academy of Applied Arts. After his studies, he became known by a presentation of his work at the Fiac in Paris. His first major exhibition in 1985 at the Amsterdam gallery Krikhaar was soon followed by other exhibitions at home and abroad (Frankfurt, Basel, Stockholm and New York). The work of Richard Smeets is characterized by the apparent abstraction and color. However, a longer look, yet it takes a true reality. The starting point of his work is clearly figurative, but in the visual process, a mixture rather than figurative nonfiguratief, making the recognition of the first-formed shape almost unrecognizable by the processing of image and color. RICHARD SMEETS – GERZurück nach oben» Soulie, TonyTONY SOULIE – NLTerug naar bovenTony Soulié (1955) is geboren in Parijs. Een Franse kunstenaar met internationale faam. Na een periode van abstract schilderen gebruikt hij een gecombineerde techniek van fotografie en schilderen, waarbij beide technieken complementair zijn aan elkaar. Dikwijls werkt de kunstenaar rond een thema, zoals voor de tentoonstelling te Antwerpen met als onderwerp "Haven", in New York het onderwerp "gebouwen" en zijn "Geisha´s" naar aanleiding van zijn rondreis door Japan en China. Werk van hem is terug te vinden o.a. Museum van Moderne Kunst te Parijs, Belfort Museum Frankrijk, Museum van Chateauroux, Frankrijk. Tentoonstellingen te Tokyo, Parijs, Seoul, New York. Presentaties op kunstbeurzen als: Fiac Parijs, Art Stockholm, Arco Madrid, KunstRAI 2002, Open Art Fair Utrecht 2008. TONY SOULIE - ENGBack to TopTony Soulie (1955) was born in Paris. A French artist of international renown. After a period of abstract painting he is using a combined technique of photography and painting, both of which techniques are complementary to each other. Often the artist works around a theme, such as the exhibition in Antwerp with the subject "Haven", in New York's "buildings" and "Geisha" following his trip to Japan and China. His work can be found include Museum of Modern Art in Paris, France back Belfort Museum, Museum of Chateauroux, France. Exhibitions in Tokyo, Paris, Seoul, New York. Presentations at art fairs like: Fiac Paris, Stockholm Art, Arco Madrid, KunstRAI 2002 Open Art Fair Utrecht 2008. TONY SOULIE – GERZurück nach obenTony Soulié wurde 1955 in Paris geboren. Er wurde zu einem französischen Künstler mit einer grossen internationalen Bekanntheit. Nach einer Periode der abstrakten Malerei verwendet er jetzt eine Kombinationstechnik der Kunstgattungen Fotografie und Kunstmalerei, woei beide Techniken komplementär zu einander stehen. Der Künstler arbeitet of mit vorgegebenen Themen wie für seine Antwerpen-Ausstellung das "Hafen"-Thema, in New York das "Gebäude"-Thema und das "Geisha"-Thema aus Anlass seiner Rundreise durch Japan und China. Seine Arbeiten sind zurückzufinden in vielen Museen wie beispielsweise im "Modern Art"-Museum in Paris, im französischen "Musée Belfort-Museum und im französischen "Musée Bertrand"-Museum in Châteauroux. N.B.: Châteauroux met "â". Zudem präsentierte sich Tony Soulié auf vielerlei Kunstmessen ("Fiac Paris", "Art Stockholm", "Arco Madrid", "KunstRAI 2002", "Open Art Fair Utrecht" (2008). » Spier, RaymondRAYMOND SPIER – NLTerug naar bovenRaymond Spier (1956) begon in 1974 met het vervaardigen van sculpturen uit plaatstaal, messing en koper. Deze platen werden met de hand gevormd en gelast tot de beoogde creaties. Een jaar later ontstond de behoefte meer in detail te gaan werken. Toen is Spier begonnen met bronsgieten volgens de verloren wasmethode (cire perdue). Bronsgieten doet Spier nog steeds. Sinds 1989 in een eigen stduio van 300 m2 met een vast team medewerkers. Naast eigen werk wordt ook voor collega-kunstenaars gegoten. Spier heeft zowel in het binnen- als buitenland geëxposeerd. RAYMOND SPIER - ENGBack to TopRaymond Spier (1956) began in 1974 with the creation of sculptures from steel, brass and copper. These plates were formed by hand and welded to form the intended creations. A year later, the need arose to work in more detail. When muscle is started casting bronze using the lost wax method (cire perdue). Bronze casting does Muscle still. Since 1989, in its own Stduio of 300 m2 with a solid team of employees. Besides his own work is also cast for fellow artists. Spier has exhibited both at home and abroad. RAYMOND SPIER – GERZurück nach obenRaymond Spier (1956) fing 1974 an mit Skulpturen aus Walzstahl, Messing und Kupfer. Die Walzstahlplatten werden mit der Hand geformt und dann zu den beabsichtigten Kreationen zusammengeschweisst. Etwas später entstand die Idee mehr ins Detail zu gehen und hat der Künstler angefangen mit dem Bronzegiessen nach der "cire perdue"-Methode. Das Bronzegiessen tut Raymond Spier noch immer in eigener Regie. Dazu arbeitet er seit 1989 in einem 200 qm grossen Studio mit einem festen Mitarbeiterteam. Manchmal giesst er auch für Künstlerkollegen. Raymond Spier hat vielfach im In- und Ausland ausgestellt. » Steur, PatriciaBack to Top» Stips, WouterWOUTER STIPS – NLTerug naar bovenGeboren in 1944 te Wassenaar. Volgde zijn opleiding aan de Academie voor Beeldende Kunsten in Rotterdam. Na zijn opleiding hield zich bezig met verschillende vormen van beeldende en toegepaste kunsten. Hij exposeerde met grafiek en schilderijen, maakte animatiefilms in Praag, poppen in Parijs, schreef en regisseerde theatervoorstellingen en publiceerde verschillende boeken en comics. Vanaf 1980 legde hij zich toe op het schrijven, regisseren en ontwikkelen van televisieprogramma’s, waaronder documentaires over theater en cabaret, drama- en comedyseries. Vanaf 1990 was hij creatief directeur bij IDTV en Endemol. Na 15 intensieve televisiejaren besloot hij weer terug te keren bij zijn oude liefde, het vrij schilderen. In korte tijd ontwikkelde hij een bijzondere, eigen stijl. De vrolijkheid en absurdistische gekte spat van de schilderijen af. Ieder werk is een ode aan de herwonnen artistieke vrijheid. In zijn werk neemt Stips je mee in zijn associatief fantasierijke domein van wonderlijke mensdieren, cupido’s, paarden, vissen, appels, vogels en andere bizarre voorstellingen. Opvallend is zijn overwegend lucide kleurgebruik met monochrome, ongemengde pigmenten, waar hij een enkele keer krijt in verwerkt. Bij elkaar vormt het een luchtig soort surrealisme. Stips legt zichzelf geen enkele limiet op, of het moet zijn dat hij soms afstapt van zijn visuele bombardementen en zich beperkt tot een rustige, verstilde compositie. WOUTER STIPS - ENGBack to TopBorn in 1944 in Wassenaar. Studied at the Academy of Fine Arts in Rotterdam. After his training was engaged in various forms of visual and applied arts. He exhibited with paintings and graphics, animation films made in Prague, dolls in Paris, wrote and directed theater and has published several books and comics. From 1980 he devoted himself to writing, directing and developing television programs, including documentaries about theater and cabaret, drama and comedy series. From 1990 he was creative director at IDTV and Endemol. After 15 years of intensive television he decided to return to his old love, free painting back. In a short time he developed a special style. The cheerfulness and absurd madness splash of the paintings off. Each work is a tribute to the artistic freedom regained. In his work Stips takes you into his associative imaginative realm of miraculous human animals, cupids, horses, fish, apples, birds and other bizarre performances. Remarkable for its predominantly lucid colors with monochromatic, unmixed pigments, which he incorporated into a single time chalk. Together it forms a sort of airy surrealism. Stips itself imposes no limit on, or it must be that he may move away from its visual bombing and is confined to a quiet, serene composition. WOUTER STIPS – GERZurück nach obenWouter Stips wurde 1944 in Wassenaar geboren. Er absolvierte eine Ausbildung an der "Academie voor Beeldende Kunsten"-Akademie in Rotterdam. Danach beschäftigte er sich mit diversen Formen der bildenden und angewandten Künste. Er entwickelte viele künstlerische Aktivitäten: Er stellte u.a. seine Grafik- und Gemäldearbeiten vielfach aus, machte "animal"-Filme in Prag und Puppenspiele in Paris .Zudem führte er Regie bei Theatervorstellungen und publizierte er diverse Bücher und Comics. Ab 1980 legt er sich zu auf das Schreiben, die Regieführung und die Entwicklung neuer Fernsehprogramme. Darunter befanden sich Theater- und Kabarett-Dokumentarfilme sowie Boulevard- und Comedy-Serien .Ab 1990 war Wouter Stips Kreativdirektor bei IDTV en Endemol. Nach mehr als 15 intensiven Fernsehjaren hat er sich dann entschlossen wieder zurückzukehren zu seiner alten Liebe, der freien Kunstmalerei. Wouter Stips hat anschliessend seinen ganz eigenen Stil entwickelt: Die Fröhlichkeit und die absurdistische Verrücktheit sprankeln dem Betrachter nur so aus seinen Arbeiten entgegen. Jedes Gemälde ist eine Ode an die wiedergewonnene künstlerische Freiheit. In seinen Arbeiten nimmt Wouter Stips den Betrachter mit in seine assoziativ-fantasievollen Träumen mit wunderlichen Menschtieren, Cupido-Figuren, Pferden, Fischen, Äpfeln, Vögeln und anderen bizarren Kreationen. Auffällig ist sein überwiegender Gebrauch heller Farben mit monochromen, ungemischten Pigmenten, in denen ab und zu Kreide verarbeitet ist. Zusammengenommen entsteht so eine luftige Surrealismus-Variante. Wouter Stips kennt keinerlei Grenzen doch es kann auch passieren, dass er Abstand nimmt von seinen visuellen Bombardements. Und den Betrachter überrascht mit einer verträumten Komposition » Stoevenbelt, HansHANS STOEVENBELT – NLTerug naar bovenHans Hoog Stoevenbelt (Zutphen 1952) woont en werkt zijn hele leven in Zutphen. Beïnvloed door het expressionisme en het experimentele heeft hij beide bestanddelen vermengd tot een divers geheel. De theorien van Carl Jung liggen meer dan eens ten grondslag in de gebruikte thematiek, waarbij de symboliek van droom en waken als rode draad door zijn werken loopt. Hierbij laat het werk meer doorschemeren dan het meest voor de hand liggende. Het bezit een onbewust aspect dat nooit exact gedefinieerd kan worden. Wat en wie zit er achter de maskers? Of zijn ze een reflectie van ons onderbewuste? De oppervlaktes van de schilderijen van Hoog Stoevenbelt bestaan uit meerdere lagen olieverf vermengd met diverse materialen en pigmenten waardoor een actieve gelaagdheid ontstaat. Verzadigde tinten die, als mentale vormen los van tijd en ruimte staan, liggen verscholen achter de herkenbare figuratie van de maskering als teken van tekens. De etsen van Hoog Stoevenbelt zijn na het drukken met de hand ingekleurd en bijgetekend, zodat iedere ets een unica is. Kleuren moeten gehoord worden en vormen moeten geproefd worden. Zoals de olieverf en vulmiddelen vermengd worden op het doek, zo worden de zintuiglijke waarnemingen gemengd tot synoniemen. De eigen orde van de voorstellingen doorbreekt met hun vitaliteit de macht van de schilder en staat klaar een eigen leven te leiden. Niet Hoog Stoevenbelt, maar het kunstwerk beïnvloedt het vormingsproces , waarbij deze pas betekenis krijgt in de ogen van de toeschouwer. Deze betekenis is altijd een voorlopig resultaat, want iedereen proeft, ruikt, voelt, hoort en kijkt anders. Zo bezien wordt de macht door Hoog Stoevenbelt als kunstenaar uit handen gegeven op het moment dat zijn kunstwerken tentoongesteld worden. HANS STOEVENBELT - ENGBack to TopHans High Stoevenbelt (Zutphen 1952) lives and works his entire life in Zutphen. Influenced by Expressionism and experimental he has two components blended into a diverse body. The theories of Carl Jung, are more than once based on the theme used, the symbolism of dreams and waking as a thread running through his work. This makes the work hinted over the most obvious. It possesses an unconscious aspect that can be. Never precisely defined What and who is behind the masks? Whether they are a reflection of our subconscious? The surfaces of the paintings of High Stoevenbelt consist of several layers of oil paint mixed with various materials and pigments causing an active layering occurs. Saturated hues, as well as mental forms are independent of time and space are hidden behind the recognizable figuration of masking as a sign of character. The etching of High Stoevenbelt after pressing hand-colored and re-signed so that each etching is a unica. Colors should be heard and are to be tasted. As the oil and fillers are mixed on the canvas, so the senses mixed up synonyms. The private order of the performances breaks with their vitality, the power of the painter and is ready to lead their own lives. High Stoevenbelt not, but the work affects the formation process, where it can be understood in the eyes of the beholder. This meaning is always a preliminary result, because everyone taste, smell, feel, hear and look different. Seen as an artist is outsourced by High Stoevenbelt at the time that his works are exhibited power. HANS STOEVENBELT – GERZurück nach oben» Swier, AdAD SWIER – NLTerug naar bovenAd is in 1948 geboren in Den Haag. Hij groeide op in Schevening vlak naast de woeste Noordzee alwaar hij waarschijnlijk zijn liefde voor water en natuur heeft opgedaan. Hij studeerde af op de kunstacademie in Enschede en ging daarna aan het werk als grafisch ontwerper en illustrator. Later ontplooide Ad zich als bevlogen schrijver en fotograaf. Bijna al zijn werken zijn geïnspireerd op de natuur, Ad woont met zijn gezin aan de oever van de IJssel in een klein dorpje buiten Zwolle. Vele uren brengt hij aan de waterkant door, voornamelijk bezig met zijn grote passie; vliegvissen. In de afgelopen 25 jaar produceerde Ad werken van postzegel- formaat tot complete wandschilderingen van 4,5 x 11 meter. Hij werkte voor vele toonaangevende bedrijven, instanties en musea waaronder het Natuur Historisch Museum, Seasons Magazine, Wolters Groep Groningen, Partridge of Redditch-UK, de Wadden Vereniging en Rijkswaterstaat. AD SWIER - ENGBack to TopAd was born in 1948 in The Hague. He grew up in Scheveningen beside the ferocious North Sea, where he probably gained. His love of water and nature He graduated at the Art Academy in Enschede and then went to work as a graphic designer and illustrator. Later Ad deployed as passionate writer and photographer. Almost all of his works are inspired by nature, Ad lives with his family on the banks of the river IJssel in a small village outside of Zwolle. Many hours he brings to the waterfront by, mainly with his great passion, fly fishing. In the past 25 years Ad produced works of stamp size to full wall paintings of 4.5 x 11 meters. He worked for many leading companies, institutions and museums including the Natural History Museum, Seasons Magazine, Wolters Group Groningen, Partridge of Redditch, UK, the Wadden Sea Society and Public Works. AD SWIER – GERZurück nach obenAd Swier wurde 1948 in Den Haag geboren und wuchs auf in Scheveningen direkt an der wild-wüsten Nordsee. Daher stammt wahrscheinlich auch seine Liebe für das Wasser und die Natur. Er studierte an der Kunstakademie in Enschede und übte den Beruf des grafischen Gestalters und Illustrators aus. Später entfaltete er sich als ambitionierter Schreiber und Fotograf. Wobei alle seinen Arbeiten immer wieder von der Natur inspiriert sind. Der Künstler wohnt mit seiner Familie in einem kleinen Dorf am Ufer des Flusses IJssel in der Nähe der Stadt Zwolle. Dort verbringt er viele Stunden an der "Waterkant" und beschäftigt sich dabei mit seiner grossen Passion, dem Fliegenfischen. In den vergangenen 25 Jahren hat Ad Swier Kunstwerke in unterschiedlichen Formaten produziert, vom Briefmarkenformat zu grossformatigen Wandmalereien von 4,50 x 11,00 m .Er hat für viele tonangebende Betriebe, Instanzen und Museen gearbeit: "Naturhistorisches Museum" ,"Seasons Magazine" ,"Wolters Groep Groningen" ,"Partridge of Redditch UK", "Wadden Vereniging" und "Rijkswaterstaat » Tange, JacquesJACQUES TANGE – NLTerug naar bovenJacques Tange (1960) is geboren in Vlissingen. Hij volgde de Academie voor Beeldende Kunsten in Rotterdam. Tange werkt hoofdzakelijk in olieverf en pastel, maar ook op keramiek. Voor de pastels creëert hij met brede passe-partout in de typisch warme rode en blauwe kleuren, het gevoel dat men door een venster kijkt of in een theater zit. Jacques Tange bezit als geen ander de gave om met beperkte en eenvoudig middelen de juiste sfeer op te roepen. Met zijn kunstwerken spreekt hij een universeel publiek aan. In felle primaire kleuren geeft hij telkens een nieuwe invulling aan het thema "verlangen". Verlangen in welke vorm dan ook, in liefde en leven, naar thuis en verre oorden, naar heden en verleden. Zijn werk is boeiend, kleurrijk en verrassend en laat zich moeilijk onderbrengen in de nu bekende Nederlandse kunststromingen. Wie verder kijkt dan de eerste aanblik ontdekt een diepere emotie die Tange presenteert met een ondeugende knipoog. De kunstenaar krijgt nu reeds internationale aandacht. Hij exposeert vanaf 1992 en heeft werk in verschillende stedelijke collecties en musea. Tijdens de "Kunstenaar van het Jaar verkiezing 2003" is hij uit een landelijke verkiezing van alle Nederlandse kunstenaars verkozen tot "meest veelbelovend kunstenaar van 2003". In 2005 is Jacques verkozen tot 'Kunstenaar van het jaar'. Recent is er een geïllustreerd boek met een overzicht van zijn werk verschenen. JACQUES TANGE - ENGBack to TopJacques Tange (1960) was born in Flushing. He attended the Academy of Fine Arts in Rotterdam. Tange works primarily in oil and pastel, but also ceramics. For the pastels he creates with wide matted in typical warm red and blue colors, the feeling that one is looking through a window or sitting in a theater. Jacques Tange possession like no other gift to call. Limited and simply means the right atmosphere With his works he speaks a universal audience. In bright primary colors, he always gives a new meaning to the theme of "desire". Desire in any form whatsoever, in love and life, at home and far away places, to past and present. His work is fascinating, colorful and surprising and is difficult to accommodate in the now famous Dutch art movements. Who looks beyond the first glance discovers a deeper emotion Tange presents with a mischievous wink. The artist already gets international attention. He exhibits since 1992 and has work in several urban collections and museums. During the "Artist of the Year Award in 2003," he is a national election of all Dutch artists voted "most promising artist of 2003." In 2005, Jacques voted "Artist of the Year. Recently, there is an illustrated book published with an overview of his work. JACQUES TANGE – GERZurück nach obenJacques Tange wurde 1960 in Vlissingen geboren .Er absolvierte die "Academie voor Beeldende Kunsten"-Akademie in Rotterdam und malt hauptsächlich Öl- und Pastellgemälde. Letztere kreiert er in typischen, roten und blauen Farben und mit breiten Passe-Partouts, sodass der Eindruck entsteht, man schaut durch ein Fenster oder sitzt in einem Theater. Jacques Tange besitzt wie keine anderer die Gabe mit beschränkten und einfachen Mitteln eine packende Atmosphäre aufzurufen. Mit seinen Kunstwerken spricht er ein universelles Publikum an und versucht dabei mit grellen Primärfarben das Thema "Verlangen" neu zu interpretieren. Verlangen in jeder Form wie dann auch, in der Liebe und im Leben, nach Hause und nach fernen Bestimmungen, nach der Gegenwart und nach der Vergangenheit. Sein Werk ist fesselnd, farbenreich und überraschend und lässt sich schwierig einordnen in die bekannten niederländischen Kunstströmimgen .Wer etwas genauer hinschaut als auf dem ersten Blick, entdeckt eine tiefere Emotion, die Tange verschmitzt-augenzwinkernd präsentiert. Der Künstler hat inzwischen bereits eine gewisse internationale Bekanntheit erreicht. Er macht Ausstellungen seit 1992 und seine Arbeiten gibt es in diversen städtischen Kollektionen und Museen zu bewundern. Während des Wettbewerbs "Kunstenaar van het Jaar Verkiezing 2003" ist er zum meistversprechenden Künstler des Jahres 2003 gewählt worden und 2005 ist Jacques Tange gar zum "Künstler des Jahres" ausgerufen worden. Unlängs ist ein Buchwerk mit einem Überblick seiner Arbeiten erschienen. » Teng, HanBack to Top» Tero, W.Back to Top» Terrani, MarcelMARCEL TERRANI – NLTerug naar bovenDe werken van Marcel Terrani weerspiegelen de multiculturele mix van de hedendaagse maatschappij en overtuigen door hun contrasterende expressie. Elk beeld toont de oneindige facetten van de menselijke natuur, maar niet voorbijgaan aan de eigenheid van elk individu. "Het is belangrijk om de uniciteit van elke persoon vast te leggen op beeld", zegt Terrani zelf. Al diverse jaren ontvangt hij uit binnen- en buitenland veel lof voor zijn werk. Of het nu om portretten, reclamefoto's of collages gaat, alle werken van Marcel Terrani dragen zijn unieke handtekening. MARCEL TERRANI - ENGBack to TopThe works of Marcel Terrani reflect the multicultural mix of contemporary society and convince by their contrasting expression. Each image shows the infinite facets of human nature, but do not ignore the uniqueness of each individual. "It is important to capture on film the uniqueness of each person," says Terrani itself. He receives from home and abroad for several years a lot of praise for his work. Whether it comes to portraits, advertising photos or collages, all the works of Marcel Terrani bear his unique signature. MARCEL TERRANI – GERZurück nach obenDie Arbeiten Marcel Terranis wiederspiegeln den multikulturellen Mix der heutigen Gesellschaft und überzeugen durch ihre kontrastreiche Ausdruckskraft. Jedes Bild zeigt die unendlichen Aspekte der menschlichen Natur, geht aber nicht vorbei an der Eigenheit eines jeden Individuums. "Es ist wichtig die Einzigartigkeit einer jeden Person in einem Bild festzuhalten", sagt der Künstler hierzu. Bereits seit etlichen Jahren erhält er aus dem in- und Ausland viel Anerkennung für sein Werk. Ob es nun um Porträts, Werbebilder oder Collagen geht, sämtliche Arbeiten Terranis tragen seine einzigartige Handschrift. » Tilburg, Jan vanBack to Top» Toebosch, EricERIC TOEBOSCH – NLTerug naar bovenEric Toebosch is in 1949 in Venlo geboren. Hij studeerde aan de Academie voor Kunst en Industrie in Enschede. Hij heeft zich geleidelijk aan ontwikkeld tot een interessante en eigenzinnig kunstenaar, een schilder en graficus die zich niets aantrekt van wat populair is en consequent zijn eigen weg gaat. Eric Toebosch is in eerste instantie een schilder van engelen die boodschappen van de hemel naar de aarde brengen. Ze worden frontaal en stram weergegeven. Compositie en voorstellingen roepen herinneringen op aan iconen, de vensters op de eeuwigheid uit de Byzantijnse kunst. Deze indruk wordt nog eens versterkt door het gebruik van goudverf. Het oeuvre van Toebosch is doordrenkt van symboliek. Een kruis of Sint-Andreaskruis, een zandloper of schild; het zijn allemaal tekens die onlosmakelijk met hem zijn verbonden. De schilderijen zouden zo uit een Koptisch klooster kunnen komen; zijn zeefdrukken lijken op illustraties uit een middeleeuws getijdenboek. Het verbaast daarom niet dat hij wel eens geplaatst wordt in de traditie van de spirituele kunst. Opvallend is het veelvuldig gebruik van teksten in zijn werk. Toebosch heeft iets met de Duitse taal. Titels als 'Nur Weinen’ of ‘Die Sehnsucht’ zijn heel bewust gekozen. Naar de dramatiek die in woorden besloten ligt, is Eric Toebosch constant al schilderend op zoek. Maar er is ook een tegenpool in zijn werk en dat is de humor. Toebosch houd van gezelligheid en geanimeerde gesprekken. Als geen ander kan hij moppen tappen; eenmaal op gang schudt hij ze uit zijn mouw. Die relativerende, onbevangen humor zien we bijvoorbeeld terug in zijn hondjes. Een enkele keer kunnen ze gevaarlijk zijn, maar meestal zijn ze goedig van karakter. In het oeuvre van de kunstenaar vormen de hondjes een vrolijk element. Eric Toebosch heeft opdrachten gemaakt voor diverse bedrijven waaronder DSM, Stone-Art en de Mutsaerstichting. Verder is zijn werk opgenomen in de openbare collecties van o.a. het Gemeente Museum Roermond en het Museum van Bommel van Dam in Venlo. Het werk van Eric Toebosch is diverse malen geëxposeerd in Finland en Nederland. ERIC TOEBOSCH - ENGBack to TopEric Toebosch was born in 1949 in Venlo. He studied at the Academy of Art and Industry in Enschede. He has gradually developed into an interesting and quirky artist, a painter and graphic artist who does not care of what is popular and consistently goes its own way. Eric Toebosch is primarily a painter of angels bring messages from heaven to earth. They are stiff and frontal display. Composition and performances evoke memories of icons, windows eternity of Byzantine art. This impression is reinforced by the use of gold paint. The oeuvre of Toebosch is steeped in symbolism. A cross of St. Andrew's cross, an hourglass or shield, these are all signs that are inextricably linked with him. The paintings were so can come from a Coptic monastery, his serigraphs resemble illustrations from a medieval book of hours. Therefore it is not surprising that he sometimes placed in the tradition of spiritual art. Is the frequent use of texts in his work is remarkable. Toebosch has something to do with the German language. Titles like "Nur Weinen 'or' Die Sehnsucht 'are deliberately chosen. In the drama inherent in words is, Eric Toebosch consistently been painting for. But there is also an opposite in his work, and that's the humor. Toebosch love socializing and animated conversations. Like no other he can tell jokes, once started, he shakes them out of his sleeve. That relativistic, uninhibited humor we see for example, in his dogs. Occasionally they can be dangerous, but usually they are good-natured character. In the oeuvre of the artist, the dogs are a cheerful element. Eric Toebosch has created jobs for several companies including DSM, Stone Art and Mutsaerstichting. Furthermore, his work is included in the public collections of the Municipal Museum Roermond and the Museum van Bommel van Dam in Venlo. The work of Eric Toebosch been exhibited several times in Finland and the Netherlands. ERIC TOEBOSCH – GERZurück nach obenEric Toebosch ist 1949 in Venlo geboren. Er hat an der "Academie voor Kunst en Industrie"-Akademie in Enschede studiert und sich allmählich zu einem interessanten und eigenwilligen Künstler entwickelt. Er ist ein Maler und Grafiker, der sich nichts daraus macht ob etwas populär ist. Und konsequent seinen Weg verfolgt. Eric Toebosch ist in erster Linie ein Maler von Engeln, die Botschaften vom Himmel auf die Erde bringen. Sie werden frontal und straff dargestellt und erinnern an Ikone, an die Fenster der Ewigkeit aus der byzantinischen Kunst. Dieser Eindruck wird zudem verstärkt durch den Einsatz von Goldfarbe. Das Oeuvre des Künstlers ist durchtränkt mit Symbolik. Ein Kreuz oder ein Andreaskreuz, ein Sandläufer oder ein Schild: Es sind dies alles Zeichen, die untrennbar mit Eric Toebosch verbunden sind. Seine Gemälde könnten so aus einem koptischen Kloster stammen und seine Siebdrucke gleichen Illustrationen aus einem mittelalterlichen Gezeitenbuch. Es kann deshalb nur erstaunen, wenn der Künstler manchmal in die Tradition der spirituellen Kunst platziert wird. Aüffällig ist der Gebrauch von Texten in seinen Arbeiten. Toebosch hat etwas mit der deutschen Sprache, denn Titel wie "Nur Weinen" oder "Die Sehnsucht" sind offensichtlich sehr bewusst gewählt .Der Künstler ist durchgehend auf der Suche nach der Dramatik, die in Worten enthalten ist. Aber es gibt auch einen Gegenpol in seinem Werk und das ist der Humor. Eric Toebosch liebt die Gemütlichkeit und ambitionierte Gesprache. Und wie kein anderer kann er Witze erzählen: Einmal in Gang gekommen schüttelt er sie nur so aus dem Ärmel. Der relativierende, unbefangene Humor sehen wir beispielsweise zurück in seine Hündchen. Manchmal können sie gefährlich sein aber meistens haben sie einen gutartigen Charakter. Man kann sagen, dass im Gesamtwerk des Künstlers die Hündchen ein fröhliches Element darstellen. Eric Toebosch hat für diverse grosse Auftraggeber gearbeitet wie u.a. für DSM, "Stone-Art" und "Mutsaers-Stichting". Auch sind seine Arbeiten zu sehen in den öfrfentlichen Kollelktionen des "Gemeente Museum Roermond"-Museum in Roermond und dem "Van Bommel van Dam"-Museum in Venlo. In Finnland und in den Niederlanden hat es diverse Ausstellungen von ihm gegeben. » Toor, Ellen vanBack to Top» Tormi, JanJAN TORMI – NLTerug naar bovenJan Tormi is in 1951 te Lennep (Duitsland) geboren. Zijn bestaan als autodidact kunstenaar begint in 1969 in Hamburg. Daar doet de fotograaf Wichmann, die voor de BBC in Londen gaat werken, zijn goed uitgeruste fotostudio aan hem over. Dit stelt de jonge Tormi in staat om op grootschalige wijze te experimenteren op het gebied van de genummerde grafiek. In deze periode ontstaan bovendien veel werken in houtskool, gouache en in olieverf. Het werk van Jan Tormi komt in deze periode tot stand buiten de hoofdstroming van de zestiger jaren om. Zijn streven is om, in deze veranderlijke tijden waarin de kunst zich bevindt, een positie in te nemen en deze te vertegenwoordigen en zo een flexibele basis te vormen in zijn verdere ontwikkeling als kunstenaar. In de zeventiger jaren reist hij door Europa en het Verre Oosten. Dit is voor hem een belangrijke tijd van uiteenzetting van historische feiten die hun sporen achterlaten bij zijn schilderijen die hier uit voortvloeien. In de jaren 1975 tot 1981 ontstaan er ook keramische werken van zijn hand. In de vroege tachtiger jaren eigent Tormi zich de techniek van het etsen en andere kunstzinnige druktechnieken toe. Hij houdt zich in deze periode bezig met de naoorlogse generatie van schilders als Tapies, Corneille, Schumacher, Goetz, Hartung en Dahmen en maakt op deze manier deel uit van de 'Duitse informele beweging'. Hier vinden uitwisselingen plaats, ook met jonge Franse en Engelse 'informele kunstenaars', zoals met Dussau, Remusat en de Spaanse schilder Barcello. Eind jaren tachtig zijn er veel groepstentoonstellingen met Tormi's werk in Duitse, Belgische en Franse galeries. Begin jaren negentig heeft hij een 'one man show' in het Grand Palais in Parijs. Zijn werk is verder te zien (geweest) in o.a. New York en Düsseldorf. Ook heeft het Franse Ministerie van Cultuur een deel van zijn werken in hun collectie opgenomen. JAN TORMI - ENGBack to TopJan Tormi was born in 1951 in Lennep (Germany). His existence as a self-taught artist begins in 1969 in Hamburg. As does the photographer Wichmann, who goes to work for the BBC in London are well-equipped studio to him. This enables the young Tormi able to experiment in the area of the graph numbered. On a large scale During this period, moreover, created much work in charcoal, gouache and oil. The work of Jan Tormi in this period established outside the main flow of the sixties to. Its aim is to take a position in this changing times where the art is located, and to represent it and to form in his development as an artist. A flexible base In the seventies he travels through Europe and the Far East. This is for him an important time of presentation of historical facts that leave their mark on his paintings stemming from here. In the years 1975 to 1981 also creates ceramic works from his hand. In the early eighties Tormi appropriates the technique of etching, and other artistic printing techniques allow. He is at this time engaged in the post-war generation of painters like Tapies, Corneille, Schumacher, Goetz, Hartung and Dahmen and is thus part of the "German informal movement. Here exchanges have taken place, including with young French and English "informal artists', as with Dussau, Rémusat and Spanish painter Barceló. In the late eighties, there are many group exhibitions Tormi's work in German, Belgian and French galleries. In the early nineties he has a "one man show" at the Grand Palais in Paris. His work is further seen (been) in eg New York and Düsseldorf. The French Ministry of Culture also has some of his works in their collection. JAN TORMI – GERZurück nach oben» Trend-ArtBack to Top» Treu, MaryMARY TREU – NLTerug naar bovenMary Treu is de beeldhouwer die op latere leeftijd tot ontdekking komt dat een hobby met passie uitgroeit tot een vorm van leven. In 1999 maakt zij haar eerste vrouw uit steen en volgen vele andere vrouwelijke en mannelijke figuren. Mary is autodidact. Een steen bewerken is een aparte ervaring waarbij Mary gebruik maakt van verschillende soorten steen. Sommige werken worden daarna in brons gegoten en sinds kort ook in aluminium. De vormen van haar beelden probeert zij zo strak mogelijk te houden zonder in te boeten aan kracht en uitstraling. De grilligheid van de steen bepaalt daarbij de sfeer die Mary laat integreren in haar beeld. Zij maakt beelden ook in de basis van was, zeker als het gaat om opdrachten. MARY TREU - ENGBack to TopMary Treu is the sculptor who later in life come to discover that a passionate hobby grows into a form of life. In 1999 she makes her first woman from stone and follow many other female and male figures. Mary is self-taught. Editing a stone is an experience in which Mary uses different kinds of stone. Some works are then cast in bronze and recently also in aluminum. The shapes of her images she tries to hold without sacrificing strength and appearance. As tight as possible The capriciousness of the stone determines the atmosphere that makes Mary into its image. She also makes sculptures in wax-based, especially when it comes to jobs. MARY TREU – GERZurück nach obenMary Treu ist eine Bildhauerin, die erst in späteren Jahren zu der Entdeckung kommt, dass ein Hobby mit Passion zu einer Lebensform auswachsen kann. 1999 machte sie ihre erste Frau aus Stein und es werden viele männliche und weibliche Figuren aus Stein darauf folgen. Einen Stein zu bearbeiten ist ein sehr spezielle Erfahrung, wobei Mary Treu Gebrauch macht von allerhand unterschiedlichen Steinsorten. Manchmal werden diese Skulpturen auch in Bronze gegossen und seit kurzem auch in Aluminum. Die Formen ihrer Skulpturen versucht sie so straff wie möglich zu halten ohne dass dies zu Einbüssen an Kraft und Ausstrahlung führt. Die Launenhaftigkeit des Steines bestimmt dabei die Ausstrahlung, die Mary Treu in ihrer Skulptur zu verwirklichen versucht. Sie fertig ihre Skulpturen auch auf Wachsgrundlage an, ganz besonders bei Auftragsarbeiten. » TropeaBack to Top» Tuin, Harmen van derHARMEN VAN DER TUIN – NLTerug naar bovenHarmen van der Tuin is fulltime beeldend kunstenaar en maakt monumentale schilderijen, tekeningen, aquarellen, gemengde technieken, op verschillende ondergronden zowel doek als paneel ook maakt hij werken in opdracht, zo ruimtelijk als plat. HARMEN VAN DER TUIN - ENGBack to TopHarmen van der Tuin is a fulltime artist and creates monumental paintings, drawings, watercolors, mixed techniques on different surfaces both canvas and panel makes it work on commission, so as spatially flat. HARMEN VAN DER TUIN – GERZurück nach obenHarmen van der Tuin ist ein Fulltime-Künstler, der sich spezialisiert hat auf monumentale Gemälde, Zeichnungen und Aquarelle. Hierbei arbeitet er mit verschiedenen Techniken und auf interschiedlichen Untergründen wie Leinwände und Paneele. Er macht zudem Auftragsarbeiten, auf Wunsch auch dreidimensional gestaltet. » Uyl, Wiegen denWIEGEN DEN UYL – NLTerug naar bovenHet werk van Wiegen den Uyl kenmerkt een grote mate van abstractie. De schilder laat zich kennen als iemand die denkt in vlakken en vormen. Hierbij maakt hij gebruik van lijnen die vormen suggereren of de vlakken aangeven. In eerste instantie is vooral de vorm belangrijk, de kleur gebruikt den Uyl altijd secundair. Zoals veel is ook Wiegen den Uyl onlangs overgegaan van het werken in olieverf naar acryl. Acryl is een sneldrogende verfsoort met een grote dekkracht en dit vraagt automatisch om een andere werkwijze. Het is voor Wiegen den Uyl dan ook een enorme uitdaging om met deze andere materie dezelfde transparantie in zijn schilderijen te kunnen verkrijgen. De schilderijen van Wiegen den Uyl zijn opgebouwd in lagen. De eerste verflagen worden spontaan opgebracht, daarna worden er stapje voor stapje fragmenten, lijnen, toegevoegd zodat er diepgang onstaat. Hierbij maakt de schilder ook gebruik van oliekrijt en spuitbus. Er wordt gewikt en gewogen, fragmenten worden weggehaald of toegevoegd totdat een sterk op zichzelf staand beeld is gecreeerd. Voor Wiegen den Uyl hoeft een schilderij geen natuurgetrouwe weergave van de werkelijkheid te zijn. Hij gaat ervan uit dat in wetenschap en natuur alles met elkaar samenhangt. De interacties en combinaties openbaren zich voornamelijk in vormentaal, de kleur volgt dan vanzelf. WIEGEN DEN UYL - ENGBack to TopThe work of den Uijl Cradles features a high degree of abstraction. The artist reveals himself as someone who thinks of surfaces and shapes. Here he uses lines which are suggest or indicate the planes. Initially particularly important form, the color is always used den Uyl secondary. As much is too Cradles den Uyl recently moved from working in oil, acrylic. Acrylic is a fast drying paint type with a high opacity and this calls automatically to another method. It is ordinarily den Uyl therefore an enormous challenge to obtain the same. Transparency in his paintings with this other matter The paintings Cradles den Uyl are built in layers. The first layers of paint are applied spontaneously, then step by step fragments lines are added so that there arises depth. It also allows the use of oil paint and chalk spray. There is weighed up, fragments are removed or added until a strong self-image is created. For Cradles den Uyl a painting need not be. No faithful representation of reality He assumes that science and nature everything is interconnected. The interactions and combinations reveal themselves mainly in formal language, the color follows automatically. WIEGEN DEN UYL – GERZurück nach obenDas Werk Wiegen den Uyls is gekennzeichnet durch eine grosse Abstraktion. Der Maler lässt sich erkennen als jemand der in Flächen und Formen denkt. Hierbei macht er Gebrauch von Linien, die Formen nur suggerieren oder Flächen anreissen. In erster Linie ist für Wiegen den Uyl die Form wichtig und ist der Farbgebrauch für ihn sekundär. Wie so viele andere Künstler auch is er vor kurzum von Ölfarbe auf Acrylfarbe umgestiegen. Acryl ist jedoch eine schnelltrocknende Farbsorte mit einer grossen Deckkraft, die fast automatisch nach einer anderen Arbeitsweise verlangt. Es ist für den Künstler dann auch eine enorme Herausforderung mittels dieses komplett anderen Materials in seinen Gemälden die gleiche Transparenz wie beim Ölmalen zu erzeugen. Die Gemälde Wiegen des Uyls sind in Schichten aufgebaut. Die ersten Farbschichten werden spontan aufgetragen doch dann werden Schritt für Schritt Fragmente und Linien hinzugefügt, sodass ein gewisser Tiefgang entsteht. Hierbei werden auch Ölkreide und Sprühfarbe eingesetzt. Es wird überlegt und überlegt, Fragmente werden wieder entfernt und wieder zugefügt bis endlich ein starkes, autonomes Bild entstanden ist. Für den Künstler braucht ein Gemälde kein getreues Abbild der Wirklichkeit zu sein. Er geht ohnehin davon aus, dass in der Natur und in der Wissenschaft sowieso alles mit einander zusammenhängt .Seine interaktionen und Kombinationen zeigen sich hauptsächlich in der Formensprache, die Farbe folgt dann von selbst. » Vanhorck, HansHANS VANHORCK – NLTerug naar bovenhet oog verkent de werkelijkheid 1978 - 1983 langdurig en geduldig kijken naar de mensen en dingen om je heen is een absolute voorwaarde om ze te leren kennen. Vanhorck tast met het oog aandachtig de onderwerpen af die hij in deze periode schildert. hij beoefent een realisme dat tracht de werkelijkheid tot onder de huid te vatten en in beeld te brengen. de ommekeer en de weg naar binnen 1984 - 1989 intense aandacht voor zijn thema's leidt bij Vanhorck tot verinnerlijking en zelfreflectie. de schilder wordt zich bewust van het schilderen zelf. hij slaat de weg naar binnen in. als gevolg daarvan komt de zintuiglijke werkelijkheid die hij in zijn doeken vastlegde in beweging. de abstracte dieptestructuur van de werkelijkheid begint zichtbaar te worden in al zijn tegenstellingen en contrasten. de speurtocht naar structuur 1990 - 1995 toezien op wat zich uit de turbulentie en spanningen gaat ontwikkelen, is kenmerkend voor deze periode. geduld, gevolgd door een ontdekken van de samenhangen die onder het oppervlak van de dingen uiteindelijk toch een fundamentele orde produceren. Vanhorck zoekt fundamenten, en langzamerhand krijgt hij daar steeds meer grip op. de anatomie van het fundament 1996 - 2001 Vanhorck beseft dat werkelijk inzicht niet te rijmen valt met een al te sterke greep op de dingen die ze niet meer zelf aan het woord laat komen. hij laat los en laat gaan, observeert aandachtig en wacht of spontaan samenhangen in de turbulentie van lijn en kleur ontdekt kunnen worden. de dragende kracht van het verhaal 2002 - 2007 het werken voert Vanhorck intuïtief in de richting van de plaats waar de grondslagen van een samenleving gevonden kunnen worden. de mythologie van een land of van een tijd blijkt de in klank en beeld belichaamde structuur van de maatschappij, toegankelijk voor iedereen maar tevens is gedragen door een krachtig en dragend skelet van begrippen en denkbeelden. van mythe tot helder begrip 2008 - heden de analyse van de mythen die de gemeenschap dragen en structuur verlenen brengt Vanhorck ertoe begrippen steeds duidelijker uit hun verhalend omhulsel te halen en denkend te vatten. hij combineert nu zijn vroegere intuïtieve benadering met scherper, zuiver denken. zo komt hij in een nieuwe, meer geïntegreerde en rijkere fase van zijn werk. wat helder gedacht wordt kan Vanhorck nu "sprekend" verbeelden. HANS VANHORCK - ENGBack to Topthe eye explores the reality 1978 - 1983 long and patiently watching the people and things around you is an absolute prerequisite to know them. Vanhorck affected with a view carefully the issues on which he paints in this period. he practices a realism that seeks to grasp the reality under the skin and into focus. the turnaround and the way in 1984 - 1989 intense attention to his themes at Vanhorck leads to internalization and self-reflection. the painter is aware of the painting itself. he beats the way inside. as a result, the sensory reality which he recorded in his paintings in motion. abstract deep structure of reality begins to be in all its contradictions and contrasts visible. the search for structure 1990 - 1995 monitor what is going to develop, from the turbulence and tension is typical of this period. patience, followed by discovering the connections which still produce ultimately a fundamental right under the surface of things. Vanhorck looking fundamentals, and gradually he gets there more and more grip. the anatomy of the foundation 1996 - 2001 Vanhorck realizes that real understanding can not be reconciled with too strong a grip on things they do not let yourself get to the word. He let go and let go, observe carefully and wait spontaneously or can be connected. discovered in the turbulence of line and color the driving force of the story 2002 - 2007 The work carries Vanhorck intuitively towards the place where the foundations of a society can be found. mythology of a country or a time appears embodied in sound and image structure of society, open to everyone, but is also supported by a strong and supporting skeleton of concepts and ideas. clear understanding of myth until 2008 - now analysis of the myths that the community will provide structure and carry Vanhorck led to pick concepts more clearly out of their shell and narrative thinking to grasp. He now combines his earlier intuitive approach with sharper, pure thought. he comes in a new, more inclusive and richer phase of its work. What is clear thought Vanhorck can now "speaking" depict. HANS VANHORCK – GERZurück nach obendas Auge erkundet die Wirklichkeit 1978 -1983 lang anhaltend und geduldig die Leute und die Dinge um Dich herum anschauen ist eine absolute Bedingung sie kennenzulernen. Vanhorck tastet mit den Augen aufmerksam die Gegenstände ab, die er in dieser Periode malt. Er bedient sich dabei eines Realismus', der versucht die Wirklichkeit bis unter die Haut einzufangen und abbzubilden. die Umkehr und der Weg ins Innere 1984 -1989 die intensive Aufmerksamkeit für seine Themen führt bei Vanhorck zur Verinnerlichung und Selbstreflektion und der Maler wird sich des Malens selbst bewusst .Er begibt sich auf den Weg nach innen, sodass die sinnliche Wirklichkeut seiner Arbeiten in Bewegung kommt. Die abstrakte Tiefenstruktur der Wirklichkeit beginnt sichtbar zu werden in allen ihren Gegensätzen und Kontrasten. die Suche nach Struktur 1990 -1995 zuzuschauen was sich aus der Turbulenz und den Spannungen entwickeln wird kennzeichnet diese Periode. Die Geduld und die Entdeckung der Zusammenhänge, die unter der Oberfläche der Dinge letztendlich doch eine Fundamentalordnung produzieren. Vanhorck sucht nach Fundamenten und kriegt sie immer besser in den Griff. die Anatomie des Fundaments 1996 -2001 Vanhorck realisiert sich, dass die tatsächliche Einsicht sich nicht verträgt mit einem allzustarken Griff nach den Dingen, sodass diese nicht mehr selbst zu Wort kommen. Er lässt los und lässt laufen, observiert aufmerksam und wartet ab, ob in der Turbulenz von Linie und Farbe spontane Zusammenhänge entdeckt werden können. die tragende Kraft der Geschichte 2002 -2007 seine Arbeiten führen Vanhorck intuitiv in die Richtung der Orte, wo die Fundamente einer Gesellschaft gefunden werden können. Die Mythologie eines Landes oder einer Zeit bleibt in der in Klang und Bild verkörperte Gesellschaftsstruktur für jedermann zugänglich. Diese wird aber gleichzeitig von einem kräfftigen und tragenden Skelett der Begriffe und Ideen unterstützt. vom Mythos bis zum klaren Begriff 2008 bis heute die Analyse der Mythen, die die Gemeinschaft tragen und eine Struktur verleihen, veranlasst Vanhorck gewisse Begriffe immer deutlicher aus ihrer erzählenden Hülle zu holen und in Gedanken zu fassen. Indem er seine frühere, intuitive Annäherung jetzt mit einem schärferen und klareren Denken kombiniert, kommt er in eine neue, mehr integrierte und reichere Phase seines Schaffens. Was klar gedacht wird, kann Vanhorck jetzt "sprechend" in Bildern umsetzen. » VasokBack to Top» Velde, Tom teBack to Top» Ven, Twan van deBack to Top» Verbist, JacquelineBack to Top» Verburg, WillemWILLEM VERBURG – NLTerug naar bovenSchilderen is slechts een onderdeel van de activiteiten waarmee Willem Verburg (Mijdrecht, 1967) zich bezighoudt, en zelfs daarin maakt hij gebruik van een veelheid van stijlen, opvattingen en beeldelementen. Zijn schilderijen kunnen kleurrijk en uitbundig zijn, maar evengoed monochroom en ingetogen. Abstracte patronen en kleurvlakken worden gecombineerd met knipsels uit tijdschriften en herkenbare, sterk gestileerde dier- en mensfiguren. Sommige personages keren telkens terug: de robot, de krokodil, de superheld, de ruimtevaarder. Ze verwijzen naar een door sprookjes en strips geïnspireerde wereld waarin de verbeelding vrij spel heeft gekregen. Willem werkt in hoog tempo. Dat vindt hij noodzakelijk: 'Ik moet mijn eigen gedachten voorblijven. Zodat je achteraf het gevoel hebt: "Hee, heb ik dat gemaakt?" Door mijn werk ontdek ik wat ik denk.' Uit de schilderijen spreekt een bijna obsessieve dynamiek, die door de toepassing van strikte compositorische principes in toom worden gehouden. Met visuele middelen probeert Willem een scala van stemmingen en emoties weer te geven, zoals woede en verdriet, maar ook uitbundige vreugde. Zijn schilderijen gaan over 'leven, dood en wat ik daarvan vind. Maar de manier waarop ik daar tegenaan kijk, evolueert sterk. Een paar jaar geleden was het een soort doemdenken. Heel egocentrisch, je waant je het centrum van de wereld. Tegenwoordig zie ik meer het grote proces, de maatschappij als organisch geheel. Zoals de stad, de natuur bij uitstek. Met aan- en afvoer en de mens daar als meest succesvolle diersoort middenin. Dat is iets wat in veel schilderijen is terug te vinden.' De toeschouwer wordt blootgesteld aan een bombardement van indrukken, een stroom van associatieve beelden die een verhaal vertellen waarvan de structuur vaak pas naderhand duidelijk wordt. Dat verhalende karakter van Willems schilderijen en de manier waarop hij zijn onderwerpen in beeld brengt, hangen rechtstreeks samen met zijn werk als striptekenaar. Sinds zijn debuut Son of a Gun uit 1994 publiceerde hij een reeks van boeken en tijdschriftbijdragen waarin hij de relatie tussen tekst en beeld onderzoekt en de verhalen spelenderwijs ontstaan doordat het ene beeld het andere oproept. ' Het blijft me verbazen hoe het menselijk brein onbewust structuur kan aanbrengen waar die eigenlijk volledig ontbreekt,' zegt hij daarover. De manier waarop zijn verhalen zich ontwikkelen, wijkt sterk af van de klassieke, lineaire vertelwijze die in strips gebruikelijk is: 'Het gaat helemaal niet om herkenbare personages die van A naar B hossen om de een of andere schat te vinden. De schat ligt in de zoektocht zelf. Het gaat om de weg, niet om de eindbestemming.'Ook zijn schilderijen en tekeningen laten zich lezen als persoonlijke notities en commentaren die weliswaar voortdurend van de hak op de tak springen, maar die bij elkaar een samenhangend, autobiografisch relaas vormen: een prikbord waarop hij alles wat hem bezighoudt, kwijt kan. Behalve met schilderen en striptekenen houdt Willem zich verder nog bezig met het vervaardigen van objecten en de aankleding van drum 'n' bass-feesten. Ook hijzelf vraagt zich soms af waar hij alle energie vandaan haalt: 'Ik heb vaak het gevoel dat er een co-piloot in mijn hoofd zit. Zelf ben ik niet meer dan het wormvormig aanhangsel.' De spontaniteit die een kenmerk is van Willems werk werd gestimuleerd doordat hij sinds 1997 regelmatig samenwerkt met kinderen: 'De ongeremdheid, de repeterende vormen en het bezig zijn ongeacht het resultaat, allemaal aspecten die ik in de samenwerking met de kleintjes opnieuw mocht ontdekken.' In zijn atelier laat hij zijn dochtertje Neneh meeschilderen aan zijn doeken en hij citeert met instemming Pablo Picasso, die ooit zei dat hij er een mensenleven over had gedaan om te leren schilderen als een kind van drie. WILLEM VERBURG - ENGBack to TopPainting is just part of the activities Willem Verburg (Mijdrecht, 1967) engages, and even in this he uses a multitude of styles, ideas and visual elements. His paintings can be colorful and exuberant, but also monochromatic and subdued. Abstract patterns and color patches are combined with magazine clippings and recognizable, highly stylized animal and human figures. Some characters appear throughout: the robot, the crocodile, the superhero, the astronaut. They refer to one inspired by fairy tales and comics world in which the imagination has been given free rein. William works at high speed. He finds necessary: "I need to keep my own thoughts. So you have the feeling afterwards: "Hey, I made that?" Through my work, I discover what I think. " Expresses an almost obsessive dynamics, which are kept in check. By applying strict compositional principles of the paintings By visual means William is trying to give back a range of moods and emotions such as anger and sadness, but also exultation. His paintings are about 'life, death and what I think of it. But the way I look against it, evolves strongly. A few years ago it was a kind of defeatism. Very self-centered, you feel like you are the center of the world. Nowadays I see more great process, society as an organic whole. Like the city, the nature of choice. With inlet and outlet and man there as the most successful species in the middle. That's something many paintings are back. " The viewer is exposed to a bombardment of impressions, a stream of associative images that tell a story whose structure is often only afterwards clear. That narrative character of Willems paintings and the way he brings his subjects in the picture, are directly related to his work as a cartoonist. Since its debut Son of a Gun 1994 he published a series of books and journal contributions which he explores the relationship between text and image, and the stories playfully arise because one image evokes another. " It continues to amaze me how the human brain can make that which is actually completely missing, "he says about unconscious structure. The way his stories develop, differs significantly from the traditional, linear narrative style that is common in comics: "It's not about recognizable characters from A to B Hossen to find some treasure. The treasure is in the search itself. It is the path, not the destination "His paintings and drawings can be read as personal notes and comments which, while constantly from one thing to another jump, but together a coherent autobiographical narrative forms:. A bulletin board where He can say anything on his mind. In addition to painting and drawing cartoons Willem is further concerned with the manufacture of objects and furnishings of drum 'n' bass parties. He too sometimes wonders where he gets all the energy: "I often feel that there is a co-pilot is in my head. I myself am no more than the appendix. " The spontaneity which is a feature of Willems work was encouraged because he regularly works with children since 1997: "The disinhibition, the repetitive shapes and engaged regardless of the outcome, all of which I could rediscover in cooperation with the little ones." In his studio, he lets his daughter Neneh paint on his canvases, and he quotes with approval Pablo Picasso, who once said that he had made over to learn to paint like a child of three human life. WILLEM VERBURG – GERZurück nach obenDie Malerei ist nur ein Teil der der Aktivitäten, mit denen der 1967 in Mijdrecht geborenen Willem Verburg sich beschäftigt. Und auch in diesem Bereich macht der Künstler Gebrauch von einer Vielzahl Stile, Auffassungen und Bildelemente. Seine Gemälde können farbenreich und ausgelassen sein aber genauso gut monochrom und verträumt. Abstrakte Muster und Farbflächen werden kombiniert mit Zeitungsausschnitten und stark stilisierten Tier- und Menschfiguren. Manche Objekte kehren regelmässig zurück wie der Roboter, der Superheld oder der Raumfahrer. Sie verweisen nach einer von Märchen und Sripfiguren inspirierte Welt, in der die Fantasie freie Bahn bekommen hat. Willem Verburg arbeitet in hohem Tempo. Das erachtet er als notwendig. Er sagt dazu: "Ich muss meinen eigenen Gedanken voraus bleiben. Sodass man hinterher das "Na, habe ich das gemacht?"-Gefühl hat. Über meine Arbeit entdecke ich was ich tue". Aus seinen Gemälden spricht eine fast obsessive Dynamik, die mittels straffer, kompositorischer Prinzipien kontrolliert werden kann. Mit visuellen Mitteln versucht Willem Verburg eine grosse Skala an Stimmungen und Emotionen, wie Wut und Verdruss aber auch ausgelassene Freude, wiederzugeben. Seine Gemälde handeln von "Leben, Tod und "Was davon zu finden ist". Er sagt hierzu: "Aber die Art, in der ich die Dinge betrachte, evoluiert sehr. Einige Jahre davor war dies eher eine Art Schwarzseherei. Sehr egozentrich ausgerichtet und man glaubt sich im Zentrum der Welt. Heutzutage sehe ich eher den grossen Prozess, die Geselschaft als organisches Ganze, mit speziellem Anklang an die Stadt und die Natur. Mit einem Kommen und Gehen und dem Menschen als erfolgreichste Tierart mittendrin. Das ist ein Thema, das in vielen Gemälden zurückzufinden ist". Der Zuschauer wird einem Bombardement von Eindrücken und einem Strom an assoziativen Bildern ausgesetzt, die eine Geschichte erzählen, von der die Struktur erst im Nachhinein klar wird. Der erzählerische Charakter der Gemälde Willem Verburgs und die Art und Weise, in der er seine Themen in Bild bringt, hängen direkt zusammen mit seiner Tätigkeit als Stripzeichner. Seit seinem Debüt 1984 in "A Son of Gun" publizierte er eine Reihe Bücher und Zeitschriftenartikel, in der er die Relation zwischen Text und Bild untersucht. Und die Geschichten spielenderweise entstehen, weil das eine Bild das andere hervorruft. Er sagt dazu: "Es bleibt mich erstaunen, wie der menschliche Geist unbewusst eine Struktur dort hineinbringen kann, wo die eigentlich völlig fehlt". Die Art und Weise, in der er seine Stripgeschichten entwickelt, weicht stark ab von den klassischen. linearen Erzählweise, die in Strips gebräuchlich ist. "Es geht gar nicht um irgendwelche Figuren, die sich von A nach B kämpfen um irgendeinen Schatz zu finden .Der Schatz liegt in der Suche selbst. Es geht um den Weg dorthin, nicht um die Endbestimmung. Auch meine Gemälde und Zeichnungen lassen sich wie persönliche Notizen lesen und Kommentare lesen, die zwar plötzlichen Änderungen unterworfen sind aber miteinander ein zusammenhängendes , autobiografisches Ganzes ergeben". Eine Pinnwand, auf dem er alles platzieren kann, was ihn beschäftigt. Ausser mit dem Malen und Stripzeichnen produziert Willem Verburg auch Objekte und Dekorationen für "drum'n'bass".Veranstaltungen. Manchmal fragt er sich selber woher er diese unbändige Energie her holt. "Ich habe oft das Gefühl, als ob ein Ko-Pilot in meinem Kopf sitzt und ich selbst nur ein wurmartiges Anhängsel darstelle". Die Spontanität, die Willem Verburgs Arbeiten kennzeichnet, wird auch deshalb stimuliert, weil seit 1997 regelmässig mit Kindern arbeitet. "Die Ungereimtheit ihres Handelns, die sich wiederholenden Ausgestaltungen und Beschäftigungen damit ungeachtet des Resultats, sind alles Aspekte, die ich in der Arbeit mit Kindern neu entdecken durfte". In seinem Atelier lässt er seine kleine Tochter mitmalen auf seinen Entwürfen und zitiert dabei gerne Pablo Picasso, der einst gesagt hat: "Ich habe ein Menschenleben gebraucht um so zu malen, wie ein dreijähriges Kind dies von sich aus vermag". » Verdoes, MarkMARK VERDOES – NLTerug naar bovenMark Verdoes is geboren op 30 oktober 1960 te Den Haag. Vanaf zijn jongste jaren heeft hij zich creatief geuit, vooral met tekenen en muziek; zijn eerste foto's maakte hij op ongeveer 6-jarige leeftijd. Begin jaren tachtig studeerde hij aan de school voor Fotografie en Fotonica te Den Haag waarna hij als reportage-fotograaf begon te werken voor diverse bladen als Avant-garde, Esquire etc. In 1990 werd hij lid van het foto-agentschap Hollandse Hoogte te Amsterdam. Tien jaar geleden, verlangend naar een nieuwe creatieve uitdaging, begon hij met schilderen en beeldhouwen. Ter ondersteuning hiervan studeerde hij aan de Koninklijke Academie te Den Haag. Na een aantal jaren had de opdrachtfotografie plaatsgemaakt voor een leven gewijd aan de beeldende kunst. Fotografie bleef echter altijd in zijn hart aanwezig, sluimerend onder de oppervlakte. VISUELE POËZIE 'Home is where the heart is'... Hoezeer de fotografie nog in zijn hart aanwezig is werd duidelijk toen hij een paar jaar geleden weer begon met fotograferen. Het blijkt voor hem de beste manier van werken; met de camera voelt hij zich als een vis in het water. Maar de tijd heeft niet stil gestaan; de jaren in het atelier, worstelend met verf, vorm en compositie hebben zijn houding ten opzichte van het medium behoorlijk veranderd. Bevrijd van het formele juk van de journalistieke reportage benadert hij de fotografie nu geheel als kunstvorm. Spelend met de realiteit voelt hij zich vrij om veranderingen aan te brengen in bijvoorbeeld de kleuren, contrasten en inhoud van een beeld. Na de bewerking die met behulp van de computer ontstaat worden de foto's afgedrukt op aquarelpapier hetgeen ze een gouache-achtige uitstraling geeft. Dit alles bij elkaar resulteert in autonome beelden die de traditionele fotografie overstijgen; beelden die Mark Verdoes zelf graag betitelt als visuele poëzie. MARK VERDOES - ENGBack to TopMark Verdoes was born on October 30, 1960 in The Hague. From his earliest years he has creatively expressed, especially with drawing and music, his first pictures he made at about the age of 6. In the early eighties he studied at the School of Photography and Photonics Hague after he began working for various magazines such as Avant-garde, Esquire, etc. In 1990 he became a member of the photo agency Hollandse height to Amsterdam. Reportage photographer Ten years ago, longing for a new creative challenge, he began painting and sculpting. To support this, he studied at the Royal Academy in The Hague. After several years, the commission photography had given way to a life dedicated to art. Photography always remained in his heart present, lurking beneath the surface. VISUAL POETRY "Home is where the heart is"... How photography is still present in his heart became clear a few years ago when he again took up photography. It seems to him the best way of working with the camera, he feels like a fish in water. But time has not stood still, the years wrestling with paint, shape and composition have in the studio, quite changed his attitude towards the media. Freed from the yoke of formal journalistic reportage he approaches photography as an art form now entirely. Playing with reality he feels free to bring in, for example, the colors, contrasts and content of an image changes. After processing that occurs using the computer the photos are printed on watercolor paper, which gives them a watercolor-like appearance. This all adds up to autonomous images that transcend traditional photography, images that Mark himself like Verdoes describes as visual poetry. MARK VERDOES – GERZurück nach obenMark Verdoes wurde am 30, Oktober 1960 in Den Haag geboren. Von frühester Kindheit an hat er sich kreativ geäussert und sich beschäftigt mit dem Zeichnen und der Musik. Seine ersten Fotos machte er als er etwa sechs Jahre alt war. Zu Anfang der achtziger Jahre studierte er an "Fotogafie en Fotonica"-Schule in Den Haag. Anschliessend arbeitete er als Reportagereporter für diverse Magazine wie Avantgarde und Esquire usw. 1990 wurde er Mitglied der Amsterdamer "Hollandse Hoogte"-Fotoagentur. Etwa vor zehn Jahren begann Mark Verdoes, auf der Suche nach neuen Herausforderungen, mit dem Malen und der Bildhauerei. Hierzu studierte er an der Haager Kunstakademie. Nach einigen Jahren hatte damit die Auftragsfotografie Platz gemacht vor einem Leben, das der bildenden Kunst gewidmet war. Die Fotografie blieb aber immer unterschwellig-schlümmerd anwesend, fast wie eine Art von "visueller Poesie" nach dem Motto "Home is where the heart is". Wie sehr die Fotografie in Willem Does noch verankert war, hat sich vor wenigen Jahren gezeigt, als der Künstler wieder angefangen hat fotografisch zu arbeiten. Die Fotografie ist und bleibt für ihn die beste Möglichkeit sich zu äussern. Mit der Kamera fühlt er sich wie ein Fisch im Wasser. Aber die Zeit ist in den Atelierjahren nicht stehengeblieben. Sein Ringen mit der Farbe, der Form und der Komposition haben seine Haltung in Hinblick auf das Medium Fotografie ganz erheblich geändert. Befreit vom Joch der fotografisch-journalistischen Auftragsarbeiten nähert er sich der Fotografie nun als ebenbürtige Kunstform. Mit der Realität spielend fühlt er sich frei gewisse Änderungen vorzunehmen in seinen Arbeiten bezüglich Farbe, Kontrast und Bildinhalt. Nach der entsprechenden Bearbeitung mit dem Computer werden die Fotos auf Aquarellpapier abgedruckt, sodass eine gouachenähnliche Ausstrahlung entsteht. Dies alles zusammengenommen resultiert in autonome Bilder, die die traditionelle Fotografie weit übersteigen. Es sind dies Fotos geworden, die Mark Verdoes gerne als "visuelle Poesie betitelt. » Verkade, KeesBack to Top» Vermeulen, PieterPIETER VERMEULEN – NLTerug naar bovenDe startsituatie van elk werk is een leeg vlak met daarop een punt of lijn. Vanuit dat startpunt ontstaat op haast autonome wijze uit kleuren, lijnvorming en vlakvulling een compositie. Met deze compositie wordt geen weergave of interpretatie van de zichtbare werkelijkheid nagestreefd. In die zin is dit werk zonder meer abstract te noemen. Hooguit kan achteraf associatief een relatie worden gelegd met figuratieve elementen, of met door het werk opgeroepen emoties. Om die redenen zou men -met de kunstenaar zelf- kunnen spreken van "onberedeneerd expressionisme". Pieter Vermeulen werkt in een atelier, gelegen in een typisch Veluws landschap, tussen Bennekom en Renkum. Het ziet uit op bossen en akkers, soms op grazende reeen. Voor zijn werk is deze intensieve dagelijkse confrontatie met de natuur niet relevant. De natuur vormt geen inspiratiebron; het zou ook kunnen ontstaan op een zolderatelier, of in een fabriekshal. Wat wel relevant is, is de lichtval in het atelier, die de atmosfeer, de kleurkeuze en kleurmenging beinvloedt, soms zelfs stuurt. Voor Pieter Vermeulen verhoogt het werken met acryl de compositiesnelheid, en daarmee de intensiteit. Vaak werkt hij aan meerdere doeken tegelijk. Dit kan leiden tot een (gedeeltelijk) gemeenschappelijk kleurenpalet, of tot emotionele verwantschap van verschillende werken. Een tweede gemeenschappelijkheid is, dat het composities betreft zonder scheiding in hoofd -en bijzaken, expliciete voor-of achtergrond. Het eindresultaat ontstaat in een aantal stadia. Elk van deze stadia wordt geheel of gedeeltelijk overgeschilderd. Soms verdwijnen delen van het werk onder een nieuwe, dekkende laag verf, soms blijven ze door gebruik van transparanten geheel of gedeeltelijk zichtbaar. Deze werkwijze leidt ertoe dat op het doek langzamerhand een soort relief ontstaat. De schilder zelf "weet" deze gelaagdheid, ze is voor hem de compositie. De beschouwer ervaart of vermoedt haar. Het verleent de schilderijen hun spanning. Veel composities vallen uiteen in twee delen. Soms zijn deze delen in opzet symmetrisch. Wel zijn er steeds subtiele doorbrekingen van een totale symmetrie. PIETER VERMEULEN - ENGBack to TopThe start position of each work is an empty plane containing a point or line. From that starting point arises almost independently of color, line formation and surface filling a composition. This composition is not a representation or interpretation of the visible reality pursued. In that sense, this work is no longer abstract mention. At most, a relationship can be established afterwards with figurative elements or emotions evoked by the work. Associative For these reasons, it would be with the artist-speak of "irrational expressionism". Pieter Vermeulen works in a studio, located in a typical landscape Veluws between Bennekom and Renkum. It looks out on woods and fields, sometimes grazing gazelles. For his work, this intense daily confrontation with nature is irrelevant. Nature is not a source of inspiration, it could also occur in an attic studio, or in a factory. What is relevant is the light in the studio, the atmosphere, the choice of colors and color mixing influences, sometimes even sends. For Pieter Vermeulen increases the work with the acrylic composition, speed, and thus the intensity. He often works on several canvases at once. This can lead to a (partial) common color palette, or to emotional affinity of various works. Another commonality is that it concerns compositions without separation into major and minor issues, explicit foreground or background. The end result occurs in several stages. Each of these stages shall be painted completely or partially. Sometimes parts of the work disappear under a new, opaque layer of paint, sometimes they remain wholly or partially visible. Using transparencies This method leads to a kind of relief gradually formed on the cloth. The painter himself "knows" this stratification, it is his composition. The viewer experiences or suspect her. It gives the paintings their tension. Many compositions fall into two parts. Sometimes these parts are symmetrical design. However, there are still subtle breakthroughs an overall symmetry. PIETER VERMEULEN – GERZurück nach obenDie Anfangssituation eine jeden Werkes ist eine leere Fläche mit darauf einen Punkt oder eine Linie. Von dort aus entsteht in einer fast autonomen Art und Weise aus Farbe, Linienführung und Flächegestaltung eine bestimmte Komposition. In dieser Komposition wird jedoch keine Wiedergabe oder Interpretation der sichtbaren Wirklichkeit angestrebt und in einem solchen Sinne ist die entstandene Arbeit ohne weiteres als abstrakt zu bezeichnen. Es kann höchstens hinterher im assoziativen Sinne eine Relation zu figurativen Elementen oder angesprochenen Emotionnen hineinprojiziert werden. Aus diesen Gründen könnte man - wie die der Künstler dies selbst auch gerne ausdrückt - von einem "onberedeneerd expressionisme"-Stil gesprochen werden. Pieter Vermeulen arbeitet in einem Atelier , das in einer typischen Landschaft der Veluwe-Region zwischen Bennekom und Renkum gelegen ist. Es hat den Blick auf Wälder und Äcker, manchmal gar auf äsende Rehen. Für Vermeulens Arbeit ist diese intensive, tägliche Konfrontation mit der Natur jedoch nicht relevant, die Natur ist nicht seine Inspirationsquelle. Seine Arbeiten könnten auch in einem Dachatelier oder in einer Fabrikshalle entstanden sein. Was wohl wichtig ist, ist der Lichteinfall, der imstande ist die Atmosphäre, die Farbwahl und die Farbmischung zu beeinflüssen, ja manchmal gar zu steuern. Für Pieter Vermeulen erhöht das Arbeiten mit Acrylfarbe die Kompositionsgeschwindigkeit und damit die Intensität. Sehr oft arbeitet er auch an mehrere Gemälde gleichzeitig .Diese Arbeitsweise führt manchmal zu gemeinsamen Farbpaletten oder zur emotionalen Verwandtschaft zwischen den verschiedenen Werken. Die Gleichzeitigkeit zwischen den diversen Gemälden führt oft auch auch dazu, dass gewisse Kompositionen Ähnlichkeiten aufweisen: Keine Trennung zwischen Haupt- und Nebensachen oder ein nachdrücklicher Vorgrund oder Hintergrund. Das Endresultat entsteht in jeweils unterschiedlichen Stadien und ein jedes davon wird ganz oder teilweise übermalt. Manchmal verschwinden bestimmte Bereiche der Kreationen unter einer neuen, deckenden Schicht oder werden mit transparenter Farbe übermalt, sodass sie ganz oder teilweise sichtbar bleiben. Diese Arbeitsweise führt dazu dass auf der Leinwand allmählich ein gewisses Relief entsteht. Der Maler "weiss" um diese Aufschichtung, die für ihn die Komposition des Ganzen ist. Und der Betrachter erfährt oder vermutet einen solchen Ansatz. Dies alles verleihnt den Werken Ihre Spannung. Dabei fallen viele Kompositionen des Künstlers manchmal in zwei Teilen auseinander, die gewissermassen bzw. ansatzweise symmetrisch wirken. Aber manchmal dann doch wieder kurze Symmetriebrüche aufweisen. » Verrijt, AnnaANNA VERRIJT – NLTerug naar bovenHoe word je kunstenaar als je opgroeit in een omgeving waarin dat woord niet lijkt te bestaan? Over eigenzinnigheid, sympatie voor iedereen die buiten de norm valt en een onontkoombaar verlangen. Anna Verrijt (1951) groeit op in een Brabants dorp, dat al snel te klein voor haar is. Meisjes worden er huisvrouw, hoogstens onderwijzeres of verpleegster. Ze tekent graag en veel, maar de wereld van de kunst ligt op een andere planeet. Kunstenaar worden is dan ook onbestaanbaar. Verrijts sympathie voor iedereen die buiten de norm valt, doet haar kiezen voor de psychiatrische verpleging. Later trekt ze de wijde wereld in, naar Nepal en India, waar ze lange tijd woont. Daar leert ze ook haar - Nederlandse - man kennen. Eenmaal terug in Nederland, gaat ze weer aan de slag in de psychiatrie en krijgt twee dochters. Het verlangen naar de kunst laat zich nu echter niet meer in slaap sussen. Ze waagt de sprong en gaat lessen volgen aan de Witte Lelie in Amsterdam. Daar blijkt dat ze al veel te goed weet waar ze heen wil; de docenten vertellen haar dat ze beter meteen aan de slag kan gaan. Verrijt stopt dan ook met de opleiding en begint vastberaden aan haar carrière als kunstenaar. Uit alles blijkt dat ze haar weg gevonden heeft. Ze werkt hard en met plezier, en het succes laat niet lang op zich wachten. Nog steeds verwondert haar dat soms, want ze stelt hoge eisen aan haar werk. Ze blijft niet hangen in een formule of maniertje, maar ontwikkelt zich voortdurend. Als je haar schilderijen chronologisch naast elkaar zet, zie je de barrières die ze overwonnen heeft. Beeldend kunstenaar Anna Verrijt maakt abstracte schilderijen met een subtiele humor, poëtisch en speels. Na een lange reeks verstilde werken in witten en grijzen, breekt in 2004 een nieuwe periode aan met heldere kleuren. De formaten variëren van grote doeken tot paneeltjes van 13x15 cm. Verrijt gebruikt verschillende technieken en materialen. Haar werk wordt regelmatig geëxposeerd in diverse galeries en bevindt zich in collecties van bedrijven en particulieren. ANNA VERRIJT - ENGBack to TopHow to become an artist when you grow up living in an environment in which that word does not seem to? About whimsy, sympathy for anyone who is outside the norm and an inescapable desire. Anna Verrijt (1951) grew up in a village in Brabant, which soon became too small for her. Girls are a housewife, most teacher or nurse. She draws and like a lot, but the world of art is on another planet. An artist is therefore impossible. Verrijts sympathy for anyone who is outside the norm, doing her choose psychiatric nursing. Later, she pulls out into the world, to Nepal and India, where she lived for a long time. There she also teaches her - knowing man - Dutch. Back in the Netherlands, she goes back to work in psychiatry and had two daughters. However, the desire for the art can no longer lull. They take the plunge and go take lessons on the White Lily in Amsterdam. Since it appears that they are all too well knows where she wants to go, the teachers tell her she'd better get started right away. Verrijt therefore stops the training and determination to begin her career as an artist. All this shows that she has found her way. She works hard and having fun, and success does not have to wait long. Still amazes her sometimes because she sets high standards for her work. They will not hang in a formula or mannerism, but continually developing. If your hair paintings chronologically side by side, you see the barriers that she has overcome. Visual artist Anna Verrijt makes abstract paintings with a subtle humor, poetic and playful. After a long series of silent work in whites and grays, breaks in 2004 a new period with bright colors. The sizes range from large canvases to panels of 13x15 cm. Verrijt uses different techniques and materials. Her work is regularly exhibited in galleries and is in the collections of businesses and individuals. ANNA VERRIJT – GERZurück nach obenWie wird man Kümstlerin in einer Umgebung, in der das Wort Kunst nicht zu existieren scheint? Wo der Eigensinn regiert und einem jeden, der ausser der Norm fällt und der ein unstillbares Verlangen danach spürt, wenig Sympathie entgegenschlägt. Für die 1950 in einem Brabanter Dorf geborenen Anna Verrijt wurde diese eingeschränkte Welt schon schnell zu klein. Die Mädchen dort auf dem Lande wurden Hausfrau oder höchstens Lehrerein oder Krankenschwester. Und das war's! Anna Verrijt malte zwar viel und gerne doch die Welt der Kunst lag auf einem amderen Planeten. Einen künstlerischen Beruf anzustreben war dann auch nicht für sie weggelegt. Deswegen wurde sie Krankenscheseter in der Psychiatrie, denn sie bringt Menschen, die ausser der Norm fallen, viel Sympathie entgegen. Später zieht sie in die grosse weite Welt und reist nach Nepal und Indien, wo sie auch längere Zeit wohnt. Dort lernt sie auch ihren niederländischen Ehemann kennen. Wieder zurück in den Niederlanden geht Anna Verrijt wieder in der Psychiatrie arbeiten und bekommt sie zwei Töchter. Ihre Sehnsucht nach der Kunst lässt sich jedoch nicht mehr länger unterdrücken. Sodass sie den Sprung wagt und und Kurse an der"Witte Lelie"-Kunstschule in Amsterdam belegt. Und hier stellt sich bereits rasch heraus, dass Anna Verrijt nur allzu gut weiss in welche Richtung sie gehen will. Ihre Dozenten erklären ihr, dass man ihr nichts mehr beibringen kann und sie am besten gleich mit dem künstlerischen Schaffen beginnen sollte. Anna Verrijt stoppt dann auch mit ihrer Ausbildung und fängt entsschlosen mit ihrer bereits vorgegebenen Karriere an. Es sieht so aus als hätte sie ihren Weg gefunden und sie arbeitet hart und mit viel Spass. Sodass der Erfolg auch nicht lange auf sich warten lässt. Was ihr manchmal doch etwas wundert, da sie hohe Anforderungen an sich selbst stellt. Sie bleibt aber nicht hängen in einer Formel oder in einer Bequemlichkeit sondern entwickelt sich fortwährend weiter. Wenn man ihre Werke nebeneinander stellt, sieht man die Barrieren, die sie im Laufe der Jahre überwunden hat. Die Künstlerin malt abstrakte Gemälde mit einem subtilen Humor, poetisch und spielerisch zugleich. Nach einer ganzen Serie verträumter Arbeiten mit weissen und grauen Flächen, bricht 2004 eine neue Periode an, in der jetzt die Farbe betont wird. Sie malt grossformatige Werke aber auch kleine Paneele nicht grösser als13 x 15 cm.. Anna Verrijt verwendet verschiedene Techniken und Materialien und ihre Arbeiten werden regelmässig auf Ausstellungen gezeigt. Auch befinden sich diverse ihrer Werke in Kollelktionen von Betrieben und Privatpersonen. » Verschuuren, LucLUC VERSCHUUREN – NLTerug naar bovenLuc Verschuuren woont en werkt in het Brabantse Oisterwijk. Hij volgde zijn opleiding aan de Academie voor Schone Kunsten in Antwerpen. Op het eerste gezicht lijkt het werk van Luc Verschuuren een simpele navolging van PopArt. Vergelijkingen met Andy Warhol en Roy Liechtenstein zijn makkelijk te leggen. Hij gebruikt net als deze mensen het, al dan niet opgeblazen, kant en klare plaatje, in dit geval een stripverhaal, als zijn beeldmiddel. Net als in de PopArt maakt hij hier gebruik van vanwege de gecomprimeerde duidelijke zeggingskracht die dit hem biedt. Dezelfde redenen waarom wij bijvoorbeeld een verkeersbord gebruiken met een duidelijk symbool erop. Een vierkant blauw vlak met een witte pijl als aanwijzing voor de toegestane verkeersrichting of een rond bord met een witte streep als verbod tot inrijden is ook diegene die niet precies op de hoogte is met de verkeersregels duidelijk te begrijpen. Stripplaatjes zijn duidelijk. Zij geven in gecomprimeerde vorm, zonder veel behoefte aan tekst en uitleg, de handeling en emoties van de afbeelding weer. Toch is er een duidelijk verschil tussen PopArt uit de jaren 60 en het werk van Verschuuren. Anders dan toen en misschien juist omdat het zo duidelijk wijst naar de 60er jaren, is het werk van Verschuuren niet gespeend van een eigen vorm van ironie. Verschuuren hoeft niet zo nodig een compleet nieuwe beeldmogelijkheid te ontwikkelen om toch een enorme vaardigheid en zeggingskracht tentoon te spreiden. Zijn werk is geen maatschappij-kritische kunst, inzoverre dat het niet de consumentenwereld te kijken zet zoals grootvader PopArt of dat het kritiek levert zoals veel andere eigentijdse kunst die geacht wordt politiek-sociaal geëngageerd te zijn. Het werk van Verschuuren gaat over het in -even- zijn. Over werken met gegevenheden. Het ironiseert somberheid en het eindelijk geforceerd, en vaak onzinnig, zoeken naar een nieuw trucje is de kunst om op te vallen. In deze zin is hij heel goed te plaatsten in een kunststroming die langzamerhand steeds meer vorm begint aan te nemen. Het werk van Verschuuren met zijn opgeblazen, imaginaire stripfiguren in een soms bijna magisch-realistich kleurenkader sluit goed aan bij andere voorbeelden uit die groep zoals dat van Shunyam, Paul Dijkman en het werk van mensen als Vries en Dadara. LUC VERSCHUUREN – ENGBack to TopLUC VERSCHUUREN - GERZurück nach obenLuc Verschuuren wohnt und arbeitet im Brabanter Dorf Oisterwijk. Seine Ausbildung absolvierte er an der "Academie voor schone Kunsten"-Akademie in Antwerpen. Auf dem ersten Blick erscheinen die Werke Verschuurens als einfache Popart-Nachahmung. Vergleiche mit Andy Warhol und Roy Lichtensein sind in der Folge bequem zu ziehen. Wie in der Popart Warhols und Lichtensteins auch macht Luc Verschuuren Gebrauch vom einfachen, wohl oder nicht plastischen, fixfertigen Bild. In seinem Fall ist eine Stripgeschichte sein Bildmittel. Wie in der Popart auch macht Luc Verschuuren dabei Gebrauch von der komprimierten und klaren Aussagekraft , die ihm das Ganze bietet. Es sind dies die gleichen Gründe, weswegen wir beispielsweise ein Verkehrsschild mit einem deutlichen Symbol verwenden .Ein viereckiges Feld mit einem weissen Pfeil als Hinweis auf die einzuschlagende Verkehrsrichtung. Oder wie auch ein rotes, rundes Schild mit einem horizontalen, weissen Strich das als Einfahrverbot auch für solche Personen, die sich in den Verkehrsregeln nicht so genau auskennen, deutlich zu verstehen ist. Stripbilder sind genauso klar in ihrer Aussage. Sie zeigen in komprimierter Form. ohne grossen Bedarf an Text und Erklärung , die Handlung und die Emotionen der gezeigten Szenen. Dennoch gibt es einen klaren Unterschied zwischen der Popart-Kunst der sechziger Jahre und den Werken Luc Verschuurens. Denn anders als damals oder vielleicht gerade weil sie so klar nach den sechziger jahren verweisen, ist sein Werk nicht verschont geblieben von einer ganz eigenen Form der Ironie. Der Künstler braucht nicht unbedingt eine komplett neue Bildmöglichkeit zu schaffen un dennoch eine grosse Fertigkeit und Aussagekraft zur Schau zu stellen. Sein Werk ist auch keine gesellschaftskritische Kunst wie dies einst in der Konsumwelt von "Opa Popart" zur Schau gestellt wurde. Und liefert auch keine Krtik an die zeitgenössische Kunst, die oft politisch-sozial engagiert ist. Das Werk Verschuurens handelt vom Sein des Moments. Es geht über bestimmte Gegebenheiten und es werden die Düsterheit und das letztlich N.B.: moet dat niet "uiteindelijk" heten? forcierte und oft unsinnige Streben, unbeding in der Kunst aufzufallen, ironisiert. In einem solchen Sinne ist Luc Verswchuuren sehr gut zu platzieren in eine Kunstströmung, die allmählich immer mehr um sich zu greifen beginnt. Das Oeuvre Verschuurens. mit seinen aufgeblasenen, imaginären Stripfiguren in einem fast magisch-realistischen Farbrahmen schliesst gut an bei dem anderer Künstler aus dieser Gruppe wie Shunyam und Paul Dijkstra oder auch von solchen Personen wie Vries und Dadara. » Verstijnen, AdAD VERSTIJNEN – NLTerug naar bovenDe kunstenaar omschrijft zijn werk met de volgende woorden: Altijd de andere kant op. Slingeren, vol plezier, heen en weer tussen fantasie en werkelijkheid. Het optimisme schuifelt mij naar voren in een avontuur van creativiteit, waarbij verworvenheden zoveel mogelijk worden vermeden. Meestal ga ik uit van niets. Soms staat een landschap, dan weer een kindertekening centraal. Ik wil grensverleggende waarden aftasten, opvallend werk maken, zodanig dat ik vooral de verwondering en de aandacht van mezelf tref. Wat ik doe heeft geen enkel houvast. Misschien is het de zin van de onzin? Het werk wordt in ieder geval zinvol als het binnen mijn slingeren past. Een heldere uitstraling, een heftige dynamiek, felle kleuren en een soort ruimtelijkheid zijn daarvoor belangrijk. Altijd met alle intentie bezig zijn en dan weer afstand nemen. De worsteling zal blijven. AD VERSTIJNEN - ENGBack to TopThe artist describes his work with the following words: always the other way. Swinging, full of fun, back and forth between fantasy and reality. Optimism shuffles me forward into an adventure of creativity, where achievements are avoided. Usually I go out of nothing. Sometimes a country setting, then a child's drawing central. I want groundbreaking scanning values, create striking work, so I mostly wonder and attention from myself more. What I do has no grip. Maybe it's the sense of nonsense? The work is at least useful if it fits my swing. A bright appearance, a violent dynamics, bright colors and a kind of spaciousness are therefore important. Always with every intention are doing and then take away. The struggle will continue. AD VERSTIJNEN – GERZurück nach obenDer Künstler umschreibt sein Werk mit den folgenden Worten: "Immer in die entgegengesetzte Richtung, rastlos schlingern, mit viel Spass hin und her zwischen Fantasie und Wirklichkeit gondeln. Der Optimismus schlürft mich nach vorne in einem Abenteuer der Kreativität, wobei das Althergebrachte so viel wie möglich vermieden wird. Meistens geh ich von gar nichts aus. Manchmal steht eine Landschaft, dann wieder ein Kinderbild zentral. Ich will grenzüberschreitende Werte abtasten und auffällige Arbeiten abliefern womit, ich ich in erster Linie meine eigene Verwunderung und Aufmerksamkeit ausleben kann. Was ich tue hat nicht den geringsten Halt. Vielleicht ist es den Sinn des Unsinns. Das erzielte Werk ist jedenfalls sinnvoll, wenn es in den Bereich meines eigenen hin und her Schlingerns passt. Eine klare Ausstrahlung, eine heftige Dynamik, grelle Farben und eine gewisse Raumordnung sind dafür wichtig. Immer mit aller Intensität und Ziegerichtheit beschäftigt sein und dann wieder Abstand nehmen. Das Ringen jedenfalls wird bleiben". » Vessem, Henk vanHENK VAN VESSEM – NLTerug naar bovenHenk van Vessem studeerde aan de Academie voor Beeldende Kunsten in Rotterdam tussen 1959 en 1962. De schilderkunst van Henk van Vessem is expressief en dynamisch van karakter. Henk van Vessem is een kunstenaar met een groot gebaar die werkt in sterk contrasterende kleuren, althans voor zover dat de doeken betreft. De pastels zijn van een meer vriendelijke natuur en vertonen zachtere kleuren. De voorstellingen op de doeken zijn met verf en paletmes gebeeldhouwd tot expressionistische landschappen, waarin geen velden of wegen te bekennen zijn, maar wel de tekens van bespiegelingen van mentale aard. De kunstenaar schuwt niet voor de omkering van het vraag- en antwoordspel, zoals blijkt uit de titel van een schilderij: "Het water vraagt naar de tijd". Het schilderij "De horizon is tot water geworden" draagt totaal niet de sfeer van een verwaterde vlakte, maar heeft eerder de tegenovergestelde hoedanigheid van een grote zandvlakte zinderend van de hitte. Het verlangen naar water deformeert de waarneming en creëert een fata morgana. Tijd, ruimte en materie worden in de kunst van Henk van Vessem tot exponenten van innerlijke verbeelding. De waarneming speelt zich af "onder het gebladerte van je haar", zoals een doek getiteld is. In tegenstelling tot wat deze titel doet vermoeden, zijn de gedachten van de kunstenaar in zijn schilderwerk helder geformuleerd en in briljante kleuren tot uitdrukking gebracht. Boven ons hoofd staat een zon van vurige gedachten". Welluidender kan een zin niet klinken en het doek dat deze titel draagt, toont het vuur als bron voor nieuwe ordeningen en mogelijkheden in een wereld van vertrouwde interpretaties. HENK VAN VESSEM - ENGBack to TopHenk van Vessem studied at the Academy of Fine Arts in Rotterdam between 1959 and 1962. The painting of Henk van Vessem is expressive and dynamic character. Henk van Vessem is an artist with a grand gesture that works in highly contrasting colors, at least to the extent that the cloths are concerned. The pastels are of a more friendly nature and have softer colors. The performances on his canvases with paint and palette knife carved into expressionist landscapes, which nowhere in sight are but reflections of the signs of mental nature. The artist does not warn of the reversal of the question and answer, as evidenced by the title of a painting: "The water demands at the time." The painting "The horizon has become water" does not bear the total atmosphere of a watered plain, but rather the opposite status of a large expanse of sand shimmering in the heat. The desire for water deforms the perception and creates a mirage. Time, space and matter are in the art of Henk van Vessem to exponents of inner imagination. The observation takes place "under the foliage of your hair," as a canvas is titled. Contrary to what the title suggests, are the thoughts of the artist in his painting clearly formulated and expressed in brilliant colors. Above our heads the sun fiery thoughts. "Welluidender is a sentence not sound and the cloth that bears this title, shows the fire as a source for new structures and possibilities in a world of familiar interpretations. HENK VAN VESSEM – GERZurück nach obenHenk van Vessem studierte von 1958 bis 1962 an der "Academie voor Beeldende Kunsten"-Akademie in Rotterdam. Sein Werk kann als expressiv und dynamisch im Charakter bezeichnet werden. Henk van Vessem ist ein Künstler der grossen Geste, der sich gerne äussert in stark kontratierenden Farben, jedenfalls was seine Gemälde betrifft. Seine Pastellarbeiten haben eine freundlichere Austrahlung und zeigen auch weichere Farben. Die Darstellungen auf den Leinwänden werden mit Farbe und Palettenmesser zu expressionistischen Landschaften gestaltet, in denen zwar keine Felder oder Wege zu erkenen sind aber wohl Zeichen geistiger Konzentration. Henk van Vessem scheut sich nicht der Umkehrung beim Frage- und Antwortspiel. Genauso wie dies aus dem Titel eines seiner Gemälde hervorgeht: "Das Wasser fragt nach der Zeit". Und auch sein Gemälde "Der Horizont ist zum Wasser geworden" zeigt sich als eine verwässerte Fläche und im gegengestellten Sinne auch wieder als eine von Hitze zitternde Sandfläche. Das Verlangen nach Wasser deformiert die Wahrnehmung und kreiert auf dieser Weise eine Fata Morgana. Zeit, Raum und Materie werden in der Kunst Henk van Vessems zu Exponenenten seiner inneren Fantasie. Die Wahrnehmung spielt sich ab unter dem "Blattwerk Deines Haares", wie eines seiner Gemälde tituliert ist. Im Gegenstz zu dem, was dieser Titel vermuten lässt, sind die Gedanken des Künstlers bezüglich seiner Kunstmalerei klar formuliert und in brillanten Farben zum Ausdruck gebracht. "Über unserem Kopf steht eine Somne aus feurigen Gedanken" .Wohlklingender kann ein Satz sich nicht artikulieren. Das Gemälde mit diesem Titel zeigt das Feuer als Quelle neuer Ordnungen und Möglichkeiten in einer Welt vertrauter Interpretationen » Vetere, GiovanniGIOVANNI VETERE – NLTerug naar bovenGiovanni Vetere is in 1940 te Strongoli, in het zuiden van Italië geboren. In zijn jeugd was het gebruikelijk dat je meehielp op het land om zo wat extra inkomsten te hebben. Vetere moet dan ook hard werken en is al met al maar 3 jaar naar school geweest. Vetere is het leventje zoals het zich in dit kleine dorpje, verstokt van de rest van de wereld al gauw zat en besluit op 17 jarige leeftijd te vertrekken. Hij komt terecht in Turino waar hij alleen in aanmerking komt voor ongeschoold werk daar hij nauwelijks een opleiding heeft genoten. Hij pakt van alles aan en stuurt de helft van zijn geld naar huis. Als hij 19 is keert hij terug naar zijn geboortedorp, hij moet in militaire dienst maar blijkt niet opgewassen te zijn tegen het zware regime. Om hier onderuit te komen tekent hij een contract om voor 10 jaar in Duitsland te gaan werken. In 1968 ontmoet hij zijn vrouw en 4 jaar later krijgen ze een dochter. Zijn vrouw koopt een doos met waterverf voor hun dochter en Vetere begint met dieren voor haar te schilderen. Aangemoedigd door zijn vrouw gaat hij verder en spendeert meer en meer tijd aan het schilderen. Ondertussen werkt hij in een fabriek. In 1973 heeft hij zijn eerste expositie in Troisdorf. Hij gaat zelf ook musea bezoeken en leert zichzelf allerlei technieken aan en experimenteert met materialen. In 1975 besluit hij om zelf een galerie te beginnen. Op de eerste verdieping van zijn huis exposeert hij zijn eigen werk en geeft beginnende kunstenaars de kans om zich te presenteren. Een jaar later begint hij ook met het maken van beelden maar op een dag als hij bezig is aan een beeld van hout verminkt hij zijn hand. Hij kan deze zeer lange tijd niet gebruiken om beelden mee te maken. Ter compensatie begint hij schilderijen met behulp van zand te maken en zo ontstaat er reliëf in zijn schilderijen. In 1985 geeft Vetere zijn baan in de fabriek op omdat hij kan leven van de opbrengsten van zijn kunst. Hij werkt nog steeds met veel plezier aan zijn beelden maar hij durft ze niet meer van hout te maken. Diverse beelden worden aangekocht door galeries. In 1989 verlaat Vetere Troisdorf om in Eitorf een oude fabriek te betreden. Het complex wordt verbouwd zodat hij er met zijn gezin kan wonen en er genoeg ruimte is om te werken aan zijn kunst. Hij exposeert hier zijn kunst en in de beelden tuin kan men zijn beelden bekijken. GIOVANNI VETERE - ENGBack to TopGiovanni Vetere was born in 1940 in Strongoli, in southern Italy. In his youth, it was customary that you helped the country in order to have some extra income. Vetere must therefore work hard, and has been to school with all but three years. Vetere is life as it is in this small village, hardened by the rest of the world soon sat and decides to leave. At age 17 He ends up in Turino, where he only qualifies for unskilled work because he has hardly received an education. He takes everything and sends half of his money home. When he was 19, he returns to his native village, he entered military service, but does not appear to take a brutal regime. Cope To get there slicing he signs a contract for 10 years to work in Germany. In 1968 he met his wife and four years later they have a daughter. His wife buys a box of watercolors for their daughter Vetere and begins to paint animals for her. Encouraged by his wife, he goes and spends more and more time to painting. Meanwhile, he works in a factory. In 1973 he had his first exhibition in Troisdorf. He will also visit museums and taught himself all sorts of techniques and experimenting with materials. In 1975 he decided to start a gallery. Itself On the first floor of his house, he exhibited his work and gives aspiring artists the opportunity to present themselves. A year later he starts taking pictures but one day when he was working on a picture of wood he maimed his hand. He can not use it very long time to do with it. Images To compensate, he begins to make paintings using sand and thus creates relief in his paintings. In 1985 Vetere gives his job at the factory because he can live off the proceeds of his art. He still works with pleasure at his pictures, but he does not dare to make them. Timber Several images are acquired by galleries. In 1989 Vetere Troisdorf leave to enter. An old factory in Eitorf The complex is grown so that he can live there with his family, and there is enough room to work on his art. He exhibits his art here and in the garden you can view images are images. GIOVANNI VETERE – GERZurück nach obenGiovanni Vetere wurde 1940 in Strongoli im Süden Italiens geboren. In seiner Jugend war es üblich, dass die Kinder bei der Landarbeite mithelfen mussten, sodass die Kasse etwas aufgebessert werden konnte. Er musste somit hart arbeiten in seiner Jugend und hat die Schule auch nur für 3 Jahre besuchen können. Das Leben im kleinen Dorf, abgeschnitten vom Rest der Welt, behagt ihm absolut nicht und so entschliesst er sich bereits als Siebzehnjähriger wegzuziehen. Er belandet in Turin, wo er aber nur als ungelernte Kraft arbeiten kann, da er ja keine Ausbildung genossen hatte. Er nimmt jede Arbeit an und schickt die Häfte des verdienten Geldes immer nach Hause. Als neunzehnjähriger kehrt er wieder in sein Dorf zurück, da er den Militärdienst absolvieren soll. Es zeigt sich jedoch bald, dass er nicht aufgewachsen ist gegen das harte Regime des Militärdienstes. Damit er daraus kommen kann, zeichnet er für einen zehnjährigen Arbeitskontrakt in Deutschland. 1968 lernt er seine Frau kennen und nach vier Jahren kommt ihre Tochter auf die Welt. Als seine Frau kauft für die Tochter eine Dose mit Wasserfarben und Vetere kauft, beginnt Giovanni Vetere Tiere für sie zu malen. Von seiner Frau ermutigt macht er weiter und verbringt immer mehr Zeit mit dem Malen. Gleichzeitig arbeitet er in einer Fabrik. 1973 hat er seine erste Ausstellung in Troisdorf. Unterdessen besucht er Museen und eignet er sich allerlei Techniken an .Auch experimentiert er mit unterschiedlichen Materialien. Im ersten Stock seines Hauses stellt er seine eigenen Arbeiten aus und erhalten auch beginnende Künstler die Gelegenheit dort auszustellen. Ein Jahr später beginnt er auch mit der Bildhauerei doch als er eines Tages eine Holzskulptur am bearbeiten ist, verstümmelt er seine Hand. Er kann diese Hand sehr lange Zeit nicht gebrauchen und als Kompensation fängt er schliesslich an Gemälde mit Hilfe von Sand herzustellen. In dieser Art und Weise entsteht Relief in seinen Werken. 1985 gibt er seine Arbeit in der Fabrik auf, da er inzwischen von seiner Kunst gut leben kann. Er arbeitet noch immer mit grossem Spass auch an seine Skulpturen doch solche aus Holz traut er sich nicht mehr anzufertigen. Etliche seiner Werke werdeen auch von Galerien angekauft. 1989 zieht Giovanni Vetere von Troisdirf nach Ettorf in eine alte Fabrik um. Er lässt den Komplex umbauen, sodass er dort mit seiner Familie wohnen kann und ausreichend Platz für seine Kunst vorhanden ist .Hier stellt er auch seine Kunstwerke aus und sind im Freien seine Skulpturen im Skulpturengarten zu bewundern. » Vierveijzer, HenkHENK VIERVEIJZER – NLTerug naar bovenVierveijzer ( 1950 ) voltooide zijn studie aan de Academie voor Beeldende Vorming in Tilburg. Na een aantal jaren gebruik te hebben gemaakt van de BKR-regeling begon hij hier en daar te exposeren. Hij heeft zich vooral laten inspireren door de 'Neue Wilden' maar vooral in het bijzonder door Alphons Freimuth (Nieuwe Figuratie). Zijn werk vertoont ook onmiskenbaar overeenkomsten met COBRA en toont dus ook erg kleurrijk. Er is altijd sprake van enige ironie in het werk van Vierveijzer, soms prikkelend..maar soms ook heel pijnlijk. Meestal plaatst Vierveijzer zijn mens -en dierfiguren in een vervreemdende situatie. Zijn werk vindt vooral aftrek in Denemarken alwaar de kunstenaar in meerdere galeries permanent te zien is. HENK VIERVEIJZER - ENGBack to TopVierveijzer (1950) completed his studies at the Academy of Fine Arts in Tilburg. After several years of successful use of the BKR-use scheme, he began to exhibit here and there. He has been particularly inspired 'Neue Wilden' by but especially in particular by Alphons Freimuth (New Figuration). His work has also unmistakable similarities with COBRA and therefore shows very colorful. There has always been some irony in the work of Vierveijzer, sometimes irritating.. but sometimes very painful. Usually puts Vierveijzer are human and animal figures in an alienating situation. His work is mainly deduction in Denmark where the artist is seen standing in several galleries. HENK VIERVEIJZER – GERZurück nach obenHenk Vierveijzer (1950) vollendete seine künstlerische Ausbildung an der "Academie voor Beeldende Vormimg"-Akademie in Tilburg. Er machte einige Jahre von der BKR-Einkoomensregelung für Künstler Gebrauch und stellte an verschiedenen Orten aus. Er hat sich vor allem von den "Neuen Wilden" inspirieren lassen und insbesondere von Alsphonde Freimuth ("Nieuwe Figuratie"). Sein Werk zeigt unverkennbare Ähnlichkeiten mit der COBRA-Bewegung und somit sind seine Arbeiten sehr farbenreich Henk Vierveijzers Arbeiten lasen viel Ironie durchblicken, manchmal prickelnd, manchmal geradezu peinlich. Meistens platziert der Künstler seine Mensch- und Tierfiguren in verfremdende Situationen .Sein Oeuvre ist vor allem in Dänemark beliebt, da er dort in mehreren Galerien permanete Ausstellungen hat » Vogels, AlexanderALEXANDER VOGELS – NLTerug naar bovenAlexander Vogels behoort tot de groep kunstenaars die op reis hun horizon verbreden. Aan de andere kant van de wereld wordt hij geconfronteerd met het leven van de Aboriginals. Later breidt hij zijn kennis van de primitieve culturen uit bij volkeren in Noord Afrika en bij de Indianen in Noord Amerika. Kleur is de meest opvallende eigenschap van zijn oeuvre. De expressie van Vogels berust op spontaniteit. Hij schildert niet op basis van een plan. Toch ontstaat er altijd iets herkenbaars tijdens het schilderproces. Voor al te decoratieve effecten van zijn aan volksculturen ontleende figuratie hoedt hij zich. Verder bespeurt men maskers en voorwerpen uit exotische riten, maar ook landschappelijkheden. Olieverf is het favoriete medium van Vogels op formaten die hem armslag geven, maar hij schuwt oilsticks, conté, potloden en houtskool niet. ALEXANDER VOGELS - ENGBack to TopAlexander VOLGELS belongs to the group of artists who travel to broaden their horizons. On the other side of the world, he is faced with the life of the Aborigines. He later expanded his knowledge of primitive cultures in nations in North Africa and the Indians in North America. Color is the most striking feature of his oeuvre. The expression of Birds based on spontaneity. He does not paint according to a plan. Yet there always arises something recognizable during the painting process. For too decorative effects of his figuration derived from folk cultures he shuns. Furthermore, one perceives masks and objects from exotic rites, but also the landscape today. Oil is the preferred medium of Birds on formats that give him leeway, but he cautions oilsticks, conte, pencils and charcoal not. ALEXANDER VOGELS – GERZurück nach obenAlexander Vogels gehört zu den Künstlern, die gerne reisen um ihren Horizont zu verbreitern. So wurde er auf der anderen Seite der Welt mit dem Leben der australischen Aborigines konfrontiert. Später erweierte er seine Kenntnisse der primitiven Kulturen bei Völkern in Nordafrika und bei den Indianern in Nordamerika. Die meist auffällige Eigenschaft seines Werks ist die Farbe. Alexander Vogels' Aussagekraft beruht auf Spontanität und er malt nicht auf der Basis eines Plans. Während des Malprozesses entsteht dann ein erkennbares Motiv. Er unterlässt es aber allzu dekorative Effekte seiner den Volkskulturen entlehnte Figurationen einzubringen. Man spürt die Masken und Gegenstände aus exotischen Riten aber es kommen auch Landschaftselemente durch. Die Ölfarbe ist sein favorisiertes Medium auf meistens grossformatigen Flächen doch er scheut sich nicht auch Gebrauch zu machen von Ölkreide, Conté-Pastell, Bleistift und Holzkohle » Vos, Twan deTWAN DE VOS – NLTerug naar bovenTwan de Vos (Tilburg, 1961) woont en werkt in Wageningen. In 1993 is hij afgestudeerd aan de Hogeschool voor de Kunsten in Arnhem. Sindsdien werkt hij als professioneel beeldend kunstenaar. Hij maakt schilderijen, sculpturen, linosnedes, zeefdrukken en werkt regelmatig in opdracht. Daarnaast is hij betrokken bij diverse andere kunstprojecten, zo is hij bijv. mede-uitgever van de Kunstagenda, docent grafiek en was hij mede-organisator van de Culturele Ronde Wageningen. Twan heeft zijn atelier in een oude steenfabriek, gelegen in de uiterwaarden van Wageningen, direct aan de Rijn. Zijn werk wordt bij diverse galeries in Nederland tentoongesteld, maar ook in België en Duitsland zijn regelmatig exposities te zien. Twan's werk gaat altijd over mensen; hun gevoelens, maar vooral hun onderlinge relaties. De onderwerpen zijn alledaags en worden op een directe humoristische wijze verbeeld. Hij maakt kleurrijke schilderijen, zeefdrukken en beelden. Elk schilderij is een verzameling dagboekpagina TWAN DE VOS - ENGBack to TopTwan de Vos (Tilburg, 1961) lives and works in Wageningen. In 1993 he graduated from the Academy of Arts in Arnhem. Since then he has worked as a professional artist. He makes paintings, sculptures, linocuts, serigraphs and works regularly commissioned. He is also involved in several other art projects, he is such co-publisher of the Arts Calendar, graphics teacher and he was a co-organizer of the Cultural Round Wageningen. Twan has his studio in an old brick factory, located in the floodplains of Wageningen, right on the Rhine. His work has been exhibited in various galleries in the Netherlands but also in Belgium and Germany are regular exhibitions to see. Twan's work is always about people, their feelings, and especially their relationships. The issues are commonplace and are depicted in a direct humorous way. He makes colorful paintings, screen prints and sculptures. Each painting is a collection of diary page TWAN DE VOS – GERZurück nach obenTwan de Vos wurde 1961 in Tilburg geboren und ist in Wageningen aufgewachsen. 1993 ist er an der "Hogeschool voor de Kunsten"-Hochschule in Arnheim abstudiert. Seither arbeitet er als professioneller Künstler. Er macht Gemälde, Skulpturen, Linolschnitte und Siebdrucke .Zudem macht er regelmässig Auftragsarbeiten. Twan de Vos ist an diversen anderen Kunstprojekten beteiligt und ist u.a. Mitherausgeber des "Kunstagenda"-Magazins. Auch war er Mitorganisato des "Culturele Ronde Wageningen"-Events.. Der Künstler hat sein Atelier in einer alten Steinfabrik angesiedelt, der direkt am Rhein im Vorland gelegen ist. Relmässig macht er Ausstellungen in den Niederlanden aber auch in Belgien und Deutschland sind seine Werke zu sehen. Diese zeigen in erster Linie Menschen mit ihren Gefühlen aber vor allem ihre beiderseitigen Relationen. Die Motive sind alltäglich und werden in einer humoristischen Art und Weise dargestellt Twan de Vos macht farbenreiche Gemälde und Siebdrucke sowie Skulpturen. Ein Gemälde ist bei ihm immer eine Tagebuchseite » Vries, Doortje deDOORTJE DE VRIES – NLTerug naar bovenDoortje de Vries is een van die beeldende kunstenaars die beeldend inzicht en eigentijdse visie weet te combineren met een spanningsvolle vakkundigheid. Het grafisch werk van deze kunstenares kenmerkt zich door de combinatie van figuratie naar inhoud en abstractie naar vorm en opzet. Het ogenschijnlijk vlakke karakter van haar druksels (als gevolg van de techniek ontstaan) laat zich bewust contrasteren met een driedimensionale verbeelding van inhoudelijke thema's. Ook teksten en letters maken een essentieel onderdeel uit van haar grafiek. Uit haar gehele oeuvre spreekt een diepe emotionaliteit die gepaard gaat met een serieuze aard. Kompositie, vorm en inhoud samen bepalen het unieke en eigene van het werk. DOORTJE DE VRIES - ENGBack to TopDoortje de Vries is one of those artists that visual insight and contemporary vision can combine with a stressful expertise. The graphic work of this artist is characterized by the combination of figuration and abstraction of form to content and structure. The apparently flat nature of her prints (due to the technique originated) shows conscious contrast with a three-dimensional representation of substantive themes. Also, texts and letters are an essential part of her chart. Expresses a deep emotion that goes along with a serious nature. Her oeuvre Composition, form and content together determine the uniqueness and individuality of the work. DOORTJE DE VRIES – GERZurück nach oben» Vries, Paul dePAUL DE VRIES – NLTerug naar bovenPaul DeVries is geboren in 1967 in Nyon, Zwitserland. In zijn vroegere jaren leefde hij in Duitsand. Sinds 1972 woonde en werkte DeVries in Amsterdam en hij heeft ook in plaatsen als Hawaii, Berlijn of in Indonesië gewerkt. In 1987 en 1988 studeerde hij aan de Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam. Tussen 1986 en 1989 volgde hij aan de Estor Studio School in Amsterdam verschillende lessen in Commerciële Kunst. Ook kreeg hij les van Hans Vanhorck in het aquarellen. Tijdens zijn vele reizen verzamelde hij inspiratie en ontmoette hij nieuwe mensen die zijn passie voor aquarel met hem deelden. Het werk van DeVries is vertegenwoordigd in verschillende galeries in Nederland, Singapore, Duitsland, België. PAUL DE VRIES - ENGBack to TopPaul DeVries was born in 1967 in Nyon, Switzerland. In his earlier years he lived in Ger Sand. Since 1972 lived and worked in Amsterdam DeVries and he also in places like Hawaii, Berlin and worked in Indonesia. In 1987 and 1988 he studied at the Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam. Between 1986 and 1989 he studied at the Studio School in Amsterdam Estor different classes in Commercial Art. He also was taught by Hans Vanhorck in watercolors. During his many travels he gathered inspiration and he met new people who shared his passion for watercolor with him. The work of DeVries is represented in several galleries in the Netherlands, Singapore, Germany, Belgium. PAUL DE VRIES – GERZurück nach oben» Vrijdag, GeertGEERT VRIJDAG – NLTerug naar bovenGeboren in Geldrop (1943). Volgde een opleiding aan de Academie voor Beeldende Kunsten te Tilburg en de Academie voor Industriële Vormgeving te Eindhoven. Geert overleed in 1999. Stilte staat centraal in het werk van Geert Vrijdag. Vanuit de stilte van het witte vlak komen we in contact met beweging, kleur en vorm. Leegte waaruit tenslotte iets opdoemt, iets onbekends. Want we kunnen niet vaststellen dat het een man bij het water of een vrouwenportret is. Het werk van Vrijdag is abstract. "Ik beschouw mijn werken als een praktisch onderzoek naar de wortels van inspiratie en het beeldend proces. Het werk ontstaat los van elke figuratie, zonder vooropgezet idee of beeld en zonder bedachte plannen. Een meditatieve grondhouding, die het mogelijk maakt intuitief te verkennen. Vanuit die leegte doemt iets op; iets onbekends dat gekend wil worden. De ontmoeting met het onbekende noteer ik in vorm, kleur, beweging en materiaal. Het is tegelijk ook een uitdaging om af te zien van routine en traditie en vraagt naar openheid en bereidheid om verder te gaan dan de zichtbare werkelijkheid." Sinds 1988 heeft hij diverse malen ge-exposeerd door heel Nederland en was zijn werk te zien op de European Fine Art Fair (Tefaf) in Maastricht. GEERT VRIJDAG - ENGBack to TopBorn in Geldrop (1943). Studied at the Academy of Fine Arts in Tilburg and the Academy for Industrial Design in Eindhoven. Geert died in 1999. Silence is central to the work of Geert Friday. From the silence of the white area we come in contact with movement, color and shape. Emptiness which finally emerges, something unknown. Because we can not conclude that a man is in the water or a woman portrait. The work of Friday's abstract. "I consider my work as a practical study of the roots of inspiration and the visual process. The work was created independently of any configuration, without a preconceived idea or image, without devised plans. A meditative attitude, which makes it possible to explore. Intuitive From that emptiness looms something, something unknown that is to be known. The encounter with the unknown, I write about form, color, movement and material. But it is also a challenge to refrain from routine and tradition calls for openness and willingness to go beyond the visible reality. "Since 1988, he has on various occasions exhibit returned by the Netherlands and was seen on the work European Fine Art Fair (TEFAF) in Maastricht. GEERT VRIJDAG – GERZurück nach oben» Weele, Wil van derWIL VAN DER WEELE – NLTerug naar bovenMet veel ACRYLVERVE gooi ik mij in mijn werk als schilder. Thema's haal ik uit het leven om mij heen. Simpele gebruiksvoorwerpen kunnen met humor en ernst geweldige symboliek vertegenwoordigen. En dat wil ik weergeven. Het verbeelden met verf en vaak door toepassing van de gemengde techniek stijl, is het schilderproces voortdurend gevuld met verrassingen Op schijnbaar eenvoudige wijze kunnen ingewikkelde dingen neergezet worden. Ik 'speel' voortdurend met mijn materialen. Het maakproces is voor mij belangrijk. Als het product mijn enige doel zou zijn ben ik gauw uitgepraat. Het zou mij meteen klem zetten in mijn expressie. Ik ben vrijwel autodidact. Zoals een kind leert praten. Veel doen en brabbelen en opeens begin je te spreken, zelfs iets te zeggen. Als dat wordt gezien dan ben ik de koning te rijk. Met veel plezier heb ik op heel wat plaatsen geëxposeerd. Ook in het buitenland. Zoals Oostenrijk en Denemarken, Noorwegen. Wat gedaan voor TV en veel in eigen land. Intussen heb ik een stichting opgericht: 'ART FOR ALL'. Twee keer per jaar ga ik met een groep collega's schilderen met kinderen in moeilijke omstandigheden. Dan zie je echt dat kunst iets doet voor het hart. WIL VAN DER WEELE - ENGBack to TopWith many ACRYLIC PAINTS I throw myself in my work as a painter. Topics I get from the life around me. Simple everyday objects can represent great seriousness with humor and symbolism. And I want to show. Imagining with paint and often by applying the mixed media style, the painting process is constantly filled with surprises on seemingly simple way complicated things can be put down. I 'play' with my constant materials. The creative process is important to me. If the product would be my only goal I quickly finished. It would immediately put me stuck in my expression. I'm pretty much self taught. As a child learns to talk. Many do and babbling and suddenly you start to speak, even to say something. If this is seen then I am a king. With great pleasure I have exhibited in many places. Also abroad. Such as Austria, Denmark, Norway. What made for TV and many domestically. Meanwhile, I have a foundation, "ART FOR ALL". Twice a year I go with a group of colleagues painting with children in difficult circumstances. Then you really see that art does something for the heart. WIL VAN DER WEELE – GERZurück nach oben» Weisbuch, ClaudeBack to Top» Werf, Ron van derRON VAN DER WERF – NLTerug naar bovenRon van der Werf (1958) volgde zijn opleiding aan de Koninklijke Academie voor Beeldende Kunst te Den Haag. Van der Werf schildert met acryl, olieverf op doek, paneel en papier, vaak aangevuld met krijt, potlood, textiel en karton. Hij werkt met veel witten die overgaan in bruine of blauwe varianten, geglaceerd in transparante lagen oker, sienna en andere aardtonen. Hij werkt vanuit een innerlijke kracht, een streven naar bepaalde vormen, tegenstellingen en kleuren, naar een bepaald materiaal en pas nadat hij deze op het doek heeft overgedragen laten ze hem inzien wat hij eigenlijk wil. Zijn werk staat dicht bij de muziek, de meest abstracte kunstvorm. Materiaal, kleur en compositie stralen een rust uit die weldadig en krachtig aandoet. Het werk kenmerkt zich door een eenheid, het resultaat van een voortdurend zoeken en aftasten van grenzen vanuit een concentratie en gedrevenheid die heeft geleid tot exposities in binnen- en buitenland. De schilderijen van Van der Werf zijn opgenomen in diverse privé- en bedrijfscollecties in onder meer Polen, Duitsland, Zwitserland en Nederland. "Wie zonder innerlijke beelden leeft, zonder de verbeelding, zonder de sensibiliteit die men nodig heeft om in zichzelf gedachten te associëren, zal helemaal niets zien." RON VAN DER WERF - ENGBack to TopRon van der Werf (1958) studied at the Royal Academy of Art in The Hague. Van der Werf paints with acrylic, oil on canvas, panel and paper, often supplemented with chalk, pencil, fabric and cardboard. He works with a lot of whites that turn into brown or blue varieties, glazed in transparent layers of ocher, sienna and other earth tones. He works from an inner strength, a commitment to certain forms, contrasts and colors, for a given material, and only after he has transferred it to the canvas they let him see what he wants. His work is close to the music, the most abstract art form. Material, color and composition radiate a calm that benevolent and powerful doing to. The work is characterized by a unit, the result of a constant search and scan of boundaries from a concentration and passion that has led to exhibitions at home and abroad. The paintings of Van der Werf are included in several private and corporate collections include Poland, Germany, Switzerland and the Netherlands. "Who lives without inner images, without imagination, without the sensation that one needs to self-associate, thoughts will not see anything." RON VAN DER WERF – GERZurück nach obenRon van der Werf (1958) absolvierte seine Ausbildung an der "Academie voor Beeldende Kunst"-Akademie in Den Haag. Er malt mit Acryl und Ölfarbe auf Paneele und Papier, oft ergänzt mit Kreide, Bleistift, Textilien und Karton. Weiter arbeitet der Künstler mit viel weisser Farbe, die sich in braune oder blaue, glasierte Farbvarianten verläuft, die in transparente Schichten aufgetragen werden. Hierbei dominieren Ocker, Sienna und andere Erdtöne. Ron van der Werf arbeitet aus einer inneren Kraft heraus, aus seinem Streben nach bestimmten Formen, Gegensätzen und Farben, nach einem bestimmten Material. Und erst nachdem er alles auf die Leinwand gebracht .zeigt ihm das Ganze, was er eigentlich beabsichtigt .Seine Werk steht sehr nahe bei der Musik als meist abstrakte Kunstform. Material, Farbe und Komposition seiner Arbeiten strahlen eine Ruhe aus, die wohltuend ist und kräftigt. Das Ganze ist gekennzeichnet durch eine Einheit als Resultat eines fortwährenden Suchens und Abtastens von Grenzen. Seine Konzentration und Getriebenheit haben zu etlichen Ausstellungen im In- und Ausland geführt. Auch befinden sich seine Gemälde in diversen Privat- und Firmenkollektionen in u.a. Polen, Deutschland, der Schweiz und natürlich in den Niederlanden. Der Künstler sagt: "Wer ohne innere Bilder lebt, ohne Fantasie, ohne die Sensibilität in sich selbst Gedanken zu assoziieren, wird gar nichts sehen". » Wessels, AnnetteBack to Top» Westerhuis, Ronald A.RONALD A. WESTERHUIS – NLTerug naar bovenVeelzijdig kunstenaar geboren in 1971. Heeft reeds wereldwijde publiciteit gehad bij de onthulling van zijn sculptuur in het Holland Heineken Huis in Athene 2004 door Erica Terpstra. Steeds meer mensen ontdekken zijn veelzijdigheid en zien hoe Westerhuis van RVS spannende beelden weet te realiseren. RONALD A. WESTERHUIS - ENGBack to TopVersatile artist born in 1971. Has already had worldwide publicity at the unveiling of his sculpture in the Holland Heineken House in Athens in 2004 by Erica Terpstra. More and more people are discovering its versatility and how Westerhuis exciting images of stainless steel is able to achieve. RONALD A. WESTERHUIS – GERZurück nach obenDieser vielseitige Künstler wurde 1971 geboren und erhielt bereits eine weltweite Publizität bei der Enthüllung seiner Skulptur 2004 durch Erica Terpstra im "Holland Heineken"-Haus in Athen. Immer mehr Menschen entdecken die Vielseitigkeit dieses Künstlers und sein Vermögen spannende Bilder aufzurufen » Whitaker, RobertROBERT WHITAKER – NEDTerug naar bovenROBERT WHITAKER – ENGBack to TopBut his most talked-about work was one that most people never got to see when it was released: a photograph of the Beatles on an album cover that was quickly pulled from public view. Known in Beatles lore as the butcher cover, it showed the Beatles, wearing white butchers’ coats, festooned with chunks of raw meat and dismembered dolls. John Lennon, George Harrison and Ringo Starr are smiling; Paul McCartney’s mouth is agape. The album, Yesterday and Today went on sale in selected stores a few days before it was to be officially released by Capitol Records, on June 15, 1966. But the day before the planned release, Capitol recalled the record in the face of distributors’ protests that the cover was in bad taste. Definite numbers are hard to come by, but hundreds of thousands of copies seem to have been recalled. Some 25,000 may have been sold. The cover photo was replaced by another by Mr. Whitaker, the group’s official photographer, showing the Beatles clustered around an upright opened steamer trunk. Mr. Whitaker, who died on Sept. 20 at 71, had said that the idea for the photograph was entirely his, though he was never consistent in explaining it. Sometimes he said he was not sure why he had posed the Beatles that way; other times he said the butcher theme was meant to suggest that the Beatles, so worshipped by their fans, were real flesh-and-blood people. On another occasion he said the image was to be one of three that would tell a story. The album itself was a compilation, offering songs, like Yesterday, from previous albums and others, like I’m Only Sleeping and And Your Bird Can Sing, from the coming British release of the album Revolver. (American versions of Yesterday and "Revolver" featured different songs.) It was the only Beatles record to lose money for Capitol. Still, it rose to No. 1 on the music charts by July 30 and stayed there for five weeks. But for many Beatles’ fans, the hodgepodge nature of the album made the cover the most compelling thing. The album came at a pivotal point in the Beatles’ career, however, midway between their first No. 1 record and their breakup. Many saw the cover picture as a reflection of a new attitude and image: more willing to expand artistically and court controversy, no longer the floppy-haired Fab Four. A few months earlier there was an outcry over John Lennon’s remark that the Beatles were more popular than Jesus, and two months later the band played its last scheduled concert. Reports in the British press, quoting Dave Brolan, a friend and photo-archivist, said Mr. Whitaker died of cancer in West Sussex, England. In addition to photographing events like the Beatles’ 1965 Shea Stadium concert, Mr. Whitaker captured them in private moments. One was of John Lennon with a dandelion covering an eye. Mr. Whitaker’s pictures were used in Revolver’s cover design. He also photographed Gerry and the Pacemakers and other stars handled by the Beatles’ manager, Brian Epstein. Mr. Whitaker photographed much of the London scene of the 1960s and early ’70s, including Carnaby Street fashions. He made pictures of Mick Jagger as a movie actor, and helped create the cover of Cream’s Disraeli Gears, the group’s breakthrough album in the United States in 1967. He also contributed to early editions of the countercultural magazine Oz, including a collage depicting a woman on a toilet flying over the Houses of Parliament. Mr. Whitaker turned to war photography in the 1970s, covering conflicts in Cambodia, Vietnam, Bangladesh and the Middle East. He was wounded by a grenade in Vietnam. He gave up professional photography after his wife, Sue, was nearly killed in Syria by a rocket in 1972. She, a daughter and two sons survive him. Robert Whitaker was born on Nov. 13, 1939, in Harpenden, Hertfordshire, England. At 16, he cut up a book about Dali to make collages, which he then sent to the artist. Three decades later, he met with Dali to try to get inside his head, as he put it, by aiming his camera into his ears, mouth and nose. (In 2007, he published the pictures in a book, In the Company of Dali.) In 1961, Mr. Whitaker moved to Australia, where he owned a studio and shot fashion photos for the Australian edition of Vogue. When the Beatles toured Australia in 1964, he accompanied a journalist friend to interview Mr. Epstein. Deciding Mr. Epstein resembled a Roman emperor, Mr. Whitaker composed a regal photograph of him. Mr. Epstein liked it and introduced him to the Beatles, who soon made him their official photographer. After giving up photography, Mr. Whitaker and his wife bought a farm in England, growing crops and raising cattle. He stored his photographs in a chicken shed. After he was injured in a car accident in 1987, he began cataloging the pictures and ultimately published them in books and showed them at exhibitions, including one at the National Portrait Gallery in London. Pristine, unopened copies of the original Beatles butcher album, originally priced at $2.99, have sold for more than $20,000. Mr. Whitaker said he never owned one. This article has been revised to reflect the following correction: Correction: October 9, 2011 Because of an editing error, an obituary last Sunday about Robert Whitaker, an official photographer for the Beatles, referred incorrectly to the 1966 Beatles album Yesterday and Today. It was a compilation released by Capitol Records in the United States without the Beatles’ direct involvement; it was not a lesser effort by the Beatles. And although it did contain songs that had appeared on the British version of the Help! album, it did not contain the song Help! (Until 1967, the contents of the British and American versions of Beatles albums were not identical.) The obituary also referred imprecisely to the content of Yesterday and Today. While it did contain songs that had appeared on previous Beatles albums and that would appear on the group’s album Revolver later that year, those songs were only on the British versions of those albums, not the American versions. The last 5 years he visited IQ in The Netherlands very often. In 2009 was the last big exhibition in Zwolle, which he enjoyed very much. Exhibition of Robert by IQ was in Kuopio Museum Finland in September en October 2012. A version of this article appeared in print on October 2, 2011, on page A24 of the New York edition with the headline: Robert Whitaker, 71, Beatles’ Photographer. ROBERT WHITAKER – GERZurück nach oben» Wiemers, PeterBack to Top» Wierik, Jan teJAN TE WIERIK – NLTerug naar bovenJan te Wierik gebruikt doorgaans voor een week diverse materialen (“mix-media”): acrylaten, pigmenten en lakacryl. De kleuren van zijn werk zijn primair, de achtergrond is rustig en op de meeste schilderijen staan twee figuren afgebeeld. Soms zijn dat duidelijk dierlijke figuren en ook kan men soms een menselijke gedaante onderscheiden. Hoe dan ook, mens of dier, vrouw of man, vogel of hond, wat deze figuren gemeen hebben is een intense binding of juist een schrijnend gebrek aan contact. Het zijn illustraties van strijdbare wezens. Uit zijn werk spreekt dan ook beklemming, hilariteit, tragiek, liefde en verdriet maar nooit berusting. Hij werkte zelden met een vooropgezet plan. Zelf zie de schilder hierover het volgende "ik wacht niet op inspiratie. Schilderen is mijns inziens een ambacht en ik ga dan ook net als elke andere arbeider, 's ochtens 'gewoon aan de slag'." Geboortedatum: 17-03-1954 / Overleden: 24-08-2002 JAN TE WIERIK - ENGBack to TopJan Wierik typically used for a week several materials ("mix-media") acrylates, pigments and lakacryl. The colors of his work are primary, the background is quiet and most of the paintings are two figures shown. Sometimes these are clearly animal figures and also one can sometimes discern a human form. Anyway, human or animal, woman or man, bird or dog, what these figures have in common is an intense bond or just a glaring lack of contact. The illustrations are fighting creatures. Then speaks tightness, hilarity, tragedy, love and sorrow but never resignation out its work. He rarely worked with a preconceived plan. See the artist himself states the following, "I do not wait for inspiration. Painting is my view, a craft and I'm also just like any other worker," In the morning "just getting started." Date of Birth: 17-03-1954 / Deceased: 24-08-2002 JAN TE WIERIK – GERZurück nach obenJan te Wierik arbeitet meistens mit unterschiedlichen "mixed media"-Materialien wie Pigmenten, Acrylfarben und Acrylaten. Die Farben seiner Arbeiten sind Primärfarben, der Hintergrund ist ruhig und auf den meisten Gemälden sind zwei Figuren abgebildet. Manchmal sind dies Tierfiguren aber ab und zu sind auch die Umrisse von Menschen zu erkennen. Wie dann auch, ob nun Mensch oder Tier, Mann oder Frau, Vogel oder Hund, sämtliche Figuren haben gemeinsam, dass sie entweder eine enge Einbindung oder einen schmerzlichen Mangel an Kontakt aufweisen. Es sind Abbildungen streitbarer Wesen. Und aus dem Werk Jan te Wieriks spricht dann auch Beklemmung oder Heiterkeit, Tragik oder Liebe aber niemals Ergebenheit. Der Künstler arbeitet selten mit einem vorgegebenen Plan. Jan te Wierik sagt dazu: "Ich warte nicht auf Inspiration. Die Kunstmalerei ist meiner Meinung nach ein normales Handwerk und wie jeder andere Arbeiter auch, fange ich morgens einfach an". Jan te Wierik wurde am 17. März 1954 geboren und am 24. Februar 2002 verstorben. » Wijnen, Esther vanESTHER VAN WIJNEN – NLTerug naar bovenEsther van Wijnen is geboren in 1971 te Noordwijk. Na een aantal andere artistieke omzwervingen zoals het bouwen van decors en sets in de filmwereld en het ontwerpen van interieurs voor diverse horecalocaties richt ze zich nu hoofdzakelijk op het schilderen. Ze is autodidact, maar heeft zich in der loop van de jaren verschillende technieken en materialen eigen gemaakt. Zij gebruikt voor haar huidige werk olieverf, vaak gecombineerd met reliëfpasta, papier, of wat ze voor handen krijgt. Het werk valt meteen op door de vrolijke heldere kleuren. Het zijn de alledaagse dingen van het leven die ze schildert en voor iedereen herkenbaar. Ook valt de humor op wat in elk schilderij zit. Haar voorkeur gaat uit naar grote doeken, zodat zij vrij kan werken. Ze maakt naast schilderijen ook muurschilderingen en wordt ingehuurd door bedrijven als freelancer om te helpen bij thema parken. ESTHER VAN WIJNEN - ENGBack to TopEsther van Wijnen was born in 1971 in Noordwijk. After a number of other artistic wanderings like building sets and sets in the film world and designing interiors for various hospitality venues she now focuses primarily on painting. She is self-taught, but in the course of the years, various techniques and materials made private. She used her current work oil, often combined with embossing paste, paper, or what they are getting for hands. The work will immediately notice the bright colors. It's the everyday things of life that she paints and recognizable to everyone. The humor is what is in each painting. Her preference is for large canvases so that they can operate freely. She also makes alongside paintings and murals are hired by companies as a freelancer to help at theme parks. ESTHER VAN WIJNEN – GERZurück nach oben» Wijngaarden, Karel vanKAREL VAN WIJNGAARDEN – NLTerug naar bovenKarel van Wijngaarden is geboren in 1947. Hij is na een opleiding voor de complete woninginrichting werkzaam geweest in de meubel- en woningstoffering en als interieuradviseur. In 1995 waren een aantal bouwstenen de aanleiding tot het bewerken van een steen. Gefascineerd door het vormgeven volgde hij van 1996 tot 1999 diverse opleidingen voor beeldhouwen aan de Vrije Academie voor beeldende kunst en de SKVR te Rotterdam. Daarnaast volgde hij een cursus portret- en modelboetseren en workshops 'hakken in steen'. Daar hij meer en meer werd aangetrokken tot beelden in brons, is hij vanaf 2000 een cursus en enkele workshops bronsgieten gaan volgen. Zijn beelden zijn zowel abstract als figuratief, geinspireerd door de natuur. Ook het vrouwenfiguur staat vaak centraal. Sommige steensoorten bewerkt hij direkt, terwijl voor andere (meestal hardere) soorten een voorstudie in klei of gips wordt gemaakt. Ook voor bronzen beelden maakt hij modellen in was, klei of gips. KAREL VAN WIJNGAARDEN - ENGBack to TopKarel van Wijngaarden was born in 1947. He has worked on training for the complete furnishings in the furniture and home furnishings and interior design as a consultant. In 1995, a number of building blocks were triggered editing a stone. Fascinated by shaping from 1996 to 1999 he attended various courses in sculpture at the Free Academy of Art and SKVR Rotterdam. He also took a course in portrait and model and modeling workshops 'heels in stone'. There he became more and more attracted to images in bronze, he is since 2000 a course and some bronze casting workshops to follow. His images are both abstract and figurative, inspired by nature. Also, the female figure is often central. Some stones he worked directly, while a study in clay or plaster is made. Others (usually harder) species for bronze sculptures he makes models in wax, clay or plaster. KAREL VAN WIJNGAARDEN – GERZurück nach obenKarel van Wijngaarden wurde 1947 geboren und hat eine komplette Ausbildung in dem Wohnungseinrichtungs-Fach absolviert. Anschliessend arbeitete er als Interieurberater in der Möbel- und Ausstattungsbranche. 1965 kam er in Berührung mit der Steinbearbeitung. Fasziniert von der Formgebung absolvierte er in den Jahren 1996 bis 1999 diverse Ausbildungen als Bildhauer an der "Vrije Academie voor beeldende Kunst"-Akademie und an der SVKR-Schule in Rotterdam .Zudem belegte er einen Porträt- und Modellierkurs sowie einen Steinbearbeitungs-Workshop. Auch fing er an sich für Bronzeskulpturen zu interessieren und besuchte er dazu ab 2000 einige Kurse und Workshop im Bronzegiessen. Seine Skulpturen sind sowhl abstrakt als auch figurativ gestaltet und von der Natur inspiriert. Auch die Frau steht oft zentral bei Karel van Wijngaarden. Manche Steinarten bearbeitet er spontan, während für andere, meistens härtere Gesteine eine Vorstudie in Ton oder Gips angefertigt wird. Aber auch für Bronzen werden manchmal Wachs-, Ton- oder Gipsmodelle angefertigt » Wijngaarden, MaartjeMAARTJE WIJNGAARDEN – NLTerug naar bovenMaartje Wijngaarden toont haar schilderijen in olieverf en acryl. Gestart 20 jaar geleden met meer traditionele thema's, ontpopt zij zich weldra als iemand op zoek naar wegen om diepere emoties tot uiting te brengen, betrekking hebbend op de wereld situatie, kortom hoe zij begaan is met mens en dier. In haar werk valt een stoutmoedige verwijdering te ondergaan van wat de mens oppervlakkig aanspreekt. Hoe ongewoon ook de vormen en bewegingen, ze voegen zich naar de spelregels die voor willekeur behoeden. Wat in haar beeldtaal opvalt is het vloeiende, circulerende, zwevende. MAARTJE WIJNGAARDEN - ENGBack to TopMaartje Wijngaarden shows her paintings in oil and acrylic. Started 20 years ago with more traditional themes, she soon reveals himself as someone looking for ways to bring deeper emotions expressed related to the world situation, in short, how it is committed to human and animal health. Her work is to undergo what man superficially appealing. An audacious removal How unusual is also the shapes and movements, they shall comply with the rules that protect arbitrariness. What is striking in its imagery is flowing, circulating, floating. MAARTJE WIJNGAARDEN – GERZurück nach oben» Willemsen, WilWIL WILLEMSEN – NLTerug naar bovenWil Willemsen (Amsterdam, 1943) volgde een opleiding aan de Europaische Academie te Trier en cursussen en stages op de werkplaats van het Van Gogh Museum te Amsterdam. Zij richt zich in haar schilderkunst niet zozeer op het individu en zijn specifieke karaktereigenschappen, maar met name op de onderlinge relaties tussen mensen; de interactie tussen verschillende personen en de zeggingskracht van het lichaam. Willemsen kiest bewust voor een mengvorm die zich op het snijvlak van abstractie en figuratie bevindt. De mensen zijn als zodanig herkenbaar, de houding laat zich lezen, maar elk overbodig detail wordt bewust weggelaten. Wil Willemsen kiest voor het grote gebaar. In ruime, met kwast of spatel opgebrachte vlakken worden contouren van haar personages weergegeven. In laag over laag, wordt een vitale suggestie van de mens, wordt de levendige communicatie tussen mensen, op spontane en intuïtieve wijze in verf op het platte vlak gewekt. Haar figuren stralen emoties als nieuwsgierigheid, jaloezie en berusting uit. Mensengroepen zijn bijeengebonden door ruige verfritmes. Willemsen werkt met acrylverf. Die droogt sneller dan olie, dat past beter bij haar temperament. Ze kiest voor heldere en primaire kleuren en hierin toont de kunstenaar haar positieve levensinstelling. Daarnaast is de compositie open en overzichtelijk. Rood is haar favoriete kleur. De kunstenaar maakt notities in de vorm van tekeningen. 'Aan de houding zie je dat het verschillende persoonlijkheden zijn met een eigen uitstraling en een eigen karakter. Dat werd mijn uitdaging: Kan ik een groep mensen neerzetten met allemaal een eigen expressie? Kan ik de onderlinge relatie laten zien? Wie zijn er in elkaar geïnteresseerd en wie juist niet? En hoe leg ik dat vast op het doek? Het blijft me inspireren.' WIL WILLEMSEN - ENGBack to TopWil Willemsen (Amsterdam, 1943) studied at the Academy in Trier Europaische and courses and internships in the workplace of the Van Gogh Museum in Amsterdam. She focuses her painting is not so much on the individual and their specific characteristics, but in particular the relationships between people and the interaction between people and the expressiveness of the body. Willemsen deliberately chooses a mix that is on the cutting edge of abstraction and figuration is. The men are identified as such, the attitude can be read, but every unnecessary detail is omitted deliberately. Would Willemsen chooses the grand gesture. In broad, brush or spatula applied surfaces contours of her characters are displayed. In layer upon layer, is a vital suggestion of man, the lively communication between people, awakened to the plane spontaneously and intuitively paint. Her figures rays emotions like curiosity, jealousy and resignation from. Groups of people are bound together through rugged paint rhythms. Willemsen works with acrylic paint. Which dries faster than oil, which is better suited to her temperament. She chooses bright, primary colors and here the artist shows her positive attitude to life. In addition, the composition is open and clear. Red is her favorite color. The artist makes notes in the form of drawings. "The attitude you see the different personalities with their own atmosphere and character. That was my challenge: Can I drop a bunch of people all with their own expression? Can I show the relationship? Who is interested in each other and who not? And how do I put it onto the canvas? It continues to inspire me. " WIL WILLEMSEN – GERZurück nach obenWil Willemsen wurde 1943 in Amsterdam geboren. Ihre künstlerische Ausbildung erhielt sie an der "Europäischen Akademie" in Trier, während sie in der Werkstatt des Amsterdamer "Van Gogh"-Museums diverse Kurse und Praktika absolvierte. Sie richtet sich in ihrer Malkunst nicht so sehr auf das Individuum und seine spezifischen Charaktereigenschaften aus sondern ganz besonders auf die beidseitigen Beziehungen zwischen Menschen, auf die Interaktionen zwischen verschiedenen Personen und auf die Aussagekraft von Körpern. Wil Willemsen entscheidet sich ganz bewusst für eine Mischform, die sich auf der Schnittfläche zwischen Abstraktion und Figuration befindet. Die Menschen sind als solche erkennbar und die Haltung lässt sich interpretieren aber jedes überflüssige Detail wird weggelassen. Die Künstlerin wählt die grosse Geste, wobei in weiten, mit Pinsel oder Spachtel aufgetragenen Flächen die Konturen der Personen dargestellt werden. Schicht auf Schicht wird eine vitale menschliche Suggestion erweckt, wird die lebendige menschliche Kommunikation spontan oder intuitiv auf die flache Oberfläche gebracht. Ihre Figuren strahlen solche Emotionen wie Neugierde, Eifersucht und Ergebenheit aus. Menschengruppen werden von struppigen Farbrhythmen zusammengehalten. Will Willemsen arbeitet mit Acrylfarbe. Die trocknet schneller als Ölfarbe und dieser Umstand passt auch besser zu ihrem Temperament. Sie entscheidet sich für helle und primäre Farbtöne und zeigt in dieser Weise ihre positive Lebenseinstellung. Zudem sind ihre Kompositionen immer offen und übersichtlich. Rot ist ihre Lieblingsfarbe. Die Künstlerin macht sich zuerst Notizen mittels Zeichnungen. "An der Haltung sieht man, dass es unterschiedliche Persönlichkeiten sind mit einer eigenen Ausstrahlung und einem eigenen Charakter. Derart entsteht die Herausforderung, ob ich eine Gruppe von Menschen darstellen kann mit jeweils eigener, verschiedenartiger Ausdruckskraft. Gelingt es mir die gegenseitige Beziehung aufzuzeigen? Wer ist an wen interessiert oder gerade nicht? Und wie bringe ich das auf die Leinwand? Es bleibt mich inspirieren". » Williams, Charles K.Back to Top» Wisman, BertBack to Top» Witteveen, HollyHOLLY WITTEVEEN – NLTerug naar bovenIn het oeuvre van Witteveen bieden de titels soms houvast, maar soms zetten zij de kijker ook op het verkeerde been. De titels ontstaan gaandeweg of worden achteraf toegevoegd. Ieder werk van Witteveen is een "klein verhaal", een visueel puntdicht met een spottende of schertsende inhoud; een wereld die zich niet zomaar blootgeeft. Er komen zowel figuratieve als abstracte elementen in voor, beeldtekens die telkens in andere verbanden opduiken. Strakke en organisatorische vormen wisselen elkaar af. De voorstellingen van Witteveen stralen een vreemde kracht uit, waarin dingen een ziel en een eigen wil lijken te hebben, meer zijn dan voorwerpen alleen. Afmetingen en de verhoudingen tussen figuurtjes en voorwerpen onderling hebben niets met de werkelijkheid van doen. Perspectief ontbreekt, waardoor de voorstellingen een sterke mate van vlakheid krijgen, waarin de figuren en voorwerpen stijfjes opgesteld zijn. Dit maakt ze juist extra intrigerend. De beelden zijn bevroren. Alsof het bewegende beeld als een still in een speelfilm op een cruciaal moment is stilgezet. Dat ene moment is een samenvatting waarin alle lagen bij elkaar komen. Daardoor krijgt het werk een uitstraling die tijdloos is. De beschouwer kan en mag ermee doen wat hij wil: de psychologische diepte die de maker erin heeft gestopt biedt eindeloze mogelijkheden tot associëren en interpreteren. Iedereen kan uit het cryptische beeld zijn eigen conclusies trekken. Holly Witteveen ruwt zijn etsplaten veelal op met een soort glaswol, waardoor een suggestieve doortekening van de ondergrond ontstaat. Het inkleuren doet hij afwisselend met transparante en dekkende verfsoorten, hetgeen een bijzonder verassend effect geeft. HOLLY WITTEVEEN – ENGBack to TopIn the work of Witteveen titles offer some guidance, but sometimes they also put the spotlight on the wrong track. Titles occur gradually or added afterwards. Every work of Witteveen is a "little story", a visual epigram with a mocking or bantering content, a world that is not simply exposes. There are both figurative and abstract elements for image marks likely to be encountered in other contexts. Tight and organizational forms alternate. The performances of Witteveen radiate a strange power, in which things a soul and a will appear to have more than just objects. Dimensions and relationships between characters and objects themselves have nothing to do with reality. Perspective is lacking, so that the gain shows a high degree of flatness, in which figures and objects are stiffly prepared. This makes them just extra intriguing. The images are frozen. As if the moving image as a still is still put. In a film at a crucial time That one moment is a summary in which all the layers come together. This gives the work a look that is timeless. The viewer can and should do what he wants: the psychological depth that the author has put into it offers endless opportunities to associate and interpret. Everyone can learn from the cryptic image his own conclusions. Holly Witteveen roughen etching plates are often with a sort of glass wool, so that by drawing a suggestive of the base surface is achieved. The coloring he does alternating transparent and opaque paints, which gives a very surprising effect. HOLLY WITTEVEEN – GERZurück nach oben» Wittwer, GeorgGEORG WITTWER – NLTerug naar bovenGeorg Wittwer is geboren in 1959 in Koblenz. Tussen 1978 en 1987 werkte hij als tuinman. Hierna begon hij aan zijn studie aan de Kunstacademie in Düsseldorf met als hoofdvak Beeldhouwen. Hij had hier onder andere les van professor Reusch en professor T. Cragg. Sinds zijn afstuderen werkt Wittwer als freelance-kunstenaar. Sinds 1992 is hij lid van de Kunstgroep in Bonn en van 2001 tot 2004 werkte hij als docent aan de kunstacademie in Düsseldorf. GEORG WITTWER – ENGBack to TopGeorg Wittwer was born in 1959 in Koblenz. Between 1978 and 1987 he worked as a gardener. Then he began his studies at the Art Academy in Düsseldorf majoring in Sculpture. He was here, among other lessons from Professor Reusch and Professor T. Cragg. Since graduating Wittwer works as a freelance artist. Since 1992 he is member of the Art Group in Bonn and from 2001 to 2004 he taught at the Art Academy in Düsseldorf. GEORG WITTWER – GERZurück nach obenGeorg Wittwer wurde 1959 in Koblenz geboren. Nachdem er zuerst als Gärtner gearbeitet hatte begann er 1987 mit einer künstlerischen Hauptausbildung in der Bildhauerei an der Düsseldorfer Kunstakademie. Hier wurde er u.a. unterrichtet von Professor Reusch und Professor T. Cragg. Seit seinem Abschluss arbeitet Georg Wittwer als Freelance-Künstler. 1992 ist er Mitglied der "Kunstgruppe Bonn" geworden und von 2001 bis 2004 arbeitete er als Dozent an der Düsseldorfer Kunstakademie. » WoutersBack to Top» YaskilBack to Top» Yue, ZhaBack to Top» Zomerdijk, YvonneYVONNE ZOMERDIJK – NLTerug naar bovenYvonne Zomerdijk is in 1992 afgestudeerd als visualiser/grafisch ontwerper aan het Grafisch Lyceum in Amsterdam. Na een tiental jaar werkzaam te zijn geweest op diverse reclamebureau's als visualiser/ontwerper is ze momenteel werkzaam als beeldend kunstenaar. "Het werk van Yvonne Zomerdijk heeft humor, je wordt er vrolijk van. De thema's van haar werken zijn uitvergrotingen van situaties in het dagelijks leven. De compositie werkt vervreemdend, dikke figuren vullen bijna het hele schilderij. Dat wordt nog versterkt door het lage standpunt waardoor de lijven, armen en benen nok dikker lijken en de hoofden nog kleiner. De menselijke figuren op haar schilderijen zijn bijna parodieën maar wel liefdevol behandeld, ze worden niet belachelijk gemaakt. Ook al hebben ze geen gezichtsuitdrukking, door de houding van de figuren worden verhalen en emoties opgeroepen. Ik kan wegdromen bij haar schilderijen en zie ze als het begin of einde van een verhaal. Haar werk doet me ook denken aan het ballet Grooseland van Maguy Marin, waarin de dansers dikke pakken dragen. Daarin is sprake van dezelfde humor. De thema's van haar werk zijn zo oer-Hollands: strand, wei, water, kust, dat iemand daar inspiratie uithaalt en met een knipoog behandelt vind ik een mooie combinatie". Els Joosten, provinciaal consulent kunsteducatie. YVONNE ZOMERDIJK – ENGBack to TopYvonne Zomerdijk graduated in 1992 as a visualiser / graphic designer at the Graphic Lyceum in Amsterdam. After ten years of being in various advertising agencies as a visualiser / designer working she is currently working as an artist. "The work of Yvonne Zomerdijk has humor, you will be happy.'s Themes of her works are enlargements of situations in everyday life. The composition is alienating, thick figures fill almost the whole painting. This is reinforced by the low position so the bodies, arms and legs ridge appear thicker and heads smaller. Human figures in her paintings are almost parodies but lovingly handled, they are not ridiculed. Even though they have no facial expression, by the attitude of the figures stories and emotions evoked., I can dream away in her paintings and see them as the beginning or end of a story. Her work also reminds me of the ballet Groos Land Maguy Marin, in which the dancers wear thick suits. It speaks of the same humor. the themes of her work are so typically Dutch: beach, meadow, water, coast, somebody inspiration uithaalt there and deals with a wink, I find a nice combination. " Els Joosten, provincial arts consultant. YVONNE ZOMERDIJK – GERZurück nach obenYvonne Zomerdijk hat 1992 abstudiert an der "Grafisch Lyceum"-Schule in Amsterdam als Visualiser/Grafikerin. Nachdem sie in diesem Beruf etwa zehn Jahre in verschiedenen Werbebüros gearbeitet hatte, ist sie heutzutage als bildende Künstlerin tätig. Nachfolgend eine Impression von Els Joosten ("provincial consulent kunsteducatie"): "Das Werk Yvonne Zomerdijks hat Humor, man wird fröhlich davon. Die Themen ihrer Arbeiten sind Vergrösserungen von Alltagssituationen. Die Komposition wirkt verfremdend, massige Figuren füllen fast das ganze Bild aus. Dies wird noch verstärkt von der räumlichen Anordnung in den unteren Bereich, sodass die Körper, die Arme und die Beine noch dicker erscheinen. Und die Köpfe noch kleiner. Die menschlichen Figuren geraten fast zu Parodien aber sie werden dennoch liebevoll behandelt. Und nicht lächerlich gemacht. Auch wenn sie über keinen Gesichtsausdruck verfügen, bewirkt die Haltung der Figuren, dass Geschichten und Emotionen aufgerufen werden. Ich kann wegträumen bei ihren Gemälden und sehe diese als entweder als der Beginn oder als das Ende einer Erzählung. Ihr Werk lässt mich auch denken an das Ballett Grooseland" von Maguy Marin, wo die Tänzer dicke Anzüge tragen. Das ist in etwa der gleiche Humor wie bei Yvonne Zomerdijk. Die Themen Ihrer Arbeiten sind ur-holländisch: Strand, Weide, Wasser, Küste usw. Dass jemand sich davon inspirieren lässt und uns dabei zuzuzwinkern in der Lage ist, finde ich eine wunderbare Kombination". |